VACANZE A MIAMI; SPA E LUSSO A PREZZO SPECIALE .

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STATE PARTENDO PER MIAMI?

VACANZE A MIAMI; SPA A PREZZO SPECIALE SINO A FINE AGOSTO.

logo MiamiMIAMI  www.MiamiandBeaches.com

Offerte spettacolari su www.MiamiSpaMonth.com e seguendo l’hashtag #MiamiSpa su Twitter e Facebook si potranno ricevere premi ispirati al mondo delle Spa.

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 Sino al 31 agosto 2014, i residenti e i visitatori di Greater Miami and The Beaches potranno usufruire di prezzi scontati in

-36 aree benessere e Spa partecipando al programma Miami Spa Month.

 I pacchetti e le offerte Spa, normalmente acquistabili al costo di circa $199, saranno disponibili in due fasce di prezzo scontate:

— $99 e $129.

Gli appassionati di wellness che seguiranno e condivideranno l’hashtag #MiamiSpa Month su http://Twitter.com/MiamiandBeaches o http://Facebook.com/VisitMiami avranno l’opportunità di vincere fantastici premi durante tutto il mese di Luglio e Agosto.

Durante il Miami Spa Month, sarà offerto uno sconto di

— oltre il 50% sui trattamenti più amati – profondi massaggi della pelle, olii esfolianti per il corpo, maschere idratanti per i capelli e per la pulizia del viso.

 -Promozioni come

-Miami Spa Month e

-Miami Spice, la nostra offerta di agosto nel campo della ristorazione”, afferma William D. Talbert, III, CDME, Presidente e CEO GMCVB. “I visitatori sono attratti dal consistente risparmio che possono ottenere in

-Spa di lusso e

-ristoranti gourmet di fama mondiale e fanno spesso in modo di far coincidere le loro vacanze con questi eventi. Allo stesso tempo, sempre più residenti approfittano di questa incredibile opportunità per farsi coccolare a pochi passi da casa“.

 Gli amanti delle Spa possono farsi viziare in uno dei seguenti centri:

Acqualina Spa by ESPA agua Spa at Mondrian South Beach
The Betsy Wellness Garden and Spa The Biltmore Spa
Bliss South Beach Canyon Ranch Hotel & Spa
Club Essentia at Delano COMO Shambhala Urban Escape
Elemis Spa at the Village of Merrick Park ELLE Spa
Emena Spa Enliven Spa & Salon, JW Marriott Marquis Miami
Exhale Spa at the EPIC Residences + Hotel Exhale Spa at the Loews
Jurlique Spa Lapis, the Spa at Fontainebleau
mySpa Miami at the Intercontinental The Palms Aveda Spa
renew the spa at The James Royal Palm The Ritz-Carlton Spa, Coconut Grove Miami
The Ritz-Carlton Spa, Key Biscayne Miami The Ritz-Carlton Spa, South Beach
Spa at Conrad Miami The Spa at Grove Isle Hotel
The Spa at Mandarin Oriental, Miami The Spa at One Bal Harbour
The Spa at The Setai Spa at Shore Club
The Spa at Shula’s The Spa at Trump International Beach Resort
The Spa at Trump National Doral Miami The Spa at Turnberry Isle Miami
Spa V at Hotel Victor The Spa at Viceroy Miami
Spa 101 @ Hilton Bentley Uhma Spa “The Organic Spa”

 -programmi  e dettagli di Miami Spa Month: www.MiamiSpaMonth.com. E’ possibile anche effettuare ricerche per individuare le offerte nelle diverse località, per tipo di trattamento e disponibilità di data nonchè scoprire le offerte speciali e i pacchetti che includono il soggiorno in hotel. I costi dei trattamenti non comprendono le tasse e le mance e la prenotazione è sempre obbligatoria.

Quest’anno, Elemis Spa at Merrick Park donerà $1 al Girl Scout Council of Tropical Florida ogni volta che i propri clienti, dopo un trattamento di bellezza, posteranno una selfie durante i mesi di Luglio e Agosto. La campagna è intitolata “Love Your Selfie”.

A MIAMI OFFERTE SPECIALI TUTTO L’ANNO CON IL PROGRAMMA TEMPTATIONS

Le Temptations includono:

-Miami Cruise Month, Shop Miami Month, Miami Sports Month, Miami Museum Month, Miami Film Month, Miami Spice Restaurant Month, Miami Attractions Month e Miami Live Month.

Per ulteriori informazioni sui programmi Temptations, visitate il sito www.MiamiTemptations.com.

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LE ULTIMISSIME DA MIAMI:

-da visitare la terrazza del nuovo PérezArt Museum, 1103 Biscayne Blvd, Miami, FL 33132; lunedì chiuso; il panorama è fantastico, ma il museo non è da meno.

-imperdibile: l’One Thousand Museum la novità del futuro, un progetto in crescita dell’architetto Zaha Adid, una torre dalle forme avviluppate  intorno ad una sofisticata struttura reticolata,  eliporto compreso e i più avanzati sistemi di sorveglianza: il museo del futuro; http://1000museum.com

 -Il clima è fantastico durante l’inverno, quando è estate si vive bene solo al chiuso dell’aria condizionata.

Quindi Miami è il luogo ideale dove svernare !

ARTE MIAMI Photo Courtesy of Juan VasquezBASEL1_MB_2

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Barche, mare e faro.

Ovviamente durante le vacanze invernali è necessario prenotare con anticipo (alta stagione per il Festival di Calle Ocho, che si tiene a marzo.

A Miami trovate tutto quello che cercate:

-le spiagge più vivaci e sportive

-se amate il mare, gli sport acquatici (sci, kate-surf, snorkeling, dive…)  e le spiagge bianchissime dovete affittare una macchina e raggiungere le isole Keys una catena di isole coralline a sud di Miami, fra l’Oceano Atlantico e il Golfo del Messico, collegate dai 43 ponti della Overseas Highway
Bill Baggs Cape Florida State Recreation Area Il parco sorge su terreni selvatici e paludosi, offre una panoramica sull”ecosistema dell’isola che protegge la baia. Presenta tantissimi sentieri, passerelle, piste ciclabili ecc…

-ZOO anche se non siete bambini vi sorprenderà: più di 200 specie di animali, fra cui tigri del Bengala, ippopotami pigmei, condor, koala, rinoceronti neri e una coppia di varani di Komodo. Nell’area anche giochi per  i bambini

-l’ ADRIENNE ARSHT CENTER FOR THE PERFORMING ARTS un prodotto dell’architettura più moderna

-I NEGOZI CON LE ULTIME NOVITA’: shopping tra lusso e oulets (vedi più sotto indirizzi e consigli)

-il distretto ART DECO

il DESIGN DISTRICT & Little Haiti

una concentrazione di Musei e Gallerie d’Arte e l’avvenimento annuale: l’ART BASEL MIAMI; la più importante fiera del continente americano a dicembre www.artbasel.com : 4.000 VISITATORI per 2.000 artisti, arte   da poche centinaia a milioni di dollari.

Art Basel Miami Beach è il più grande art show degli Stati Uniti, un evento che accoglie non solo esperti del settore ma anche importanti personaggi hollywoodiani e un un intenso programma di esposizioni, feste, contaminazioni, eventi musicali, film, architettura e design, a pochi passi dal mare, nel glorioso Art Deco District. Più di 240 gallerie provenienti da oltre 30 paesi in tutto il mondo.

-l’acquario è ricco e interessante

-i giardini botanici

-parchi con coccodrilli e mangrovie fuori città

-musei di ogni genere

-le notti qui sono indimenticabili:

-ottima musica jazz all’Al Jazid a South Beach locale aperto ogni sera dove suonano dal vivo gruppi jazz e blues

Larios Café on the Beach la cantante pop Gloria Estefan è la proprietaria, il ristorante ha toni musicali e culinari cubani, molto amato per i suoi cocktail tropicali, dal mojito al daiquiri, al frozen margarita

-il migliore Bellini di Miami è al Casa tua.

-al Bed  la cena viene servita direttamente a letto.

-cena di gala al Nemo dove lo chef Michael Schwartz incanta con la sua cucina mediterranea con tocchi asiatici: anatra croccante con purea di cavolfiori e verdure cotte con salsa piccante di pera e uva

il Club Space: un ex magazzino di 2800 metri quadrati, per ballare tutta la notte

-tutti passeggiano lungo Ocean drive

Miami South Beach per i migliori alberghi

-direttamente sulla spiaggia  il Pelican; un boutique hotel tra i più ricercati dal jet set. Nella camera: James Bond si dorme in un letto rotondo con un grande acquario-oblò

-riaperto, in Ocean Drive, il Betsy, tra gli Small Luxury Hotels of the World: architettura coloniale in un contesto dove l’Art Déco  fa da padrone. L’hotel è un tempio d’eleganza dal design sofisticato. La Grand Suite è stile coloniale e tecnologie più moderne. Sempre garantita:una spettacolare vista.

-nuovo il resort del Townhouse, decorato da India Mandavi.

-arredi di Ralph Lauren  al Beach House Bal Harbour.

-se volete risparmiare e trovare il meglio del clima, prenotate da novembre a metà dicembre cercando le migliori offerte su internet; ottimi anche gli appartamenti vista mare, sempre consigliata la zona di Miami Beach, meglio la parte sud.

UNA DONNA PER LE DONNE a Miami:

Constance Collins, ha riunito 90 gallerie d’arte, musei e creativi e con la fiera Wynwood Art Fair, ha raccolto 400.000 euro per mamme e bambini senza tetto dando loro un ricovero, cibo, scuola  e quasi sempre un lavoro.-Wynwood Art Fair è anche il nome del quartiere reinventato da Constance che è riuscita a dare vita ad una zona degradata di Miami tra la Sesta Avenue, stretta tra la Highway 195 e una serie di capannoni industriali. Constance Collins è una intraprendente signora, moglie del famoso collezionista Martin Z.Margulies, che sceglie gli artisti della sua galleria in base ai colpi di fulmine e non alle quotazioni di mercato. Qualità assai rara nel panorama attuale dell’arte!

COME MUOVERSI.

I mezzi con pilota automatico della Metromover, treno/autobus di una carrozza che percorre la città, sono un sistema utile per vedere Miami, oltre che gratuito. Miami downtown; non a Miami Beach.

Miami Metromuver

Metromover:  4.4 miglia a trazione elettrica,  completamente automatizzato  si collega con Metrorail al Government Center e le stazioni Brickell e Metrobus in varie località del centro. Le principali destinazioni del sistema Metromover includono l’American Airlines Arena, Bayside Market Place, Miami-Dade College e la Miami-Dade County School Board.

Orari di apertura:

Il ciclo Metromover interno e l’anello esterno (Omni e Brickell) circolano dalle 5 del mattino a mezzanotte sette giorni su sette. I treni arrivano di frequente.

Oppure il Metrorail e il regionale Tri-Rail, oltre che la rete di autobus.

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DORMIRE A MIAMI:

Se andate dopo l’8 di dicembre e prima di Natale trovate dei prezzi buoni anche su internet, camere e alberghi.

Non si trova praticamente nulla, tra gli alberghi, a meno di 100/150 euro, comunque provate, dipende moltissimo dalle date.

Abbey Hotel Miami Beach, 50 stanze isolate dalla folla, riescono a trasformare l’immutabile stile art deco in qualcosa di caldo e contemporaneo, per Miami il prezzo è ragionevole.

South Beach; Il Carlton hotel offre camere con soffici letti a piattaforma, frigorifero, ventilatori a soffitto e piccoli bagni in stile antico. Alcune delle 70 stanze includono un angolo cottura e tutte sono dotate di aria condizionata. da 238 dollari a camera a notte.

Casa Grande Suite Hotel South Beach Arretrato rispetto alla strada offre una pausa dallo stile art deco , atmosfera unica.

