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Arte a Venezia – Il Giardino Bianco – Art Space Venezia – Castello 1814 – via Garibaldi

Il Giardino Bianco – Art Space
Venezia, Castello 1814 – via Garibaldi
Marialuisa Tadei. Endlessly
a cura di Alan Jones
fino al 5 novembre 2017

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Marialuisa Tadei, Incontro , 2014

In concomitanza con la 57. Esposizione Internazionale d’Arte – la Biennale di Venezia, è esposta fino al 5 novembre 2017 presso “Il Giardino Bianco – Art Space”, la personale “Marialuisa Tadei. Endlessly”.
La mostra, a cura di Alan Jones, presenta una selezione di sculture fra cui numerose inedite , oltre a un nucleo di opere fotografiche e acquarelli su carta .
Le opere scultoree di Marialuisa Tadei, realizzate con materiali differenti fra loro come acciaio, alluminio, bronzo, vetroresina, alabastro, marmo, onice e vetro soffiato , mettono in evidenza l’accurata ricerca dell’artista rivolta allo spazio e al dialogo che crea con esso. Osservando i suoi lavori risalta la prerogativa di invertire la specificità del materiale impiegato, il ferro diviene leggero, il vetro soffiato assume densità e viene di conseguenza annullata quella contrapposizione tra leggero e pesante, chiuso e aperto, opaco e trasparente.
Un altro aspetto importante sono le forme, che nella maggior parte dei casi presentano la caratteristica della sinuosità; i ritmi armonici e ben bilanciati, sono espressi da linee curve, sia che si tratti di opere in alabastro come Abbraccio (2016) che si contraddistingue per la grazia superlativa, o di lavori in acciaio, come Sospiro (2017) che racchiude nella forma di una goccia un’infinita delicatezza. L’elemento impattante è il colore, la scelta di toni molto accesi e vivaci crea un richiamo magnetico ulteriormente evidenziato da elementi che si intrecciano, che si sfiorano e che si accostano l’uno all’altro. L’esito è il medesimo seppure si tratti di un incontro tra individui provenienti da luoghi e culture diverse metaforicamente rappresentato nella scultura in acciaio inossidabile e vetro Incontro (2014), di petali variopinti che esplodono dal pistillo come si osserva nella fusione in bronzo Fiore (2016), di volumi complementari che si intersecano alla perfezione e che originano Vita (2017) o infine di corpi dinamici che si uniscono in un profondo abbraccio, Insieme (2017). L’artista si sofferma inoltre sulla luce e sugli effetti generati, dalla trasparenza, all’assorbimento, al riflesso; l’elemento luminoso crea con i materiali un profondo legame e contribuisce a dare nuovi significati alle opere.
Marialuisa Tadei trova nella natura, nella scienza e nella biologia le principali fonti d’ispirazione e le reinterpreta attraverso forme astratte, allegoriche e ricche di simboli; molto attenta alla realtà tangibile le sue opere divengono il trait d’union con la realtà spirituale e proprio attraverso la sua arte aspira infatti ad avvicinare gli uomini alla dimensione dell’assoluto e dell’infinito. Infinitamente (2017), realizzata ad hoc per la mostra, simboleggia proprio questo concetto.
Il rimando all’elemento naturale e alla scienza è sempre presente anche negli acquerelli e nelle opere fotografiche; queste ultime nascono dalla pittura per poi evolvere in lavori di grande formato su fondo nero, come si osserva in Abissi rosso (2011) e Farfalla (2011).
L’artista sostiene che l’arte permette di compiere un percorso spirituale, che coinvolge lo spettatore e lo conduce in un’esperienza sensoriale volta alla scoperta del mondo emotivo, capace di portare l’anima ad elevarsi da uno spazio materiale a quello metafisico, ed afferma: “Con la mia arte cerco di rivelare l’invisibile, il mistero, di far diventare visibile l’invisibile, cioè la dimensione spirituale”.
Le sue opere sono un invito a cogliere gli aspetti positivi della vita e trasmettono messaggi di speranza e fiducia nel presente e nel futuro.
La mostra è accompagnata da un catalogo , in italiano e inglese, edito da Silvana Editoriale con testo critico di Alan Jones.
Cenni biografici . Marialuisa Tadei nasce a Rimini nel 1964. Studia storia dell’arte all’Università di Bologna, pittura all’Accademia di Belle Arti di Bologna, segue un corso a Düsseldorf sotto la guida di Jannis Kounellis e consegue un master al Goldsmiths’ College di Londra. Dagli inizi degli anni Novanta si dedica alla scultura, esponendo a livello internazionale in gallerie e musei in Europa e America; si esprime inoltre con la fotografia e la pittura.
Le sue opere fanno parte delle collezioni permanenti di vari musei in Italia, Olanda, Germania e Slovenia.
Tra le numerose commissioni pubbliche e private si ricordano le sculture per la stazione ferroviaria di Acerra (Napoli), per la città di Coral Springs in Florida, per il quotidiano Hindustan Times in India, per la grande nave da crociera della Royal Caribbean e per la Florida International University a Miami; l’opera collocata all’esterno degli uffici del The Times a Londra e due lavori esposti nel prestigioso Yorkshire Sculpture Park nel nord dell’Inghilterra.
Ha partecipato alla Biennale d’Arte di Venezia del 2009 e del 2013, alla Biennale di Architettura di Venezia del 2010 e ai Giochi Olimpici di Pechino del 2008.
Hanno curato sue mostre e hanno scritto di lei importanti critici quali: Giuseppe Appella, Luca Beatrice, Beatrice Buscaroli, Omar Calabrese, Luciano Caramel, Giorgio Cortenova, Brane Kovic, Donald Kuspit, Gottlieb Leinz, Pierre Restany, Claudio Spadoni.
www.marialuisatadei.it
Coordinate mostra
Titolo Marialuisa Tadei. Endlessly
A cura di Alan Jones
Sede Il Giardino Bianco – Art Space, Castello 1814 – via Garibaldi, Venezia
Date 10 maggio – 5 novembre 2017
Catalogo italiano-inglese, edito da Silvana Editoriale
Orari da martedì a domenica, ore 10-18. Lunedì chiuso
Ingresso libero
Info pubblico info@ilgiardinobianco.it
Come arrivare Vaporetto Giardini / Arsenale