South Beach Hotel Astor. Abili ristrutturazioni , classica architettura in stile art dec;o atmosfera tra Casablanca

South Beach International Travel Hostel non offre gli stessi confort degli hotel, i prezzi sono ovviamente più vantaggiosi.

South Beach Park Central Classico hotel in stile art deco del 1937, progettato dal Henry Hohauser, è una leggenda di South Beach; la sua piscina riscaldata è favolosa, ma non tutto è perfetto.

South Beach Pelikan Miami 30 stanze a tema. Quando i proprietari di Diesel jeans acquistarono l’hotel nel 1999, setacciarono i mercatini di roba usata in cerca ..

MANGIARE ECONOMICO A MIAMI

Rascal House Sunny Isles, ristorante di Wolfie Cohen,  Miami del 1954,  servizio allegro, classici sgabelli girevoli al bancone.  È sempre affollatissimo .

San Loco Miami Beach; sicuramente i migliori burrito di Miami Beach. Il ristorante prepara anche enchilada, taco, nacho  e insalate di taco davvero ottime. Il personale è gentile.

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DI PIU’ SU MIAMI:  Art deco a Miami

Miami è famosa per la sua architettura in stile art deco.

– Il posto migliore per iniziare è l’Art Deco Welcome Center; angolo tra Ocean Drive e 10th Street, chiamato Barbara Capitman Way in ricordo dell’esponente del movimento conservatore che fondò la Miami Design Preservation League nel 1976.

-Da visitare: la mostra permanente sullo stile art deco.

-Poi  dirigetevi a nord lungo la Ocean Ave; tra la 12th e la 14th Street: tre esempi classici di alberghi in stile art deco: il Leslie; tipica forma squadrata, il Carlyle; più moderno e apparso nel film Piume di struzzo, e l’elegantissimo Cardozo, costruito da Henry Hohauser, dalle mura armoniose e arrotondate.

-Sulla 14th St si vede il Winter Haven Hotel famoso per i suoi favolosi pavimenti in palladiana.

– Da qui a sinistra, dirigetevi verso Washington Avenue, sulla 13th St per vedere l’US Post Office; edificio curvo e bianco, primo progetto di restauro per il rinnovamento di South Beach negli anni ’70. Negli interni  un murale realizzato su progetto del WPA, un soffitto tondeggiante e tavoli di marmo. -All’11th Street Diner, un ex vagone ristorante di alluminio, meglio il posto vicino al finestrino per avere una bella vista dell’Hotel Astor del 1936, ben restaurato, esattamente di fronte.

-Proseguite brevemente verso sud sino a trovarvi di fronte  all’imponente Wolfsonian/FIU, un  museo di design

-Da qui, svoltate a sinistra sulla 7th St, proseguite a nord lungo Collins Ave sino al The Hotel, costruito nel 1939, interni e una terrazza sul tetto progettati da Todd Oldham.

-Poi svoltate a destra sulla 9th Street e procedete verso Ocean Ave, dove trovate tante meraviglie dell’art deco, una dopo l’altra.

ALLARME: SUI VOLI BOMBE NASCOSTE NEI MICROCIP, NON E’ FANTASCIENZA.

Non partire per un volo aereo  senza avere il telefonino, il pc,  e l’Ipod carichi.

PER LE PROSSIME VACANZE SI RACCOMANDA DI PRESENTARSI CON GRANDE ANTICIPO PER VOLARE NEGLI STATI UNITI.

Cambiano le regole di sicurezza per i passeggeri che sono in partenza verso gli Stati Uniti.

Se sono scarichi tablet, pc  e telefonini potrebbero essere sequestrati in quanto vi si possono nacondere delle bombe !

Si tratta di un esplosivo NON METALLICO.

Washington ha informato tutti i governi stranieri:

-i nuovi esplosivi, dalla Siria, possono essere

-impiantati sotto pelle e non sono rintracciabili dai normali controlli

Tutti i Paesi devono rafforzare i sistemi di sicurezza.

A Londra le nuove disposizioni hanno già creato lunghe code negli aeroporti.

 

 

 

 

MOSTRE D’ARTE APPROFONDIMENTI E NON SOLO…

PUOI ANCHE SELEZIONARE, QUI A FIANCO, IL TASTO “MOSTRE D’ARTE” PER VISUALIZZARE LE MOSTRE PIU’ RECENTI,

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LE MOSTRE CHE SEGUONO SONO TUTTE TERMINATE E FANNO PARTE DELL’ARCHIVIO DI QUESTO BLOG/GIORNALE.

MOSTRA CHIUSA IL 14 LUGLIO 2013. “La Città Nuova.

Oltre Sant’Elia” a Como Villa Olmo.

“La mostra non è su Sant’Elia ma Sant’Elia ne è il fulcro” ha spiegato  l’assessore alla Cultura del Comune di Como, Luigi Cavadini che aggiunge “Questa mostra si inserisce in un percorso che arriverà fino al 2015 per l’Expo”.

“E’ una proposta affascinante e di grande qualità” commenta il sindaco di Como Mario Lucini.

Cento circa le opere esposte a Villa Olmo.caofei.jpg_1010865080

Per attirare turisti e visitatori anche in centro città, la rassegna coinvolge anche Palazzo Volpi, sede della Pinacoteca Civica dove sono esposti i disegni di Sant’Elia e dove prima dell’inaugurazione della mostra sono state inaugurate le due sale permanenti dedicate all’architetto comasco.

“La visione di queste due sale, può essere considerata come un’introduzione – sottolinea Cavadini – ma anche come conclusione del percorso di Villa Olmo”. “Le mostre devono aiutare a cambiare la nostra visione del mondo – spiega il curatore Marco De Michelis – e questa mostra nasce dalla nostra condizione presente, dobbiamo ragionare sul presente e il futuro”.

La mostra costerà 780mila euro; costi  coperti da biglietteria, book-shop e sponsor. Il Comune di Como, come l’anno scorso, contribuirà con un finanziamento di 57mila euro.

“La Città Nuova” è il titolo che Antonio Sant’Elia aveva dato agli otto disegni esposti alla mostra di Tendenze del 1914, nei quali si riassumevano le visioni urbane del giovane architetto comasco che aveva appena formulato il suo manifesto per una architettura futurista. Da questi otto disegni prenderà le mosse la grande mostra dedicata ai cento anni di visioni urbane che hanno attraversato l’intero ventesimo secolo.

Fin dal suo apparire, nel corso dell’Ottocento, la metropoli era apparsa come una delle manifestazioni più drammatiche e più contraddittorie dell’età moderna, caratterizzata da inediti e drammatici problemi, igienici, morali, politici, culturali, funzionali, che richiedevano riforme radicali sia nel campo della viabilità e dei trasporti, che in quello della abitazione e della organizzazione della vita domestica.

Le Corbusier. Questo edificio segna la storia dell'architettura. Foto fornita dall'Uff. dl Turismo.  Le Corbusier 

A questi temi hanno cercato di dare risposte radicali i grandi architetti come Le Corbusier o Frank Lloyd Wright, con le straordinarie visioni della “Città contemporanea per tre milioni di abitanti” di Le Corbusier e di “Broadacre City”, la città ideale americana fondata sulla casa d’abitazione unifamiliare e sull’automobile come mezzo di trasporto individuale, disegnata da Wright, di cui sarà in mostra il grande modello originale del 1935, mai esposto fino ad oggi in Italia.

Dopo l’apocalisse della seconda guerra mondiale, il tema di una radicale rifondazione della città contemporanea riprendeva vigore nelle forme dell’urbanistica visionaria di architetti e artisti, come l’olandese Constant, il franco-ungherese Yona Friedman, i “metabolisti” giapponesi o gli inglesi di “Archigram”, che immaginavano città sospese nell’aria, dove l’uomo poteva mutare continuamente la propria condizione, finalmente liberato dalla schiavitù del lavoro !

Figli dei sommovimenti del ’68, i gruppi radicali italiani, come Archizoom e Superstudio, riformulavano criticamente questi temi sul finire degli anni Sessanta.

Ciò che caratterizza tutte queste sperimentazioni è il carattere “popolare “ e spettacolare delle loro rappresentazioni – collages, disegni, plastici, grandi installazioni – che utilizzano le tecniche della pubblicità, del collage, dei fumetti, e che mantengono ancora oggi un potenziale straordinario di comunicatività.

Fin dalla metà del diciannovesimo secolo, la città moderna aveva attirato lo sguardo – affascinato ma anche spaventato – degli artisti. I grandi boulevard di Parigi invasi dalla folla e dal traffico erano stati protagonisti cruciali dell’opera dei pittori impressionisti.

Il futurista Boccioni ne aveva interpretato la crescita esplosiva in quadri leggendari come “La città che sale” e Mario Sironi i nuovi paesaggi urbani delle periferie industriali.

Dopo la prima Guerra mondiale, la Metropoli era stata lo sfondo delle rappresentazioni drammatiche e tumultuose degli espressionisti tedeschi come Kirchner, Braun o Grosz, fino a quando, nel 1926, Fritz Lang le aveva intitolato uno dei suoi capolavori cinematografici, aiutato dalle visionarie scenografie di Kettelhute e Huente. Di questa stagione la mostra documenterà alcune delle opere più importanti.

Gli anni più recenti, quelli a cavallo tra la fine del Ventesimo e l’inizio del Ventunesimo secolo sembrano caratterizzati dal venir meno della capacità e del desiderio di inventare scenari futuri. La città contemporanea rimane protagonista di riflessioni e sperimentazioni, più degli artisti visivi che degli architetti. Ma si tratta di frammenti della realtà, piuttosto che di utopie visionarie come era accaduto ancora pochi anni prima.

La mostra si conclude con alcune opere-chiave della ricerca artistica di questi anni: “Pizza City”, lo sterminato plastico di una città composta soltanto da centinaia di giocattoli di Chris Burden, o la città fatta di “Case di bambola” della inglese Rachel Whiteread; o, ancora, il video della cinese Cao Fei che rappresenta una città sospesa nello spazio virtuale di “Second Life” e quello del tedesco Carsten Hoeller che simula la realizzazione della “Città volante” concepita da Krutikov nella Russia rivoluzionaria degli anni Venti.

Non è più il tempo delle grandi utopie. Piuttosto forse quello di riflessioni critiche e di autocritiche sul mondo in cui viviamo e in cui vorremmo poter vivere meglio.

La mostra di Villa Olmo sarà integrata da un allestimento della collezione di disegni di Antonio Sant’Elia di proprietà del Comune di Como negli spazi della Pinacoteca Civica: si tratta di disegni che da troppi anni non sono accessibili al grande pubblico, pur rappresentando una delle invenzioni più originali e più straordinarie dell’architettura europea all’inizio del Novecento.

E’ questa l’occasione per introdurre una delle figure-chiave del capitolo comasco di Expo 2015.

La “chiave” del titolo della mostra – La Città Nuova -, che tornerà nelle rassegne del 2014 e del 2015, riassume un progetto più ampio che non si conclude con questa esposizione ma intende svilupparsi nei prossimi due anni in vista di Expo 2015, in un confronto ravvicinato con le tematiche contemporanee dello spazio urbano, delle forme di convivenza, delle comunità cangianti e delle identità peculiari della città contemporanea e, in particolare, di Como.

 Kuala Lampur le immagini dei suoi grattacieli, come quelle di molte città del sud est asiatico, potrebbero essere paragonate ai disegni di Sant’Elia.

La Città Nuova. Oltre Sant’Elia. Cento anni di visioni urbane

Como, Villa Olmo, 23 marzo – 14 luglio 2013 A cura di Marco De Michelis.