Arte a Milano ingresso gratuito – GRATTACIELO PIRELLI – PAESAGGI LOMBARDI LUOGHI DELLO SPIRITO

GRATTACIELO PIRELLI
Spazio Eventi di Regione Lombardia, 1° piano
Milano, via Fabio Filzi 22
PAESAGGI LOMBARDI LUOGHI DELLO SPIRITO
a cura di Daniele Lotti e Lauretta Scicchitano
11 – 29 luglio 2017
inaugurazione martedì 11 luglio, ore 13
alla presenza di Philippe Daverio

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Betto Lotti, Le mondine , 1952

La prestigiosa sede Spazio Eventi di Regione Lombardia del Grattacielo Pirelli a Milano ospita dall’11 al 29 luglio la mostra personale di Betto Lotti “Paesaggi lombardi luoghi dello spirito”, a cura di Daniele Lotti e Lauretta Scicchitano, con presentazione di Philippe Daverio .
Nel ricco percorso espositivo viene descritta l’attività artistica di Betto Lotti (1894 – 1977) attraverso oltre 70 lavori , opere pittoriche, acquerelli, carboncini, incisioni, datati fra il 1911 e il 1973, che evidenziano come nella sua pittura abbia privilegiato il tema del paesaggio, degli spazi aperti e descritto con una visione poetica i luoghi a lui molto cari, i paesaggi lombardi .
La mostra si apre con un nucleo di opere realizzate fra il 1911 e 1914, prevalentemente a carboncino, oltre a Le anime (1913) unico dipinto a olio rimasto del suddetto periodo. Sono questi gli anni in cui l’artista nel corso dell’Accademia, stringe una forte amicizia con Ottone Rosai, con il quale al termine degli studi realizza diverse esposizioni. Lo spazio successivo è incentrato sull’attività incisoria, a cui Lotti si dedica per molto tempo, e che vede l’artista soffermarsi su temi e soggetti differenti, sia su scene di vita quotidiana legata al lavoro come Nel cantiere (1918) o La Grande Fornace (1913), sia su situazioni disimpegnate come La Taverna (1913). Che si tratti di acqueforti o di litografie, il segno è netto, secco, molto preciso e nitido, i volumi sono robusti, le linee eleganti e l’uso del chiaroscuro estremamente armonico. Accanto a questi lavori sono inoltre esposti alcuni bozzetti disegnati in trincea e durante la reclusione nel campo di concentramento austriaco di Sigmundsheberg, nel corso della prima guerra mondiale.
La sezione seguente è riservata agli anni ’20 e ’30, in questo lasso di tempo emerge la forte vena di illustratore e cartellonista, che vede Lotti coinvolto in collaborazioni in Italia e all’estero. Con rimandi al simbolismo e all’espressionismo, molto originali e di impatto, anche grazie alle cromie vivaci oltre al tratto ben definito sono La dame poussé par le vent (1925), l’illustrazione per la casa musicale Saporetti e Cappelli (1925) e Lotti Clown (1925) il poster che gli ha conferito notorietà internazionale.
Il percorso prosegue con un avvenimento importante nella vita dell’artista, il trasferimento di cattedra in Lombardia, inizialmente a Stradella e poi a Como, con le prime testimonianze legate a soggetti della realtà regionale fra cui si ricordano gli acquerelli In risaia(1934), Lago di Como (1940) e Barche sul lago di Garda (1957); temi che ritornano anche nei disegni e nelle chine di quegli anni come in Cantieri a Milano (1952) e in La Portatrice (1961).
Queste opere preannunciano il cuore dell’esposizione, ovvero la sala dedicata alle tele dei paesaggi lombardi tutte realizzate ad olio. Caratterizzati da una forte legame con la natura, con la realtà che lo circonda e in stretta connessione con il movimento del Novecento, che prediligeva purezza delle forme e armonia nella composizione, questi lavori sono anche carichi di spiritualità e pervasi da un’atmosfera malinconica, legata al ricordo di un passato vissuto in Liguria e in Toscana. Dell’area lombarda vengono descritti i luoghi nelle differenti sfaccettature, ma anche i colori, il mutare della luce nelle varie ore del giorno, le persone, i lavori e le abitudini e ne emerge un racconto completo ed esaustivo. Nelle sue vedute, in cui si scorge un costante equilibrio compositivo, emergono, immersi in un’atmosfera silenziosa e solenne, gli elementi essenziali del paesaggio, raffigurati con colori tenui e luci soffuse.
Pennellate morbide e sfumate, toni delicati descrivono una scena di vita quotidiana, legata alla vita semplice e rurale nella tela Le Mondine (1952), dove quattro donne sono chine nella naturale gestualità del loro lavoro nelle risaie. L’essenzialità delle rappresentazioni, degli elementi architettonici e naturalistici come si può osservare in Rustici al sole (1957), Autunno (1962), Brianza(1963) e Periferia (1967) mettono in luce gli stretti legami di Lotti con i maestri Carrà, Soffici, Rosai, De Pisis. Tuttavia la sua opera si contraddistingue per un timbro personale, con una grande attenzione volta a scandire gli spazi, a studiare i volumi e alla stesura del colore. I suoi paesaggi, pregni di lirismo romantico, descritti in maniera nitida e reale traducono sulla tela bellezze e vibrazioni naturali celate e svelano inoltre il vissuto dell’artista, l’aspetto emotivo, mentale e la forte spiritualità.
Conclude la mostra una sezione legata ai lavori degli anni ’70, caratterizzati da una pittura più asciutta ed essenziale, influenzata dai canoni dell’astrattismo geometrico e dall’amicizia con il gruppo degli astrattisti comaschi e milanesi.
Accompagna l’esposizione un catalogo in italiano e inglese con testo critico di Philippe Daverio.
Cenni biografici . Betto Lotti (1894 – 1977) nasce a Taggia (Imperia), frequenta il Liceo Artistico a Venezia e si iscrive all’Accademia di Belle Arti di Firenze dove stringe amicizia con Ottone Rosai. Ultimati gli studi, prosegue l’attività artistica: carboncino, pittura a olio, acquerello e incisione sono le tecniche che predilige. Frequenta artisti come Carrà, Soffici, Papini, Campana con i quali condivide anni di grande fervore culturale ed artistico.
Lotti già dalle prime collettive di acqueforti mostra una precoce inclinazione naturale a questa tecnica e ottiene importanti riconoscimenti; nel 1913 a Firenze, in occasione della prima mostra personale con Rosai, i due artisti ricevono grandi apprezzamenti da parte di Marinetti, Boccioni, Carrà, Papini e Soffici.
Durante la Prima Guerra Mondiale viene internato in un campo di concentramento in Austria dove continua a dipingere. Nel 1918 torna a Firenze e frequenta il vivace ambiente artistico dello storico caffè delle Giubbe Rosse. In questi anni Lotti avvia una proficua attività di giornalista, illustratore e cartellonista in Italia e all’estero. Nel 1936 vince la cattedra di disegno a Como dove si trasferisce con la famiglia. Dal 1940 Lotti conferma la sua adesione al movimento artistico italiano del Novecento e si dedica prevalentemente alla pittura ad olio.
Partecipa a mostre collettive e personali in sedi istituzionali e private ed è considerato una personalità di rilievo nel panorama artistico.
Nella sua carriera ottiene riconoscimenti e premi, le sue opere sono presenti in collezioni pubbliche e private. Su di lui sono stati pubblicati numerosi articoli, cataloghi e testi critici, fra cui si ricordano quelli di Luciano Caramel, Raffaele De Grada e Elena Pontiggia.
Coordinate mostra
Titolo Paesaggi lombardi luoghi dello spirito
A cura di Daniele Lotti e Lauretta Scicchitano
Sede Spazio Eventi di Regione Lombardia – Grattacielo Pirelli – Via Fabio Filzi 22 – Milano
Date 11 – 29 luglio 2017
Inaugurazione martedì 11 luglio, ore 13
alla presenza di Philippe Daverio
Orari dal lunedì al giovedì ore 9-12.30 e 14-17.30 | venerdì ore 9-13
Ingresso libero
Info al pubblico info@lottiart.it – mob. 338 7276041