MERITANO UNA VISITA:  FONDAZIONE PRADA   a Venezia Ca’ Corner della Regina, uno splendido palazzo sul Canal Grande costruito tra il 1724-28 da Domenico Rossi su commissione della famiglia Corner. Il palazzo sorge sulle rovine della costruzione in cui nacque Caterina Corner, che fu regina di Cipro. L’architettura del palazzo ricorda la vicina Ca’Pesaro, sede della Galleria Internazionale d’Arte Moderna, di Baldassare Longhena.

SINO AL 24 NOVEMBRE 2013.

Fondazione Prada “When Attitudes Become Form: Bern 1969/Venice 2013”

Ca’ Corner della Regina, Venezia 1 giugno – 24 novembre 2013;  fermata San Stae, Linea 1, direzione Lido.

La Fondazione Prada presenta dal 1 giugno al 24 novembre 2013 a Ca’ Corner della Regina a Venezia la mostra “When Attitudes Become Form: Bern 1969/Venice 2013”, a cura di Germano Celant in dialogo conThomas Demand e Rem Koolhaas. Il progetto ricostruisce, in un inedito e sorprendente rifacimento, “Live inYour Head. When Attitudes Become Form”, una mostra ideata e realizzata da Harald Szeemann alla Kunsthalle di Berna nel 1969 e passata alla storia per il radicale approccio del curatore alla pratica espositiva, concepita come medium linguistico.

Riproporre oggi in modo letterale una mostra del 1969, mantenendo le originarie relazioni e connessioni visuali e formali tra le opere, ha posto una serie di interrogativi sulla problematicità e sul significato stesso di un progetto che si è sviluppato attraverso una profonda discussione sotto diverse prospettive: artistica, architettonica e curatoriale. Sottolineando ed evidenziando il passaggio tra passato e presente di cui è importante conservare la complessa identità, si è deciso di innestare la mostra – nella sua totalità di muri, pavimenti e relative installazioni e oggetti d’arte – nella storica struttura architettonica e negli ambienti di Ca’ Corner della Regina, arrivando a inserire in scala 1:1 le stanze moderne della Kunsthalle, delimitate da superfici parietali bianche, negli antichi saloni affrescati del palazzo veneziano.

Si tratta di fatto di un esercizio di doppia occupazione: così come la Kunsthalle fu occupata da una giovane generazione di artisti rivoluzionari nel 1969, con lo stesso spirito le sale riccamente decorate di Ca’ Corner della Regina sono a loro volta invase dalle stanze novecentesche della Kunsthalle. Il risultato è una sovrapposizione tanto letterale quanto radicale di spazi, che genera relazioni nuove e inaspettate tra le opere stesse e tra le opere e lo spazio.

L’intento di questa operazione è ridare vita al processo espositivo con cui “When Attitudes Become Form” venne realizzata, così da evitare la mediazione dei documenti fotografici e filmici, e poterlo esperire e analizzare “dal vero”, esattamente com’era, seppur trasportato dall’ieri all’oggi. Un progetto di ripensamento che implica la consapevolezza che il linguaggio allestitivo e le relazioni tra le opere messe in mostra da un curatore sono diventati parte fondante e fruibile della storia dell’arte moderna e contemporanea.

Sul piano del contenuto dei lavori d’arte e sulle reciproche connessioni “When Attitudes Become Form: Bern 1969/ Venice 2013” riunirà – dopo un’approfondita ricerca, compiuta a stretto contatto con gli artisti, i loro eredi e le loro fondazioni, e in collaborazione con Glenn Phillips, curatore del Getty Research Institute di Los Angeles (GRI) che ospita l’archivio e la biblioteca di Harald Szeemann – le opere originali e presenti a Berna, quelle ritrovate e provenienti da importanti collezioni private e musei internazionali, nonché interventi site-specific, “re-enacted” direttamente o in collaborazione con gli artisti oltre a una selezione di fotografie, video, libri, lettere, oggetti effimeri e altri materiali originali relativi alla mostra del 1969 e al suo fondamentale contesto. La mostra includerà anche materiali inediti provenienti dall’archivio di Szeemann e messi gentilmente a disposizione dal Getty Research Institute che sta realizzando la catalogazione di questa vasta collezione.

Lo scopo è di riproporre, con la stessa intensità ed energia, le ricerche post-pop e post-minimaliste che andavano dalla Process Art alla Conceptual Art, dall’Arte Povera alla Land Art, sviluppatesi a livello internazionale alla metà degli anni Sessanta, evidenziando al tempo stesso il contributo di Szeemann, capace di pensiero oltre i limiti delle etichette critiche e dei vincoli teorici del suo tempo. In particolare la messa in luce di un procedere fluido e mutevole dell’arte, destinato a esplorare gli orizzonti fisici e concettuali del linguaggio visuale, materiale ed immateriale, posti in un territorio multiforme e in continuo mutamento, al di là della dimensione compiuta e immutabile dell’oggetto artistico. La mostra, caratterizzata da un nuovo approccio dove tutto era lasciato al processo liberatorio del fare, senza limiti, difese, piedistalli e costrizioni perimetrali, divenne un campo d’incontro dialettico tra artista e curatore, tra eventi e architettura: un luogo dove le opere realizzate s’intrecciavano tra loro, come in una sorta di trama organica in continua evoluzione.

Tra gli artisti presentati alla mostra figuravano, per citarne alcuni, Carl Andre, Giovanni Anselmo, Richard Artschwager, Joseph Beuys, Alighiero Boetti, Hanne Darboven, Walter De Maria, Jan Dibbets, Michael Heizer, Eva Hesse, Jannis Kounellis, Sol LeWitt, Richard Long, Mario Merz, Robert Morris, Bruce Nauman, Claes Oldenburg, Robert Ryman, Sarkis, Richard Serra, Keith Sonnier, Lawrence Weiner e Gilberto Zorio.

In occasione di “When Attitudes Become Form: Bern 1969/Venice 2013” sarà pubblicato un volume scientifico che comprenderà l’antologia completa delle immagini, moltissime delle quali inedite, scattate dai fotografi presenti a Berna oltre al contributo di storici, teorici, curatori e critici di fama internazionale (Pierre Bal Blanc, Claire Bishop, Benjamin Buchloh, Charles Esche, Boris Groys, Jens Hoffmann, Chus Martínez, Glenn Phillips, Christian Rattemeyer, Dieter Roelstrate, Anne Rorimer, Terry Smith, Mary Anne Staniszewski, Francesco Stocchi, Jan Verwoert) con l’intenzione di offrire uno strumento editoriale completo e multiforme tanto sui temi della ricostruzione e del “re-enacting” di oggetti, ambienti e mostre, quanto sulla pratica legata alla creatività, alla logica e al fare del curatore.

 

PUBBLICAZIONE: “When Attitudes Become Form: Bern 1969/Venice 2013”, Progetto Prada Arte, Milano

INFORMAZIONI:T + 39.041.8109161, Venezia T + 39.02.54670515, Milano info@fondazioneprada.org www.fondazioneprada.org

In attesa dell’apertura del nuovo museo PRADA a Milano del 2013.

“FONDAZIONE TERRUZZI VILLA REGINA MARGHERITA”www.fondazioneterruzzivillamargherita.it

LA VILLA

A Bordighera è aperta una delle piu’ notevoli collezioni d’arte private europee; un grande patrimonio artistico oggi a disposizione del pubblico.  Si tratta di un importante intervento che unisce pubblico e privato, sostenuto dalla Regione Liguria.

I visitatori potranno apprezzare non solo la prestigiosa collezione d’arte Terruzzi, ma anche la mirabile architettura, del Broggi (formatosi alla scuola del Boito), la biblioteca specializzata in storia dell’arte, un ricco bookshop, una panoramica caffetteria,  un gabinetto di restauro e un bellissimo giardino. Il tutto valorizzerà ancor meglio il patrimonio paesaggistico e culturale locale formato dalle vicine ville: Bicknell, Pompeo Mariani e Garnier e poi dai Giardini Hambury a Ventimiglia, da Villa Grock a Imperia e da Villa Nobel a Sanremo.

Un’occasione per vedere o rivedere un prezioso angolo d’Italia che fu tanto vistato e amato anche da Monet che se ne innamorò con Renoir e vi tornò per dipingervi ben 38 tele. Moltissime sono le grandi personalità legate a Bordighera, tra le tante: Charles Garnier, l’architetto francese progettista dell’Opéra di Parigi, del Casinò di Montecarlo  e dell’Osservatorio di Nizza. Inoltre a Bordighera progettò villa Bischoffsheim (ribattezzata Etelinda), il Municipio, la chiesa Terrasanta e Villa Studio, oltre alla sua abitazione. Anche Evita Peron visitò Bordighera e vi inaugurò la passeggiata a mare.

L’editore SKIRA ha presentato un catalogo ricco di storia e di immagini; indispensabile per una migliore comprensione dell’insieme. Il catalogo SKIRA è in vendita nel bookshop della villa.

“Quando voglio pensare a qualche cosa di piacevole e di riposante, mi viene subito davanti agli occhi la mia cara villa di Bordighera”. Così scrisse la regina Margherita nel 1923.

Nel 1879 Sua Maestà la regina, era stata in incognito a Bordighera per due mesi; costretta ad allontanarsi dalla capitale, trovandosi in precarie condizioni di salute dopo l’attentato a Umberto.

Trent’anni dopo, quando la regina volle costruirsi una residenza rivierasca pensò proprio all’amata Bordighera.

Il nuovo edificio aveva una sua peculiarità architettonica: il suo stile era unico nel contesto locale, come pure nel percorso professionale dell’arch. Boggi, e fu definito come “Barocchino del ‘700” d’ispirazione lombarda.

La grande hall è illuminata dalle vetrate artistiche della ditta Corvaja e Bazzi di Milano, mentre gli stucchi sono opera di Tommaso Bernasconi. Nella biblioteca si incontrano le librerie, i tavoli e le sedie originali; disegnati appositamente dal Boggi nel medesimo stile della villa. La villa venne ultimata nel 1915 secondo le idee della sovrana che non tenne in alcun conto le tendenze del momento. Infatti nel 1914 compariva il Manifesto dell’architettura futurista, mentre Boccioni e Sant’Elia si dichiaravano contrari a ogni revaival.

Anche l’ascensore della villa, oggi in un ambiente di servizio che si affaccia sulla sala da pranzo, non tradisce lo stile dell’insieme. Si tratta di un manufatto in legno bianco con la parte frontale sormontata dallo stemma personale della regina e l’interno foderato di specchi.

Da segnalare anche l’inginocchiatoio della sovrana della metà del XVIII secolo. Realizzato da Pietro Pifferi con pregiatissimi legni e intarsi in avorio e tartaruga.

Le stanze più belle del primo piano sono lo studio e la camera della regina; qui si incontrano le tempere di Tommaso Bernasconi che immortalano le vedute delle varie residenze regali. Belle le maioliche belghe usate come piastrelle per il “gabinetto di toilette”.

LA COLLEZIONE.

Il progetto allestitivo della collezione Terruzzi è curato da Michelangelo Lupo e comprende, tra l’altro, preziose tavole a fondo oro del Tre/Quattrocento di importanti autori toscani quali: Giovanni del Biondo, Bicci di Lorenzo e Bartolomeo Vivarini, tutte collocate nella Cappella e nella sala antistante. Tra i capolavori dell’arte della scuola ligure del Seicento sono di grande impatto emotivo le tre tele di Gioacchino Assereto, la Santa Caterina di Bernardo Strozzi e quasi una vera a propria monografia delle opere di  Alessandro Magnasco, ammirato anche dal Gran principe Ferdinando de’ Medici. Il  bizzarro Lissandrino è presente con uno dei suoi rari dipinti a figure grandi.

La pittura napoletana è rappresentata da Luca Giordano con tre tele, delle quali due sono di dimensioni molto importanti e poi: Paolo de Matteis, Giuseppe Recco e Fracesco de Mura.