Arte a Milano – Da NON perdere – Ingresso libero – UNA GRANDE DONNA ARTISTA – Alla Permanente Fang-Zhaolin

Fang-Zhaolin-Il-giardino-del-pesco-1987

MUSEO DELLA PERMANENTE

Via Turati 34, Milano
15 giugno -10 settembre 2017 Ingresso libero

Fang-Zhaolin-Milano-Permanente-Signora-del-Celeste-Impero-1991 ” A vela attraverso il fiume fra un gruppo di montagne

Video della mostra al link: http://www.televisionet.tv/it/lifestyle_it/fang-zhaolin-la-signora-del-celeste-impero-ponti-pittorici-tra-oriente-e-occidente

FANG ZHAOLIN SIGNORA DEL CELESTE IMPERO

Mostra a cura di Daniel Sluse

In collaborazione con

Jean Toschi Marazzani Visconti

MUSEO DELLA PERMANENTE

Via Turati 34, Milano
15 giugno -10 settembre 2017 Ingresso libero

Ho viaggiato dall’Oriente all’Occidente, visitando celebri montagne e grandi fiumi in Europa e Asia. Con il pennello mi limito ad esprimere le mie sensazioni verso le cose del mondo” (Fang Zhaolin)

Il Museo della Permanente di Milano, in collaborazione con il Museo Xuyuan di Pechino, ospita dal 15 giugno al 10 settembre la prima grande retrospettiva italiana dedicata all’artista cinese Fang Zhaolin, nata a Wuxi nella provincia dello Jiangsu nel 1914 e scomparsa a Hong Kong nel 2006 all’età di 93 anni.

La mostra Fang Zhaolin. Signora del Celeste Impero, patrocinata dalla Regione Lombardia e dal Comune di Milano, curata da Daniel Sluse (direttore della Académie Royale des Beaux Arts di Liegi) con la collaborazione di Jean Toschi Marazzani Visconti, ripercorre attraverso 66 opere – alcune di grandi dimensioni e tutte realizzate su carta di riso con pennello intinto in inchiostro nero o in pigmenti colorati – l’intero percorso pittorico di Fang Zhaolin, erede della tradizione artistica cinese, ma capace di creare uno stile che rispecchia lo spirito moderno del suo tempo.

Figlia dell’industriale Fang Shouyi, assassinato nel 1925 quando lei aveva solo undici anni, sposatasi con Fang Xingao dal quale avrà otto figli, rimasta vedova a soli trentasei anni, Fang Zhaolin riesce ugualmente a studiare e dipingere malgrado debba continuare a gestire la società del marito per poter mantenere i figli e ottemperare ai numerosi e pesanti impegni familiari.

Fang Zhaolin, personalità forte e intellettualmente libera, considerata oggi una delle figure prominenti della pittura cinese del XX secolo, ha creato con la sua pittura un ponte tra l’arte cinese e l’arte occidentale, perseguendo la ricerca di un linguaggio artistico che fosse radicato nella tradizione cinese ma che, al tempo stesso, si spingesse al di là di essa. Fang Zhaolin realizzò una costante trasposizione e fusione degli elementi visivi dell’arte tradizionale cinese e dell’arte modernista occidentale.

Discepola dei maggiori maestri cinesi, Fang Zhaolin ha la possibilità di viaggiare per diversi anni in Asia, Europa e Stati Uniti, e si dimostrerà una “Viaggiatrice instancabile, alla perpetua ricerca delle proprie radici, essa incontrerà l’arte moderna, che la porterà a una maggiore comprensione della propria cultura” come ricorda Daniel Sluse nel suo testo in catalogo.

Fang Zhaolin approfondisce la conoscenza della storia occidentale, del classicismo, del pre e post impressionismo, del fauvismo, del cubismo e dell’espressionismo astratto. Ciononostante, è sulla Cina che verte tutta la sua opera. Una Cina dai paesaggi grandiosi, popolata da una vita intensa che anima la sua memoria e scaturisce dai suoi pennelli.

Ancora Daniel Sluse: “Fang Zhaolin s’inoltrava nel paesaggio, passeggiava fra le montagne che voleva rappresentare, sentiva profondamente i luoghi prima di stenderli sulla carta, ne esplorava i misteri, che erano una delle sorgenti della sua ispirazione, rafforzando così il suo carattere combattivo e l’impatto della sua esperienza”.

Fang Zhaolin integra nella sua opera elementi visivi e tecniche artistiche del modernismo occidentale (Pollock, Kline, Kandinsky, Cezanne…) alla pittura paesaggistica cinese, introducendo significative novità nell’uso del pennello, della composizione e del colore.

Ma l’innovazione di Fang Zhaolin non é solo nella scelta di colori contrastanti, nelle figure geometriche astratte o nelle superfici piatte, ma anche nella capacità di creare un ritmo musicale attraverso pennellate libere, incisive, poetiche, in costante alternanza fra inchiostri leggeri e spessi: la straordinaria e personalissima capacità di integrare la calligrafia cinese tradizionale nella pittura costituisce l’elemento cruciale della cinesità dei dipinti di Fang Zhaolin.

La calligrafia e la pittura hanno la stessa origine, non solo perché ambedue impiegano gli stessi mezzi di espressione, pennello, inchiostro, carta e pietra d’inchiostro, ma anche per il comune impiego di pennello, inchiostro e linee che costituiscono il nucleo della creazione calligrafica e pittorica.

Uno stile calligrafico unico che, da netto e deciso, si trasforma dal 1960 in una evoluzione ispirata all’asprezza e al primitivismo, caratterizzato da linee imprevedibili, leggere e pesanti, bagnate e asciutte. L’intreccio armonico di calligrafia e pittura è stato per Fang Zhaolin lo strumento per esplorare l’essenza della tradizione cinese, mostrare la propria arte, esprimere le proprie emozioni.

Grazie alla collaborazione con ADeMaThè Italia, a chiusura della mostra, giovedì 7 settembre alle 16.30 e alle 17.30 si svolgeranno due “Cerimonie cinesi del tè” con degustazione tenute dal professor Marco Bertona, tea taster professionista diplomato in Cina presso l’Università di Scienze Agrarie di Canton, dove ha ottenuto il diploma statale di “Advanced Tea Taster”. Bertona è presidente dell’Associazione Italiana Degustatori e Maestri di Thè (ADeMaThè Italia), membro del Consiglio Direttivo del World Tea Organization di Pechino, Delegato presso il Gruppo Intergovernativo sul Tè della FAO (IGG/Tea).