Mentre la scuola emiliana è degnamente rappresentata da Giuseppe Maria Crespi con due opere degne di attenzione: Il Ritrovamento di Mosé e L’Adorazione dei Magi.

Al primo piano un notevole Cristo alla colonna, di ispirazione caravaggesca che dialoga con L’ Adorazione dei pastori e San Gerolamo leggente di Jusepe de Ribera detto lo Spagnoletto.

Da segnalare anche la Ghirlanda di frutti con allegoria dell’estate di Baccio del Bianco e Felice Fichelli (‘600) e due opere del Maestro della Fruttiera Lombarda, misterioso artista che ha attirato l’attenzione di Federico Zeri e Mina Gregori, indiscussi studiosi di nature morte.

E poi: Giovanni Stanchi, Giovanni Baglione, Baciccio, Agostino Carraci, Giuseppe Zonchi, Pietro Paolini…e tra i francesi: Jean-Baptiste Lallemand, Piat-Joseph Sauvage e molti altri. 

Al secondo piano sono in mostra. il servizio di piatti di Sèvres, databile 1760 e i 381 pezzi del Servizio Minghetti della famosa manifattura bolognese,  insieme a opere del miglior paesaggismo italiano del Settecento di Paolo Anesi e Giuseppe Zocchi. L’arredamento consiste in alcuni splendidi pezzi settecenteschi di artigianato francese e ferrarese.

Benedetto Gennari è presente con un’Allegoria della pittura e del disegno, mentre Pietro Paolini è l’autore di Giocatori di Carte. Di grandi dimensioni sono le Scene pastorali di Francesco Londonio insieme ad altri lavori del medesimo autore, acqueforti comprese. Jean-Baptiste Oudry, figura importante del naturalismo francese del Sei/Settecento, qui è presente con quattro pannelli raffiguranti volatili. Altri autori sono Andrea Locatelli e Hendrik Frans Van Lint, fiammingo naturalizzato romano.

 

Nel bellissimo parco, ricco di alberi precedenti la costruzione della villa, verranno a breve introdotte le rose della specie Reine Marguerite d’Italie, profumatissime, rare e dedicate alla regina.

Un mezzo elettrico, su richiesta, trasporterà i visitatori con problemi di deambulazione sino all’ingresso della villa.

Sono previste visite guidate per gruppi di 15 persone.

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LA CULTURA RENDE ma qualcuno non lo capisce. Dati INSTAT e SIAE.

24,3% aumento della spesa culturale, sostenuta dagli italiani dal ’99 al 2009

In un momento in cui tutto è in recessione, ecco un possibile salvagente per l’Italia: LA CULTURA, QUELLA VERA, TUTTA DA PROMUOVERE ELIMINANDO TUTTO QUELLO CHE E’ PURO PARASSITISMO: si incentiva solo quando se portano risultati anche economicamente positivi, non soldi a pioggia, ma mirati, e decisi da chi abbia un curriculum inattaccabile.

Italia: lo stato spende, per la cultura, lo 0,19% del Pil.

Francia: lo stato spende, per la cultura, l’1% e in Francia il turismo è un’entrata molto superiore a quella Italiana.

Negli ultimi 5 anni l’Italia ha ridotto del 30% ( € 1,509 miliardi di spese per la cultura)le spese per la cultura, ma si si comprendono anche Regioni ed enti locali si arriva a una riduzione di 4,8 miliardi.

La Germania, nel suo insieme,  spende 12,5 miliardi di euro l’anno

40 miliardi di euro: generati nel 2010 da musei, musica e cinema, pari al 2,6% del PIL nazionale.

5,8 milioni i lavoratori a tempo indeterminato coinvolti, in Italia, nella cultura.

Escludendo il turismo culturale lo spettacolo da lavoro a 500 mila persone, 6 volte la FIAT.

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DA VISITARE,  ALMENO ON LINE!

www.virtualmuseumiraq.cnr.it

CHIUSO PER L’ENNESIMA VOLTA PER MANCANZA DI FONDI, DOPO I SACCHEGGI DEL 2003-07, NEL SITO SI POSSONO VEDERE: LA DAMA DI URUK, L’ELMO DI UR, QUEL CHE RESTA DI NINIVE CAPITALE ASSIRA E DELLA BABILONIA DI NABUCODONOSOR O DELLA BAGDAD DELLE MILLE E UNA NOTTE. L’UNIVERSITA’ LA SAPIENZA SCAVERA’ AD ABU TBEIRA DOVE GIACE UN’INTERA CITTA’ ABITATA DA SUMERI, E BABILONESI.

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LIBRI.

“Lo potevo fare anch’io” di F.Bonami, ed Mondadori, un saggio che può aiutarci a capire l’arte moderna anche attraverso una dura critica verso i gli stessi “critici”; un punto di vista “criticabile” che considera mediocri, politicizzati e culturalmente conformisti Botero, Pomodoro, Guttuso…ma tanto si sa chiunque può criticare chiunque anche per spingere gli autori preferiti; da leggere per riflettere sull’arte moderna come puro mercato dove tutto è possibile.

“IL LIBRO DEI SIMBOLI”  è un testo importante per comprendere l’arte nei secoli, firmato dall’archivio per la ricerca dei simboli (ARAS che ha raccolto 17.000 rappresentazioni artistiche in 80 anni di vita), contiene 800 figure che rappresentano i 350 soggetti del libro. Nel libro si parla dei simboli di: benedizione, oscurità, angeli, bocca, scheletro, aria, silenzio ecc… il tutto è stato definito “dottissimo manuale…un capolavoro di iconologia lungo 800 pagine” [Repubblica 3.12.10], il testo è edito da Tasche. Ben 4 sono le pagine dedicate al simbolo “Uccello”: da una scultura dei nativi americani a una pittura iraniana del 17° secolo, da una nota di E.Dickinson a una osservazione di un libro degli animali della seconda metà del ‘900.

 

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Le mostre, terminate, delle quali ci pare interessante mantenere il ricordo.

Roma: “SULLA VIA DELLA SETA. ANTICHI SENIERI TRA ORIENTE E OCCIDENTE” al Palaexpo terminata il 10 marzo 2013.

Il bellissimo libro “Diavoli stranieri sulla via della seta”  ci ricorda che fu il massiccio himalayano a determinarne la nascita. Infatti esso impediva il contato diretto tra Cina e India e quindi la diffusione del buddhismo.

Fu così che il buddhismo e la sua arte furono costrette a scegliere vie più contorte offrendo un ruolo centrale al regno di Gandhara, nella valle oggi pachistana del Peschawar, già sede di fusione tra il buddhismo indiano e l’arte greca introdottavi da Alessandro Magno.

Pare che ad aprire questa via fosse stato un viaggiatore cinese, Chang Ch’ien, il quale nel 138 a.C. fu inviato dall’imperatore Wu-ti verso ovest in cerca di alleanze militari.

I romani scoprirono la seta decine di anni dopo nella guerra contro i Parti che indossavano il prezioso tessuto.

Poco dopo il filo di seta rappresentava il massimo del lusso a Roma.

La via della seta diviene sempre più importante soprattutto dal punto di vista commerciale  e così si arricchisce di nuove oasi e fa rifiorire antiche città.

Questo traffico pare interrompersi nel XVIII secolo, famosi centri vengono inghiottiti dalla sabbia del deserto sino al 1863 quando gli inglesi iniziano la loro esplorazione ufficiale dell’India.

Nel 180 si apre la prima delegazione commerciale a Kashgar insieme a giganteschi traffici di razzie archeologiche.

Oggi l’antica Kashgar vive ancora le contraddizioni descritte da Marco Polo: ” Qui vivono di mercanzia e d’arti. Egli hanno begli giardini e vigne e possessioni e bambagia assai; e sonvi molti mercanti che cercano tutto il mondo; e sono gente iscarsa e misera, che mal mangiano e mal beono”.

Kashgar risulta ancora oggi divisa tra l’etnia indigena degli uighuri fascinosa e miserabile e la nuova ricca etnia cinese-moderna sanz’anima.

Il nome seta deriva dalla popolazione dei seri, antico nome dei  cinesi.

All’antica corte ottomana di Istambul, nel palazzo Topkapi, si usava un prezioso laccio di seta per strangolare i principini indesiderati.

Gli indiani usavano fazzoletti di seta per strangolare le vittime sacrificate alla dea Khalì.

Da Vermeer a Tiziano l’arte immortale sfavilla di sete per damaschi, organze e broccati.

Di Velasquez si possono ricordare serici neri monarchici, come gli scintilii delle opere di Van Dyck figlio di un setaiolo.

Van Eyck dedica un ritratto al drappiere Giovanni Arnolfini di Lucca città che precedette Como come capitale della seta.

Jan Six, che fece fortuna con la tintura della seta, fu immortalato dal grande amico Rembrandt.

Baudelaire a Oscar Wild, quest’ultimo considerava il satin giallo un antidoto al mal di vivere e coprì il ritratto di Dorian Grey con del raso color porpora, ci ricordano papillons, fusciacche, cravatte e foulards.

Mariano Fortuny con i suoi veli plissettati come pepli greci e poi Christian Dior, Roberto Cappucci; tutti maestri nel trasformare la seta in abiti scultura.

E poi sulle calze di seta ci sarebbe anche molto da dire.

GENOVA: VAN GOGH  e il viaggio di GAUGUIN.

Nel 1897 Gauguin a Tahiti riceve la notizia della morte della figlia, questa notizia e la personale malattia gli pesano enormemente, ma decide di creare il suo capolavoro: Da dove veniamo?Chi siamo?dove andiamo?  Si fa mandare da Parigi nuovi colori e grandi pennelli, a Tahiti si fa preparare una tela di 4 mt. di lunghezza e 1 mt. e 1/2 di altezza. Terminato il quadro sale sulle montagne con un vaso di arsenico nell’intento di suicidarsi. Non riuscirà, ma ne trarrà grande dolore fisico. Il suo ultimo quadro proviene  alla mostra dal museo di Boston che lo ha concesso, in Europa, solo a Parigi 10 anni fa.

Questo quadro ben si addice al senso del viaggio, tema della mostra: viaggio come esplorazione geografica, come spostamento fisico e viaggio nelle proprie interiorità.  Basta questo quadro a dare senso alla mostra che, invece, ci propone ben 80 capolavori della pittura americana ed europea del XIX e XX secolo provenienti da musei di tutto il mondo.

Ma questa mostra non è solo di quadri, ma anche di lettere originali, scritte anche al fratello Theo, e oggetti di van Gog giunti in Italia per la prima volta; riconoscendo così van Gogh come figura artistica centrale dei due secoli.

Van Gogh  e Gauguin ben esprimono sia il viaggio, inteso come tale, sia il viaggio all’interno del proprio io.

Sono 25 i dipinti e 15 i disegni di van Gogh, quasi tutti prestati dal Van Gogh Museum di Amsterdam e dal Köller-Müller Museum di Otterlo, e ci parleranno della scura luce del nord contrapposta alla luminosità del sud. L’Autoritratto al cavalletto, 1880, è una fusione di ciò che è dentro e ciò che è fuori; il viaggio che il vero artista deve sempre fare dentro di sé. Questo quadro avrà una collocazione particolare, per sottolineare l’uscita dal buio dopo la ricerca in se stessi. Mentre l’immagine che chiude la mostra sarà il covone di fieno sorvolato dai corvi “Covone sotto un cielo nuvoloso”, dipinto ad Auvers tre settimane prima della morte. L’esposizione al pubblico avviene dopo 40 anni. Alla mostra sarà presente anche la più famosa versione del Seminatore, dipinto ad Arles nel 1888. Altro quadro famoso presente è “Le scarpe di Van Ghogh”

La pittura americana del XIX secolo è esplorazione di territori sconociuti: lo spazio di una nazione giovane. Il viaggio qui è rappresentato da Edwin Church, pittore dell’Est, della valle dell’Hudson, della costa del Maine, e da Albert Bierstadt, pittore dell’Ovest, dello Yellowstone  e dello Yosemite. Sarà presente anche Winslow Homer con il suo Maine: buio, solitudine, acque tempestose dell’oceano. La costa del Maine è tema anche di Andrew Wyeth che si ispirò a Vyeth e Hopper.