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Ufficio stampa mostra

Studio de Angelis, Milano
t. 02 45495191 | c. 345 7190941 | info@deangelispress.it | www.deangelispress.it

Ufficio stampa Museo della Permanente

Cristina Moretti | t. 02 6551445| ufficiostampa@lapermanente.it

SCHEDA TECNICA MOSTRA

Titolo: Curatore:

Produzione e organizzazione: In collaborazione con:
Con il patrocinio di:
Sede espositiva:

Date mostra: Orari mostra:

Ingresso mostra: Infoline: Catalogo:

FANG ZHAOLIN. Signora del Celeste Impero Daniel Sluse

In collaborazione con Jean Toschi Marazzani Visconti Museo della Permanente, Milano
Museo Xuyuan, Pechino

Regione Lombardia e Comune di Milano

Museo della Permanente | Milano, via Turati 34

15 giugno – 10 settembre 2017

Sino al 31 luglio: tutti i giorni 10.00-19.30
Dal 1 agosto: da martedì a domenica 10.00-13.00 e 14.30-18.30

Libero
tel. 02 6551445 | info@lapermanente.it | www.lapermanente.it Editore Caleidograf, 184 pagine, € 34

Biennale di Venezia 2017 – Il meglio ? Forse

Casa ci è piaciuto di più della Biennale di Venezia 2017:

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Pietre in “galleggiamento”, bellezza e tensione perfettamente ambientate nell’archeologia industriale dell’Arsenale. Semplicemente arte, eleganza e stile.

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FRANCIA

Il padiglione francese è trasformato in un grande studio musicale.  Una fantasiosa sala per performance musicali aspetta i visitatori e propone interventi dal vivo da parte di musicisti di tutto il mondo: dal rock alla musica classica; passando per l’elettronica.

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RUSSIA

Biennale Ve 2017 Russia Grisha Bruskin Scene change
Biennale Ve 2017 Russia Grisha Bruskin Scene change

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GIAPPONE

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Mark-Brandford-Spoiled-Foot-particolare. UNA MASSA COLORATA INCOMBE SUI VISITATORI.

ARTE A CHICAGO – Takashi Murakami -The octopus eats its own leg

Takashi Murakami -The octopus eats its own leg

Mca Museum of Contemporary Art

Sino al 24 settembre 2017

Le relazioni tra Murakami, il folclore e pittura del Giappone; suo paese di nascita.

Lavori d’arte che affondano nel passato della tradizionale grafica giapponese e alta cultura e cura per i materiali.

Fang-Zhaolin-Milano-Permanente-Signora-del-Celeste-Impero-2017.
Takashi-Murakami-Mca-Chicago-The-octopus-eats-its-own-leg-2017-sino-al-24-settembre-mcachicago.org (particolare).
Takashi-Murakami-Mca-Chicago-The-octopus-eats-its-own-leg-2017-

Vedi anche: www.mcachicago.org

Arte a Stoccolma -“Irving Penn. Resonance – Photographs from the Pinault Collection” – Pinault Collection e Palazzo Grassi

Dopo Palazzo Grassi, al Fotografiska di Stoccolma apre la rassegna dedicata al grande fotografo americano.

Dal 16 giugno al 1 ottobre 2017

In occasione del centenario dalla nascita di Irving Penn (1917 – 2009), il centro d’arte internazionale Fotografiska di Stoccolma inaugura il 16 giugno Resonance – Photographs from the Pinault Collection in collaborazione con la Pinault Collection e Palazzo Grassi.

La mostra arriva nella prestigiosa sede espositiva di Stoccolma, dopo essere stata presentata nel 2014 a Venezia. Curata da Pierre Apraxine e Matthieu Humery – già curatori della rassegna veneziana – con il coordinamento di Johan Vikner, Exhibition Manager di Fotografiska, il nuovo allestimento del nucleo di opere fotografiche provenienti dalla Pinault Collection, intende ripercorrere il viaggio attraverso l’arte figurativa di Irving Penn proposto al pubblico per la prima volta nelle sale di Palazzo Grassi.

Ritrattista di ogni aspetto della vita dell’uomo, Irving Penn ha sempre cercato la bellezza nella purezza della composizione lungo la sua produzione dalla fine degli anni ‘40 alla metà degli anni ’90.

Dai ritratti di personalità celebri, come Salvador Dalì, Marlene Dietrich o Alfred Hitchcock, alle fotografie etnografiche di abitanti del Marocco o della Nuova Guinea, fino alle composizioni e alle nature morte con fiori, ossa e altri oggetti. Le immagini poco conosciute esposte accanto a pezzi iconici offrono una importante testimonianza della particolare capacità di sintesi che caratterizza il lavoro di Irving Penn.

Dal 2010 il Fotografiska è uno dei più grandi centri d’arte internazionali esclusivamente dedicati alla fotografia, sia storica sia contemporanea, con un programma di grandi esposizioni dedicate, tra gli altri, a Sebastiấo Salgado, Helmut Newton, Henri Cartier-Bresson, Weegee, Guy Bourdin, Inez & Vinoodh, Martin Parr, Andres Serrano, Anders Petersen, Isaac Julien, Roger Ballen, Robert Frank.

La mostra è la nona esposizione extra muros realizzata dalla Pinault Collection, dopo le collettive a Mosca, Lille, Parigi, Seul, Monaco e infine Essen nel 2016-17.

Art Basel 2017 – Sino al 18 giugmo 2017

Art | 41 | Basel | 2010 | Art Unlimited | Ugo Rondinone | Gladstone Gallery | New York

48° edizione di Art Basel

15 al 18 giugno 2017

La fiera d’arte più famosa nel mondo.

Dal classico moderno di inizio XX secolo sino all’arte contemporanea.

Art Basel è la manifestazione più significativa sulla scena del mercato artistico internazionale.

Collezionisti di tutto il mondo, raggiungono ogni anno Basilea per questa “performance” insostituibile e sempre più grande.

Art Basel documenta le visioni degli artisti contemporanei, in un luogo dove si coniuga cultura e mercato.

I numeri del 2017:

-16.000 mq.

-4.000 artisti

-291 gallerie

-sezione Art Unlimited: 76 capolavori selezionati dal curatore Gianni Jetzer.

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In centro città e nelle zone che lo circondano, il pubblico appassionato d’arte incontra  raffinati programmi speciali per un ricchissimo assortimento di eventi exta. .

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“Scope”, “Liste” e “Rhy art Fair” sono le tre fiere satellite in contemporanea con Art Basel, a Basilea, e che offrono una possibilità in più ai giovani talenti artistici e alle nuove gallerie.

www.artbasel.com

Como eventi d’ arte – luglio 2017 – Fondazione Antonio Ratti Villa Sucota

XXII CSAV – Artists Research Laboratory
1-23 luglio 2016

7 luglio 2016
Renée Green – Conferenza
Other Planes of There

18.30, ingresso libero
Sala Conferenze FAR (Villa Sucota)

7 luglio 2016
Renée Green – Proiezione
Endless Dreams and Water Between?
(2009)
21.00, ingresso libero
Evento nel programma Lake Como Film Festival 2016
Parco Villa del Grumello, via per Cernobbio 11, Como
In caso di mal tempo l’evento verrà spostato presso la
Sala Conferenze della FAR, Villa Sucota, via per Cernobbio, 19, Como

14 luglio 2016
Renée Green – Inaugurazione mostra personale
Tracing
19.00, ingresso libero
15 luglio 2016 – 10 settembre 2016
Spazio Culturale Antonio Ratti
Ex chiesa San Francesco, largo Spallino 1, Como

20 luglio 2016
Aperto – One evening event
17,30, ingresso libero
Villa Grumello, via per Cernobbio 11, Como

21 luglio 2016
Kobena Mercer – Conferenza
The image in migration
19.00, ingresso libero
Sala Conferenze FAR, via per Cernobbio 19, Como

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Vedi al link: http://www.fondazioneratti.org

Fondazione Antonio Ratti

Villa Sucota
Via per Cernobbio, 19
22100 Como – Italia
tel. +39.031.3384976
info(at)fondazioneratti.org

AEROPORTI
Milano Malpensa
Milano Linate
Lugano – Agno – Svizzera
Bergamo Orio al Serio

TRENI
Da Milano
F.N.M. Cadorna – Como Lago
F.S. Milano Centrale o P.ta Garibaldi  – Como S. Giovanni
Dalle stazioni: autobus 6 o 11 fermata Villa Sucota (tra Villa Olmo e Tavernola pontile)

AUTOSTRADA
Da Milano
Autostrada A8 e poi A9 – Uscita Como Monte Olimpino, seguire indicazioni per Cernobbio
Da Lugano
Autostrada E35 direzione Milano – Uscita Como Nord, seguire indicazioni per Cernobbio