Quindi Hopper, con le sue notti buie, e poi il monocromo Mark Rothko e il suo famoso viaggio dentro l’interiorità, vicino alle simili marine del Turner, di un secolo e mezzo anteriore.

Richard Diebenkorn si può identificare con la finestra sul Pacifico agitato e i fili dell’elettricità con il suo: “Ocean Perks”.

Caspar David Friedrich aprirà la pittura europea con il suo viaggio della mente di fronte all’infinito: una barca verso la nebbia e William Turner con un viaggio nella potenza degli elementi naturali.

Immagini sulle pareti, sul pavimento e musiche presenteranno l’opera di Gauguin: una presentazione degna di un artista di incontestabile genialità.

Il grande Claude Monet sarà presentato nella cornice del suo  splendido, romantico, un po’ esotico giardino di Giverny.

Mentre Wassily Kandinsky proporrà il suo viaggio mentale di sogni, incanti tremuli e memorie.

Nicolas de Staël presenterà i suoi muri calcinati di Agrigento, le sue figure di fronte al mare e gli strapiombi di Antibes.

Di Morandi si vedranno le nature morte; un viaggio in una stanza con i suoi celeberrimi colori polverosi.

Tutto questo val bene un viaggio! Anche per ammirare con occhi attenti il bel palazzo Ducale, costruito nel 1291; un palazzo che è degna cornice di cotanta mostra.

La città di Genova, per l’occasione, offrirà molte altre proposte sul tema:  teatro, serate esclusive nel ristorante del Palazzo Ducale, speciali pacchetti per le scuole e week-end organizzati per tutti… www.lineadombra.it tel.0422.3095.

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Primitive.

Per la prima volta in Italia il più importante progetto espositivo

dell’artista e regista thailandese Apichatpong Weerasethakul

Un’immersione nell’immaginario onirico ed evocativo di uno dei protagonisti della scena artistica e cinematografica di oggi 

HangarBicocca 7 marzo – 28 aprile 2013

Apichatpong Weerasethakul – vincitore della Palma d’Oro al Festival del Cinema di Cannes del 2010 (con il film Uncle Boonmee Who Can Recall his Past Lives), protagonista dell’ultima edizione di Documenta – è considerato sia in ambito cinematografico che artisticouno degli autori più influenti dell’ultimo decennio, grazie alla sua capacità di integrare nello spazio formati, dimensioni, fonti visive e sonore diverse, costruendo nuove forme di visione delle immagini in movimento.

Il Progetto

Primitive nasce come un progetto collaborativo con i giovani abitanti di Nabua, villaggio nel Nord della Thailandia, che fu messo sotto assedio, dagli anni ‘60 agli anni ‘80, dall’esercito thailandese. Nel 1965 una ribellione degli agricoltori diede luogo a una cruenta battaglia a cui seguirono lunghi anni di violenze che portarono alla fuga degli uomini, lasciando il villaggio abitato solo dalle donne e dai bambini. Gli adolescenti del luogo, figli e nipoti dei ribelli di un tempo, con i quali il regista ha vissuto, lavorato, condiviso momenti della giornata, danno vita a un’opera d’arte partecipata dove la vitalità e l’energia dei ragazzi si fondono con il linguaggio narrativo dell’artista.

Apichatpong Weerasethakul, il cui progetto artistico coincide quasi totalmente con le proprie scelte di vita, trascorre lunghi periodi alla ricerca delle storie per i suoi film, esplorando i luoghi del suo Paese legati alla memoria collettiva e quella personale. Lavorando e vivendo per lunghi periodi con coloro che poi diventano i protagonisti delle sue opere, l’artista prende spunto dalle vicende di vita delle persone incontrate, intrecciandole con le proprie visioni in un racconto frammentato e visionario che è la cifra artistica delle sue opere.

“La presenza dei ragazzi ha reso l’aria di Nabua respirabile” racconta. “Così Primitive è diventato il ritratto di una generazione di adolescenti discendenti da contadini comunisti. Ero affascinato dai loro tagli di capelli, dal loro abbigliamento alla moda. Era il look delle popstar thailandesi e coreane. [Preparando Primitive] Ho sognato di produrre una rock band di Nabua. E loro hanno sognato di diventare attori!” racconta l’artista. (Da Apichatpong Weerasethakul, a cura di James Quandt. Filmmuseum Synema, 2009)

Primitive – oltre le vicende storiche e biografiche a cui è legato – è un ritratto universale di una generazione di giovani che forse ha perso il senso della storia ma non l’energia e la speranza necessarie per immaginare un futuro migliore.

Con un linguaggio dirompente che fonde modalità e codici produttivi e travalica le frontiere dell’arte e del cinema, Apichatpong Weerasethakul riafferma le origini e l’identità di un luogo dimenticato e di una popolazione negletta e li proietta verso il futuro con la forza di sentimenti universalmente incorruttibili come l’amicizia, l’unione, il desiderio di evasione. I fatti reali si innestano nella leggenda, nella favola e nel racconto: in questo senso il lavoro di Apichatpong Weerasethakul pone un nuovo paradigma sia nel campo del cinema sia in quello dell’arte, dimostrando come i confini fra accadimenti, documentazione, memoria e ricostruzione siano sottili e ambigui e sempre influenzati dallo sguardo di chi racconta.

 

Primitive è stata prodotta e commissionata dalla Haus der Kunst, Monaco e FACT, Liverpool e co-prodotta da Illuminations Films, Animate Projects e dalla casa di produzione di Apitchatpong Kick the Machine.

 

L’artista

Apichatpong Weerasetakul è nato nel 1970 a Khon-Khaen, nel nord della Thailandia, dove è cresciuto. Ha studiato Architettura e in seguito si è specializzato in filmmaking all’Art Institute di Chicago. Come regista, è l’autore che ha più influenzato l’ultima generazione di giovani cineasti indipendenti e artisti visivi che lavorano con video e film. Ha ricevuto numerosi premi tra i quali la Palma d’oro a Cannes nel 2010 e il premio della Giuria di Cannes nel 2004 perTropical Malady. Nel 2010 il film Syndromes and a Century è stato dichiarato il miglior film del decennio in occasione del celebre The Best of the Decade: An Alternative Vieworganizzato dalla Cinematheque del Toronto International Film Festival, vincendo una  competizione conregisti come Abbas Kiarostami, Ingmar Bergman e Jean-Luc Godard.

In ambito artistico è stato il primo artista a ricevere il Fine Prize dal 55th Carnegie International, USA e il suo lavoro è stato presentato nel 2012 a Documenta di Kassel. Le sue opere sono state esposte in importanti musei nel mondo tra i quali il New Museum di New York e il Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris. La Tate Modern di Londra ha acqusito in collezione una sua opera.

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UN GRANDE ARTISTA NON MOLTO CONOSCIUTO IN ITALIA:

Graham Sutherland. 


Considerato, alla pari dell’amico-rivale Francis Bacon, uno dei capiscuola della pittura britannica contemporanea, molto amato dai più importanti critici della seconda metà del Novecento – quali Francesco Arcangeli, Roberto Tassi, Giovanni Testori – Sutherland viene riportato all’attenzione del pubblico e della critica per iniziativa della Fondazione Magnani Rocca di Mamiano di Traversetolo (Parma) dall’8 settembre al 9 dicembre 2012, attraverso un’attenta selezione di opere, provenienti da collezioni riservate e in parte mai esposte, che documentano il suo percorso d’artista.
Nei saloni della “Villa dei Capolavori”, sede della Fondazione presieduta da Giancarlo Forestieri, accanto alle celebri opere di Dürer, Tiziano, Rubens, Van Dyck, Goya, Monet, Renoir e molti altri, dove spesso il Fondatore Luigi Magnani conversava d’arte con l’amico Roberto Tassi, i lavori di Sutherland trovano così un profilo identitario nella tradizione figurativa europea.
La mostra, a cura di Stefano Roffi, è corredata da un ricco catalogo, impreziosito da un ampio saggio di Martin Hammer, docente presso la University of Kent e consulente scientifico della Tate Britain di Londra, attualmente il più accreditato studioso internazionale dell’artista.
La mostra si avvale anche della collaborazione di Montrasio Arte.
Fondazione Cariparma e Cariparma Crédit Agricole sono i mecenati dell’iniziativa.

Graham Sutherland
 (Londra 1903 – 1980) inizia come incisore e insegnante alla Scuola d’Arte di Chelsea. Avvia il proprio lavoro d’artista con grande interesse per il paesaggio, in particolare del Galles, conducendo una lettura critica della tradizione pittorica, senza allontanarsene ma affrontandola dall’interno. Se gli esordi risentono degli influssi del neo-romanticismo inglese, dagli anni “30 la sua pittura si carica di una drammaticità che la rende inquietante e visionaria tanto da farla accostare alla corrente surrealista con cui condividerà la Mostra Internazionale del 1936 a Londra, mostrando influssi di Picasso e di Klee. Sutherland sembra collegarsi soprattutto alle fonti primarie del Romanticismo, alla poetica del “sublime” di Blake, ma nella sua declinazione più amara, un “sublime” negativo espresso attraverso dissonanze cromatiche, segni netti dove tutto appare “dramma e lacerazione”, anche in conseguenza dell’esperienza della guerra. Dal 1940 al 1945 viene infatti incaricato ufficialmente di testimoniare in pittura gli orrori del conflitto come “artista di guerra” insieme a Moore e Nash. Nascono così le Devastations, visioni fosche e allucinate delle città inglesi distrutte dai bombardamenti, nelle quali affiorano nuove forme create dal sovvertimento bellico, vero oggetto dell’indagine dell’artista; molte di queste opere sono presenti in mostra. In questo periodo egli intensifica l’interesse per lo studio della figura umana, giungendo a realizzare la nota Crocifissione per la chiesa di St. Matthew di Northampton e l’arazzo del Cristo in gloria nella cattedrale di Coventry. Fama e riconoscimenti gli vengono tributati già a partire dall’immediato dopoguerra con mostre ed eventi a livello internazionale.
L’impegno come artista di guerra l’aveva distolto momentaneamente dal primario interesse per la natura, in virtù del quale si autodefinisce erede spirituale di John Constable. Proposito di Sutherland è rivelare la verità che si cela nelle cose, la pittura è il suo strumento di delazione. È così che egli si dedica a raffigurare brani di natura in parafrasi, destrutturata, riassemblata, reinterpretata, privata della sua riconoscibilità comune e presentata come un infinito e bizzoso mutante, pervicacemente intenzionato a nascondere la propria identità autentica. Lavora su un’idea di paesaggio dove le forme vegetali e minerali vengono trasformate in icone totemiche – le Standing Forms degli anni Cinquanta – che emergono minacciose dal fondo in un’atmosfera densa di suggestioni psicoanalitiche. Dipinge senza gli infingimenti propri del naturalismo tradizionale, rassicurante anche nel rappresentare una tempesta, lasciando intendere di possedere il potere terribile di aprirci gli occhi, di farci conoscere le forme vere e le intenzioni spietate della natura, i suoi disegni oscuri e devastanti, il suo potere assoluto e ineffabile.
Il pittore avverte che le forme naturali che appaiono ai nostri occhi avidi di bellezza non sono che abbagli emotivi, ricostruzioni mentali imposte dal nostro bisogno di sicurezza; la realtà è destabilizzante, non prodiga di leggiadria, ma dura e meccanica, una romantica “terribilità” anti-sublime nella sua naturalistica spietatezza, minaccia reale e non soltanto turbamento letterario. Sutherland coglie questa capacità metamorfica e dipingendola affronta un’indagine sulla vita organica in cui è racchiuso il mistero dell’esistenza; analizzando le forme, ne riconosce il senso ambiguo, disturbante, crudele, ma ponendole in contrasto con l’intensità e a volte con la dolcezza cromatica, ne sa estrarre tutta la poesia e il dramma, con una stratificazione e una complessità formale che gli consentono di dar vita a un immaginario surreale a volte cupo a volte fantastico. Curiose creature nate da strane metamorfosi, dopo alcuni esempi degli anni Cinquanta, compongono il primo Bestiario realizzato nel 1968 a cui segue quello del 1979 dedicato all’opera di Apollinaire; risulta evidente la suggestione che l’artista subisce dalle figurazioni animali della scultura romanica, coi suoi esemplari prepotenti, terrestri e misteriosi, provenienti da una realtà fantastica ma non divina, simboli unitari di esperienza e invenzione.
Sutherland realizza così una personale cosmogonia delle metamorfosi delle forme, esempi della fantasia e della ricchezza della forza naturale, oscuramente aggrovigliata sul proprio mistero. Tra i regni vegetale, animale e minerale vengono meno le divisioni, tutto si connota del medesimo senso di arcaica e arcana indifferenziazione.
Quando, nel 1967, ritorna nel Galles col regista e suo grande collezionista Pier Paolo Ruggerini – che lì gira un film sulla sua vita, proiettato all’inizio dell’esposizione – Sutherland riscopre quel paesaggio che tanta importanza ha avuto nella sua formazione, e si rende conto di quanto esso abbia ancora da offrirgli in termini di motivi e di vocabolario di forme e di colori.
Una frase di Ruskin si presta per sostanziare il suo lavoro: «Indagare la natura, studiarne le leggi di crescita, trarne visioni provenienti dal centro dell’ardente cuore», quindi evidenziare come l’esteriorità della natura venga ricreata per esprimere l’interiorità dell’uomo, con un approccio visivo che si fa visionario nel seguire il pullulare della fantasia e dell’anima.
L’artista è famoso anche per i suoi ritratti, dove evidenzia una pietas degna di Holbein: i volti sono indagati come se si trattasse di brani di natura, a testimoniare una continua ricerca della verità, soprattutto di una verità interiore: un movimento della testa o del corpo, un corrugamento della fronte o un’espressione del volto sono sufficienti a rivelare le pene, i turbamenti di un’intera esistenza, trattati come fermenti sottocutanei. Sono ritratti di amici, dei quali individua la sostanza psichica, il profilo intimo, ma ancor più di celebrità e potenti, come lo scrittore Somerset Maugham, lo statista Winston Churchill e molti aristocratici, non per adulazione ma per cogliere nelle fattezze umane i segni organici dell’esercizio di una strenua volontà di successo e potenza, spesso con pennello inesorabile, al punto che la moglie di Churchill, turbata, distruggerà il ritratto.