Arte a Pavia – Il giardino è aperto di Alessandra Angelini

Il giardino è aperto

Presentazione del libro d’artista di Alessandra Angelini con testi di Paolo 

Cottini e Sir Peter Smithers

17 giugno – 16 luglio 2017

Sabato 17 giugno, ore 16 

Orto botanico di Pavia

Presentazione del libro di Alessandra Angelini e inaugurazione della mostra

intervengono

Anna Bendiscioli /Lorenza Poggi, Orto botanico di Pavia

Alessandra Angelini, artista

Paolo Cottini, storico dei giardini

Francesca Porreca, storica dell’arte, conservatore ai Musei Civici di Pavia

Laura Tirelli, Presidente Cento Amici del Libro

Il percorso espositivo offre al visitatore la possibilità di ammirare nella sua totalità il volume di intenso valore artistico, nato dal desiderio di illustrare il meraviglioso giardino progettato da Sir Peter Smithers a Vico Morcote nel Canton Ticino, e di contemplare il processo di realizzazione dell’opera con tutte le fasi esecutive attraverso schizzi, disegni preparatori a inchiostro di china, opere grafiche, fotografie, elaborazioni al computer, matrici e prove di stampa.

Alessandra Angelini per questo particolarissimo lavoro ha utilizzato le incisioni di matrici fotopolimeriche e le xilografie a secco afferma 

“ho immaginato il volume come un’architettura naturale, capace di ricordare lo spirito di un uomo, a tratti razionale e scientifico e a tratti profondamente poetico”.

Arte a Venezia – Palazzo Grassi – Punta della Dogana e Fondazione Palazzo Strozzi

Palazzo Grassi – Punta della Dogana
e Fondazione Palazzo Strozzi
insieme per l’arte contemporanea.
 
Da marzo a luglio 2017 le due prestigiose istituzioni tracciano un percorso speciale da Venezia a Firenze dedicato a due grandi artisti del contemporaneo:
— Bill Viola e Damien Hirst.
Sino al 23 luglio 2017, Palazzo Strozzi presenta la retrospettiva dedicata a Bill Viola e,
sino al 3 dicembre 2017, a Palazzo Grassi e a Punta della Dogana
è in corso il progetto espositivo inedito di Damien Hirst.
In occasione di queste due grandi esposizioni, dedicate a due artisti fondamentali per la storia dell’arte contemporanea, Palazzo Grassi – Punta della Dogana e Fondazione Palazzo Strozzi hanno varato una collaborazione per offrire ai rispettivi pubblici un biglietto agevolato per la visita dell’istituzione partner, sostenendo la valorizzazione dell’arte dei maestri contemporanei nelle più note città d’arte italiane.
La convenzione tra le due istituzioni offre al pubblico di Palazzo Strozzi l’opportunità di acquistare il biglietto della mostra Treasures from the Wreck of the Unbelievable, a cura di Elena Geuna, in programma a Venezia fino al 3 dicembre 2017, alla tariffa di € 15.00, anziché € 18.00, e l’ingresso gratuito ai possessori della tessera Amici di Palazzo Strozzi.
 
Allo stesso modo, sino al 23 luglio 2017, presentando il biglietto di ingresso a Palazzo Grassi – Punta della Dogana, sarà possibile visitare la mostra Bill Viola. Rinascimento elettronico, a cura di Arturo Galansino e Kira Perov, presso Palazzo Strozzi di Firenze con un prezzo ridotto di € 9.50, invece che € 12.00, egratuitamente per i detentori della Membership cards di Palazzo Grassi – Punta della Dogana.
La mostra Treasures from the Wreck of the Unbelievable, a cura di Elena Geuna, che presenta più di 200 opere inedite dell’artista britannico Damien Hirst, segna una nuova tappa nella storia di Palazzo Grassi e Punta della Dogana: per la prima volta le due sedi veneziane della Pinault Collection sono interamente affidate a un singolo artista.
Il progetto espositivo si inserisce nella serie di mostre monografiche dedicate ai grandi artisti della storia dell’arte attuale che, nella programmazione di Palazzo Grassi e Punta della Dogana, si alternano alle esposizioni tematiche che presentano opere della Pinault Collection.
Informazioni pratiche:
Palazzo Grassi – Punta della Dogana
San Samuele 32 – 31 | Palazzo Grassi
Dorsoduro 2 | Punta della Dogana
30124, Venezia
www.palazzograssi.it
Tel + 39 041 2401308
 
Fondazione Palazzo Strozzi
Piazza degli Strozzi
50123, Firenze
www.palazzostrozzi.org
tel. +39 055 2645155