SUTHERLAND. Il pittore che smascherò la natura


Mostra e Catalogo a cura di Stefano Roffi, col patrocinio dell’Ambasciata Britannica in Italia.In collaborazione con Montrasio Arte.
Catalogo Silvana Editoriale, con saggio generale di Martin Hammer e antologia di scritti di Roberto Tassi, testi di Daniele Astrologo Abadal e Ruggero Montrasio, Roger Berthoud, Isotta Langiu, Stefano Roffi, Graham Sutherland. Fondazione Magnani Rocca, via Fondazione Magnani Rocca 4, Mamiano di Traversetolo (Parma). Dall’8 settembre al 9 dicembre 2012.

     Da: Ufficio Stampa: Studio ESSECI – Sergio Campagnolo tel. 049 663499 –www.studioesseci.net info@studioesseci.net

2012 FESTIVAL DEL FILM LOCARNO 

Il FESTIVAL DEL FILM LOCARNOè nato nel 1953. .

2012 FESTIVAL DEL FILM LOCARNO

Lungo i suoi 64 anni di storia, il Festival del film Locarno ha saputo conquistarsi un posto unico nel panorama delle grandi manifestazioni cinematografiche. Ogni anno, ad agosto, la cittadina svizzero-italiana di Locarno, situata nel cuore dell’Europa, diventa per undici giorni la capitale mondiale del cinema d’autore. Migliaia di amanti e professionisti della settima arte si danno appuntamento qui per fare nuove scoperte e condividere una passione per il cinema in tutte le sue poliedriche espressioni. Locarno offre una programmazione di qualità, ricca, eclettica, sorprendente, dove talenti emergenti camminano fianco a fianco con ospiti di prestigio. Ma è il pubblico la vera anima del Festival, come mostrano le celebri proiezioni in Piazza Grande che ogni sera accoglie nel suo magico scenario una platea di 8.000 spettatori. Geograficamente situato al crocevia di tre grandi culture europee (italiana, tedesca e francese), con il suo vasto pubblico multiculturale, il Festival del film Locarno rappresenta un trampolino di lancio unico per nuovi film provenienti da tutte le parti del mondo. Appuntamento irrinunciabile per i professionisti del settore e tappa fondamentale nel calendario dei festival, Locarno rappresenta uno spazio d’incontro molto prezioso, un’occasione per scovare i talenti di domani da un’avvincente selezione di prime mondiali, ed esplorare le nuove tendenze del cinema contemporaneo.

Lontani dalla patina di stress che solitamente copre simili eventi, i professionisti di tutto il mondo trovano qui le condizioni ideali per creare una proficua rete di contatti, tra i diversi workshop o gli informali happy hours organizzati dall’Industry Office. Il Festival di Locarno, interamente dedicato al cinema e ai suoi autori, offre un’esperienza davvero indimenticabile.

Fondato nel 1946, il Festival del film Locarno è uno dei più antichi del mondo insieme a Venezia e Cannes. Ideato come occasione per scoprire nuovi talenti e nuove tendenze, Locarno ha saputo conquistarsi un posto di primo piano sulla scena internazionale, un trampolino di lancio fondamentale per le nuove generazioni del cinema mondiale. Locarno ha spesso riconosciuto, prima di tutti gli altri, la genialità di giovani registi provenienti da tutti gli angoli del mondo – talvolta sin dai loro primi cortometraggi

Il poster della 65a edizione, ideato dall’agenzia Jannuzzi Smith, è il secondo di una trilogia intitolata “La bella e la bestia”


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Una teleferica progettata dal noto architetto Mario Botta porta ancora più in alto fino a Cardada-Cimetta sulla montagna simbolo di Locarno (1670 m). In estate Cardada è il punto d’incontro dei patiti del parapendio e delle escursioni, mentre in inverno è possibile praticare lo sci e lo slittino

La retrospettiva della 65esima edizione del Festival del film Locarno, in collaborazione con la Cineteca svizzera e la Cineteca francese, sarà dedicata al maestro hollywoodiano di origine europea Otto Preminger (1905 -1986).

Il Concorso Cineasti del presente, vero e proprio spazio di scoperta che presenta opere prime o seconde di giovani registi emergenti, sarà protagonista in questa edizione di alcuni cambiamenti che mirano ad aumentarne la visibilità e l’importanza all’interno del Festival. 

La Carte Blanche del Festival del film Locarno sarà dedicata quest’anno al Messico. L’iniziativa, inaugurata nel 2011 con la Colombia, si propone di offrire una finestra sui film in fase di post-produzione di un paese, ogni anno diverso, dell’Asia, dell’Africa, dell’America Latina o del Sud-Est Europa. Carte Blanche vanta il sostegno della Direzione dello sviluppo e della cooperazione (DSC) del Dipartimento federale degli affari esteri (DFAE).

Sono 12 i progetti provenienti dall’Africa francofona subsahariana selezionati per Open Doors, il laboratorio di coproduzione del Festival del film Locarno. Diverse personalità del mondo del cinema africano hanno inoltre già confermato la loro presenza alla prossima edizione del Festival.

Il regista, sceneggiatore, produttore e videomaker thailandese Apichatpong Weerasethakul presiederà la giuria del Concorso internazionale del 65° Festival del film Locarno.

Il Festival del film Locarno attribuisce quest’anno ad Arnon Milchan il Premio Raimondo Rezzonico per il miglior produttore. Con oltre cento pellicole all’attivo, Arnon Milchan è uno dei produttori cinematografici indipendenti americani più prolifici e di maggiore successo degli ultimi venticinque anni.

Il 65° Festival del film Locarno rende omaggio a Johnnie To con un Pardo alla carriera per il suo straordinario contributo al cinema come regista e produttore. Per l’occasione verrà presentata in Piazza Grande la prima europea di Motorway(Che sau), il nuovo film prodotto da To e diretto da Soi Cheang.

Il regista francese Leos Carax sarà insignito del Pardo d’onore Swisscom nel corso della prossima edizione del Festival del film Locarno.

TRENTO I cavalieri dell’imperatore: tornei, battaglie e  castelli” Una grande mostra in due splendidi castelli: al Castello del Buon Consiglio e a quello di Beseno; una mostra dedicata alle armi rinascimentali.

23 giugno al 28 novembre 2012.

Al castello del Buon Consiglio questa atmosfera è ben evidente nel celebre affresco del mese di febbraio di Torre Aquila che immortala il torneo medioevale.

Tra le armature più preziose che verranno in mostra vi è quella forgiata nel 1571 per l’arciduca Carlo II, realizzata per un torneo organizzato in occasione del suo matrimonio, un’armatura da parata del 1550 realizzata dal celebre armaiolo Michael Witz il giovane decorato con foglie di vite, e una splendida armatura per cavallo del 1505-1510 realizzata da Konrad Seisenhofer e Daniel I Hopfer. Oltre a spade, pistole, archibugi e falconetti sarà in mostra anche una tenda militare seicentesca, oltre ad una ricca collezione di dipinti, non solo scene di duelli e battaglie ma anche stampe e ritratti di personaggi e cavalieri, sarà esposto anche il celebre ritratto dipinto di Rubens raffigurante l’Imperatore Carlo V proveniente dalla Residenzgalerie di Salisburgo.

I pezzi provengono dai più importanti museo d’Europa come la Landeszeughaus a Graz, che è il più grande arsenale originale esistente al mondo. E’ composto da circa 32.000 pezzi tra armi, armature per la battaglia e quelle per le parate. La Landeszeughaus fu costruita tra il 1642 e il 1645 da un architetto tirolese Antonio Solari. La Stiria che era la zona più prossima al fronte contro l’Impero Ottomano aveva un disperato bisogno di un arsenale di grandi dimensioni.

Molti anche gli oggetti curiosi: una maschera da giostra realizzata per l’arciduca Ferdinando II nel 1557 che raffigura un volto di un turco, i pegni d’amore per i cavalieri, la porta in ferro battuto originale del 1574 dell’Arsenale di Graz.

In mostra vi sarà anche la maglia di ferro (detto usbergo) utilizzata dagli Ussari nel XVI secolo che rivoluzionò il modo di combattere. Realizzata con oltre 25mila anelli di metallo intrecciati tra loro sostituiva le pesanti armature e favoriva comodi movimenti. Per realizzare soltanto un usbergo era necessario un lavoro di oltre sei mesi da parte di abili artigiani del ferro. L’efficacia di queste armature venne meno con l’avvento delle armi da fuoco e archibugi, tanto condannati dall’Ariosto nell’Orlando Furioso perché ritenuti vili e infingardi di fronte al coraggio e all’audacia del cavaliere che combatteva con spada, lancia e cavallo secondo le regole cavalleresche.

Castel Beseno

Costruito sul dosso che domina le valli dell’Adige e del Rio Cavallo, il castello è, con oltre 16 mila mq di superficie, il più vasto complesso fortificato della regione.

Di origini medioevali, già feudo dei Da Beseno e quindi dei Castelbarco, fu rinnovato agli inizi del Cinquecento dalla famiglia Trapp, assumendo l’attuale aspetto di una fortezza rinascimentale, caratterizzata da strutture adatte all’impiego di armi da fuoco.

Nel 1972 le sue imponenti rovine furono donate alla Provincia autonoma di Trento, che ne avviò l’impegnativo restauro.

La strada imperiale

Castel Beseno si affaccia sulla valle dell’Adige, dominandone un ampio tratto, compreso tra Rovereto e Trento. Da qui si scorgono i paesi di Aldeno, Nomi, Pomarolo, Castellano e Nogaredo in destra Adige, quelli di Besenello, Calliano e Volano sulla sponda opposta.

La valle era attraversata dalla strada imperiale (all’incirca l’attuale strada statale) e dalle anse dell’Adige, che oggi appare rettificato. Il sottostante Castel Pietra era posto di dazio e sbarramento fisico delle due vie di comunicazione. Altri castelli garantivano il controllo della zona: il Còvelo di Aldeno, il castello di Nomi, Castel Barco, Castel Noarna, Castellano e Castel Corno.

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Ci pare interessante, e quanto mai pertinente, riportare questo valido testo di Franco Cardini (parte)

“O gran bontà de’ cavallieri antiqui!”. E’ uno dei versi più celebri dell’Orlando furioso, e forse quello più significativo, la chiave di tutto: dell’ironia e della nostalgia, i due fiori sbocciati già alla fine della stagione medievale dell’epica con Matteo Maria Boiardo e ancor vividi e profumati al tempo del tramonto, col capolavoro di Miguel de Cervantes. Il cristiano Rinaldo e il “pagano” Ferraù –avatara rinascimentali di due reoi dell’epica dell’XI-XII secolo –  se le stanno dando di santa ragione, non già per il trionfo della loro rispettiva fede però, bensì per gli occhi e per le grazie della bella Angelica: al quale però, sdegnandoli entrambi, prestamente s’invola. Accortisi della fuga della bella, i due cavalieri si danno a inseguirla:  Ferraù fa salire Rinaldo in groppa al suo cavallo, ed entrambi, nemici e di fede religiosa diversa, corrono abbracciati all’inseguimento. Ludovico Ariosto non può non prorompere, a quello spettacolo, in un’esclamazione ammirata: quella sì ch’era lealtà, quella sì ch’era fratellanza d’armi!

    E’ peraltro difficile non cogliere, al di sotto di tanta ammirazione, l’incredulità, l’ironia e lo scetticismo. Così narrano i cantari: ma sarà poi vero? E se lo fosse stato – si chiede il poeta, che appartiene pur sempre all’età del Machiavelli – sarebbe stato davvero saggio questo troppo scrupoloso rispetto per il nemico? E se ciò poteva accadere nelle età passate, oggi certo non è più così.

   Il fatto è che siamo dinanzi a un topos antico quanto il mondo. Il generoso eroismo, quello che noi occidentali siamo usi riassumere nel significato più profondo della parola “cavalleria”, è nato morto: nel senso che è sempre stato, per definizione, patrimonio degli antichi eroi, del tipo di quelli che non nascono più. Era già vero nell’Iliade.

   Ma se la lealtà e la generosità degli eroi antichi  è finita, ciò non significa che non sia un modello. Al contrario. Anche perché la gente di guerra sa bene che lealtà, cortesia e generosità sono, nel combattimento, la prima e la più sicura forma di reciproca assicurazione. Regole semplici, eppure frutto di attenta e rigorosa elaborazione culturale. Non si attacca a tradimento; non si colpiscono gli inermi o i palesemente inferiori sotto il profilo fisico; non s’infierisce sui feriti, su chi si arrende sui prigionieri; non si nega pietà a chi la chieda. Una visione etica dello scontro, sottostante alla quale c’è una visione giuridico-sacrale: non v’è confronto di forza che non sia anche un iudicium Dei, alla luce del quale è il migliore che deve prevalere. Sul versante opposto, la visione utilitaristica: la guerra è un mezzo per affermare la propria volontà di potenza, che è “naturale” conseguire con qualunque mezzo (“in guerra, in amore e in commercio tutto è lecito”).

   Il principio etico è quello che sostiene il concetto e la prassi – ormai desueti entrambi, nonostante la persistenza d’una normativa internazionale –  delle cosiddette “guerre convenzionali”, che si combattono appunto tenendo presente delle precise Convenzioni, dei trattati sottoscritti dai contendenti. E’ stato normale tra Otto e Novecento, ma è obiettivamente paradossale, che fossero proprio le guerre convenzionali ad essere prese di mira dai pacifisti. così com’è stato e resta normale, per paradossale che sembri, il fatto che molti pacifisti finiscano  col simpatizzare con o addirittura col prediligere la guerra di guerriglia, la guerra selvaggia e senza regole, combattuta tuttavia nella consapevolezza soggettiva (cioè nella soggettiva presunzione) di star dalla parte della Verità e della giustizia, quindi di star combattendo in fondo una Guerra Santa. In questo modo, però, chi si oppone alla guerra rifiuta, di fatto, le sue regole: e si colloca in una prospettiva dalla quale tutto è lecito sul piano dei mezzi pur di affermare un fine ch’è per definizione giusto.

I castelli Trentini ti premiano:  www.buonconsiglio.it              info@buonconsiglio.it 

DINASTIA DEI BRUEGHEL”  a Como Villa Olmo.

Una mostra intelligente che evidenzia una famiglia di artisti fiamminghi quasi dimenticata a favore dei più famosi, e insuperabili, Van Eyck e Rubens.

I Brueghel (o Bruegel) si imposero, tra la metà del ‘500 e il ‘600, nel gusto della solida borghesia nordica, nell’Europa mondana e alla corte del Cardinale Federico Borromeo, uomo di grandissima cultura.

Il capostipite fu Pieter il Vecchio che si rifece e rielaborò i lavori inquieti del grande Hieronymus Bosch. Figli  e nipoti ne divulgarono l’opera aggiungendo, via, via varie personalizzazioni più o meno marcate.

Non mancano accenni alla cultura lombarda del Cinque-Seicento ed ai corsi d’acqua caratterizzanti le Fiandre e molto importanti per l’Europa dell’epoca, come la zona dei laghi, che comprende il Lario, dove si svolge la mostra.

“I sette peccati capitali” di Bosch sono il miglior punto di partenza per comprendere il lavoro dei Brueghel e, questo quadro, è certamente la più preziosa “reliquia” della mostra.

Il contatto tra Bosch e l’antesignano dei Brueghel lo si deve all’editore-incisore di Anversa Hieronymus Cock, nel cui studio si incontravano pittori, letterati ed altri uomini di cultura dell’epoca come gli alchimisti.

Brueghel, ancora giovane, ebbe l’incarico, da Cock,  di riprodurre una serie di lavori di Bosch per gli incisori.

La prima opera di Brueghel, il Vecchio, “I pesci grandi mangiano i pesci piccoli”, è una visione tragica delle spietate leggi naturali e vi si trova tutta la drammaticità e la fantasia del Boch.

Maestro di pittura  del capostipite fu Peter C. van Aelst, pittore di decorazioni, architetto e traduttore di Vitruvio e Serio.

Brueghel, il Vecchio, fece anche un viaggio in Italia, come si cominciava ad usare all’epoca tra gli intellettuali. Raggiunse così lo Stretto di Messina e visitò, tra l’altro, Napoli e Roma, tornando poi dal San Gottardo. Quindi è possibile che abbia anche visitato Como.

Ed è al ritorno da questo viaggio che conobbe Cock.

Brueghel il Vecchio, sposò la figlia del suo maestro e si trasferì a Bruxelles dove dipinse i suoi capolavori come “La Resurrezione”.

Brueghel vive l’epoca difficile della Riforma Protestante, durante la quale gli opifici, l’industria più importante del suo Paese, risentono della crisi di tutta L’Europa.  Le terribili condizioni climatiche di quegli anni favoriscono le carestie ed epidemie. E’ anche l’epoca della caccia alle streghe, segno di paura e disagi.

L’opera di Brueghel si rifà a simbologie e allegorie che piacciono tanto alla classe borghese emergente. Non può essere insensibile a ciò che lo circonda, ed ecco anche le rappresentazioni dei contadini e i loro vizi quotidiani.

Le opere devono essere di piccole dimensioni per adattarsi agli interni dei nuovi committenti, che non hanno le regge dei nobili. Nasce così una pittura fatta per essere venduta, consumata subito; un anticipo dell’opera d’arte come oggetto consumistico.

Un altro tema dei lavori del capostipite è la natura, poi ben più importante nei lavori dei suoi successori. Si tratta anche delle vedute del viaggio in Italia, paesaggio prediletto da tanti nordici. Tra la natura, oggetti sparsi nascondono una precisa simbolistica, ben riconosciuti dagli uomini di cultura, ma anche ben celati nelle rappresentazioni dell’umanità  goffa e viziosa del popolino.

Il figlio Peter il Giovane, a differenza del fratello Jan, trascorse la vita ad Anversa riproducendo le opere del padre e diventandone un vero promotore della di lui opera.

Jan (1568-1625) si distingue per la sua personalità ed è attirato dall’Italia dove viaggia ripetutamente anche in cerca di guadagno, facilitato dalla sua capacità di tenere i contatti con i mecenati come il Cardinale Federico Borromeo.

Dopo avere dipinto, come il fratello,  scene infernali e grottesche, si dedica alla pittura dei fiori e paesaggi con scene bibliche ed allegoriche.

Dipingerà “I cinque sensi” insieme all’amico Rubens per il re di Spagna. Un insieme di frutti, pollame, cacciagione, carni, oggetti preziosi e quadri; proprio come diventerà di genere nel Seicento.

La famiglia poi si allarga, ma rimane caratterizzata dalle scene di genere. I Brueghel se si possono definire gli antesignani di un certo tipo di pittura, furono certamente forieri di un nuovo modo di intendere il mercato dell’arte, buono per la borghesia, ma anche per i grandi committenti.

 

MISERIA E SPLENDORE DELLA CARNE Caravaggio Coubert Giacometti Bacon…Testori e la grande pittura europea. RAVENNA 12.2.12-17.6.12

Proseguendo la sua indagine su figure di primo piano della storia e della critica d’arte, il MAR Museo d’Arte di Ravenna, presenta questa mostra che porta il visitatore attraverso cinque secoli d’arte, dalla fine del ‘400 ai giorni nostri. Il tutto attraverso il complesso percorso critico di Giovanni Testori grande amico, allievo e collaboratore di Roberto Longhi.

Si parte dalla rassegna sulla pittura di realtà in Lombardia, che aiutò a comprendere meglio il Caravaggio, dalle figure che ne prepararono l’entrata in scena come Foppa, Moroni e poi Cerano, Tanzio da Varallo, Cairo e quindi il Seicento e Settecento. Questi ultimi appresentati anche da Fra Galgario e Ceruti, per arrivare all’Ottocento di Géricault e Coubert, per Testori  secondo solo al Caravaggio; quindi il Novecento con Grosz, Dix, …Sironi, Manzù, Guttuso…Giacometti, Bacon, Sutherland, Varlin, quest’ultimo una scoperta del Testori. La mostra termina con gli anni Ottanta e i “nuovi selvaggi” tedeschi: Hodicke, Fetting, Salomé. Sono presenti anche i “nuovi ordinatori”: Albert Merkens, Chevalier, e poi Paladinio e Cucchi.

La summa la si trova nel capolavoro caravaggesco : ragazzo morso da un ramarro 1595-1596.  

Il Museo d’Arte della Città di Ravenna è stato inaugurato nel 2003 con una mostra dedicata a “Roberto Longhi e il Moderno”: da Coubert agli Impressionisti sino a Morandi. A cadenza biennale sono seguiti un omaggio a Francesco Arcangeli con la mostra “Dal Romanticismo all’informale”, a Corrado Ricci che si potrebbe definire anche padre della moderna museologia. Non certo ultima per importanza è la mostra del 2012 dedicata al critico d’arte Giovanni Testori. 

Come ha precisato Elena Volpato, la mostra andrebbe guardata anche attraverso le: “molte labbra socchiuse dall’estasi e dalla perdizione di Francesco Cairo; le bocche dischiuse nel David del Tanzio: quella del giovane, quella del gigante e quella oscenamente aperta della ferita…la bocca aperta della Maddalena, dipinta dal Romanino…e poi le boccacce dei ceffi di Beniamino Simoni; il muggito ricacciato indietro nella carne della Crocefissione di Grünewald…fino allo spalancarsi dell’urlo afono di Bacon”.

Chiarificatrici, per la lettura della mostra, sono anche le parole dello stesso Testori: “Esistono parole che godono dell’essere scritte…Ce ne sono altre destinate fatalmente- e fetalmente- a rivelare nell’esser dette qualcosa in più …dico fetale, cioè creaturale. Pensa a “Quel ramo del lago di Como”, per non parlare dell’ ”Addio monti…”. C’è come uno struggimento che spinge le parole a uscire dalla bocca, a farsi voce…”.

Di Testori si può dire che nasca rivoluzionario con la sua tesi di laurea, nel 1945-46, su “La forma della pittura moderna” dove parla dell’estetica surrealista in un ateneo dove gli studenti dovevano giurare contro il modernismo. Mentre egli evidenziava, in aperto contrasto con lo stesso rettore, il ruolo centrale della sessualità nell’estetica del movimento. Dopo la tesi, Testori continua a scrivere e a sostenere la “necessità di superare l’inaccettabile astrazione della pittura di Ricasso e del cubismo”.

Nell’anno 1951, alla Mostra di Caravaggio e dei Caravaggeschi in Palazzo Reale a Milano, Testori incontra per la prima volta Roberto Longhi che apprezza le sue tesi e gli chiede di collaborare per la rivista Paragone. Nasce così una lunga amicizia dalla quale il Testori saprà trarre il meglio riconoscendo in Longhi il suo vero maestro e i suoi studi come fondamentali per la comprensione del Caravaggio così come per numerosi altri artisti.

 “Da Vermeer a Kandinsky”.

 Rimini e San Marino. Un’occasione irripetibile per ammirare, insieme, opere provenienti dai più prestigiosi musei del mondo in una carrellata amplissima nel tempo della storia dell’arte. Una visita tra le sale di Castel Sismondo a Rimini e Palazzo Sums a San Marino. Un viaggio nella storia dell’arte dove dominano l’intensa luminosità e gli accesi cromatismo tipici della pittura rinascimentale veneziana. Del Veronese è presente il “Riposo durante la fuga in Egitto”, dal Ringling Museum, probabilmente la più importante e gioiosa versione della Sacra Famiglia. Del Savoldo, bresciano residente a Venezia, si può ammirare il “Ritratto di suonatore con flauto” (1525c.a.). Il disegno toscano è esaltato dal colore veneziano dalle opere di Tiziano Vecellio. Mentre Annibale Carracci presenta il suo classicismo con la “Venere abbigliata dalle Grazie” (1590-1595), una magnifica fusione di realismo caravaggesco, colore veneziano e disegno e linee fiorentine. Il Guercino, uno dei rappresentanti del ‘600 italiano, è presente nella sua versione più matura dove, lasciati i colori e le luci intensi, declina delicate raffinatezze come in “Semiramide riceve la notizia della rivolta di Babilonia”, dal Museum di Fine Arts di Boston. E poi: Mattia Preti, Luca Giordano, Guido Reni…che seguirono l’esempio del Caravaggio. Il Settecento è presente nelle sale del 1° piano con il “vedutismo veneziano” del Canaletto e del Bellotto, suo allievo, stile  molto “copiato” da famosi artisti  e viaggiatori stranieri. Non manca la ritrattistica veneziana, forse meno apprezzata del “vedutismo”, qui rappresentata dal Guardi e con “L’Apoteosi di Enea” del Tiepolo. El Siglo de oro spagnolo lo si incontra al secondo piano del castello. Velásquez è presente, per il ‘600, con la sua innovazione ritrattistica e con la sua innovativa abilità del ritrarre anche i personaggi più umili: i buffoni, i nani, i poveri e i derelitti. Mentre El Greco, a Venezia allievo di Jacopo Tintoretto, porta tutta la sua innovazione della libertà di pennellata e inosservanza di prospettiva e proporzioni, che con lui divengono atti di pura genialità. Murillo è presente con il suo ritratto di “San Pietro in lacrime” ben rappresentante la sua pittura prevalentemente religiosa.

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BIENNALE VENEZIA 54a Esposizione Internazionale d’Arte alla BIENNALE di VENEZIA 2011

La Biennale è stata affidata a un curatore in grado di parlare la lingua del mondo, della globalizzazione con un piede nel passato, ma anche uno nel futuro. Una donna dotata di occhio attento e selettivo, capace di trasformare questo evento non in pura provocazione, ma in un fenomeno attrattivo anche per chi non fa parte delle élites del settore.

La curatrice Bice Curiger, seria intellettuale, eclettica, simpatica ed ironica, ha felicemente deciso di partire da lontano e di aprire la sua Biennale con Tintoretto: L’ultima cena (dal Brasile), Il trafugamento del corpo di San Marco (fu rifiutato dai committenti per almeno 10 anni, soprattutto per quei lampi di luce, così poco ortodossi…) e La creazione degli Animali (conservati nelle Gallerie dell’Accademia). Non a caso la luce è lo strumento più forte di Tintorettoche l’ha usata per stravolgere l’ordine delle cose: un preciso e forte messaggio che molti artisti hanno ben saputo interpretare.

Comincia così questo grande “pellegrinaggio” tra le opere degli artisti e il lavoro dei curatori, un viaggio che dura da ben 116 anni: l’età della Biennale.

Ai Giardini sono presenti 28 Padiglioni fissi usati dai 30 Paesi considerati partecipanti permanenti. Altri paesi, tra quelli che chiedono di essere invitati, trovano spazio all’interno dell’Arsenale, altri in diversi luoghi di Venezia. In tutto, per il 2011, sono presenti 89 Paesi.

Parallela alla serie dei Padiglioni nazionali coesiste la Mostra internazionale, il cui titolo, scelto da Bice Curiger, è ILLUMInazioni; nasce così una coesistenza dai molti punti di vista.

Anche soggetti no profit possono presentare progetti per piccole mostre, da tenersi in città, normalmente per tutto il periodo della mostra.

Novità di quest’anno è l’offerta di facilitazioni per visite di 3 giorni per gruppi di almeno 50 studenti e docenti, con vitto a prezzo di favore, organizzati da Università, Accademie di Belle Arti e istituti di formazione e ricerca. Particolari luoghi sono resi disponibili gratuitamente per seminari; è inoltre compresa l’assistenza nell’organizzazione del viaggio e del soggiorno.

Durante la Mostra sono previsti diversi Meetings on Art, seminari aperti in giugno e nel periodo autunnale. Tutto ciò mostra l’apertura della Biennale verso lo spirito di ricerca e ne fa degno oggetto di “pellegrinaggio”.

Il titolo scelto sta a indicare come oggi non si voglia più rincorrere ad una provocatoria arte-anti arte, ma si intenda cercare vie di colloquio tra l’artista e lo sguardo del visitatore-amante dell’arte che desidera essere illuminato, comprendere. Questa Mostra sarà anche una mostra giovane e al femminile; come dimostrano le presenze di 32 artisti nati dopo il ’75 e le 32 presenze femminili su un totale globale di 83 artisti. Un sentito grazie alla curatrice per questa graditissima attenzione.

Tre sono i concorsi online della 54a, pubblicati su www.labiennalechannel.org sul tema ILLUMInazioni:  la miglior foto della Mostra per la fotografia (solo per fotografi accreditati), il miglior testo critico sulla Mostra, il miglior video sul tema della Mostra.

Ultrafragola Channels, la prima web-Tv italiana d’arte, documenta appuntamenti e vernice di tutta la 54a con interviste e reportage; tutto su www.labiennale.orgwww.labiennalechannel.org

ILLUMInazioni

La curatrice BICE CURIGER sul tema da lei scelto per questa BIENNALE, ha detto:

“…si incentra sulla luce, un tema classico nell’arte strettamente legato a Venezia. Al contempo, mettendo in rilievo il suffisso “nazioni”, il titolo …sottolinea il rimando alla situazione particolare della Biennale con i suoi padiglioni nazionali. Lontana dalla definizione conservatrice del concetto “nazione”, l’arte ha il potenziale di sperimentare nuove forme di “comunità”, di negoziare differenze e affinità in materia esemplare per il futuro.                     

…ci si rivolgerà anche ad un altro territorio di frontiera, quello tra la modernità e la storia passata…anche un grande maestro del passato: Tintoretto, il pittore della LUCE. La sua arte è, sotto molti aspetti, eterodossa e sperimentale

…una energia pittorica assolutamente anti-classica…

…oggi la Biennale è a ogni modo il luogo del mondo…dove si incontrano sia le cerchie degli artisti sedentari, sia quelle degli artisti migranti…dove occorre negoziare…quali valori meriteranno di essere difesi e da quali bisognerà prendere le distanze…

…ILLUMInazioni…manifesto nell’arte che spesso dichiara e ricerca la vicinanza con la natura pulsante della vita…importante…in quest’epoca in cui il nostro senso della realtà è messo profondamente in discussione dai mondi virtuali e simulati. Questa Biennale fa anche riferimento alla fede nell’arte e nel suo potenziale. Gli artisti lavorano senza rete di protezione, mettendo in dubbio le loro idee e cercando sempre di fare il loro meglio, e chi lavora con loro non può evitare di esserne ispirato.”

-In questa Biennale, tra le tante importanti partecipazioni, emerge il padiglione cinese con il tema: PROFUMO DI CINA, dove il profumo è l’eguale di quanto è la luce per la cultura occidentale. Un Pese che si identifica con i profumi di: tè, vino, fior di loto, erbe medicinali e incenso. Il tutto sospeso tra tradizione e contemporaneo. Il visitatore è sollecitato in tutti i suoi sensi, ma soprattutto nell’olfatto (Anche Marco Polo portò dalla Cina gli “odori”, ovvero le spezie, il té…) Organizzatore è CAEG, la più grande organizzazione culturale cinese, e Peng Feng ne è il curatore; per un risultato indimenticabile. Infinite ciotole di ceramica profumate a forma di Xun, una centrale sonora attivata dai visitatori e ondate di nebbia che avvolgono il tutto, comprese le nuvole situate nel giardino, creando uno spazio favoloso, magico, insieme alla fontana di aghi per trasfusioni e dipinti ad inchiostro.

E poi tante altre opere validissime come N.Hlobo, che cita la “Creazione degli animali”, Monica Bonvicini ispirata dalla scalinata della “Presentazione della Vergine”, J.Turrel che si riferisce a Tintoretto nella colorazione e C.Wool che somma la sua grande conoscenza di Tintoretto. Urs Fisher ha prodotto la scultura del Giambologna, “Il ratto delle Sabine”, come una colossale candela che brucerà lentamente durante la Biennale. E poi i grandi Kapoor, Schnabel…Tra i molti che meriterebbero una segnalazione il  DAS INSTITUT presenta la megainstallazione in tonalità   pop. Il guppo GELITIN ha progettato una fusione di vetro come evento per coinvolgere, con la musica, il pubblico e gli amici… La Francia presenta il noto e consacrato Christian Boltanski con un lavoro indimenticabile dove su di una specie di catena di montaggio passano visi di bimbi appena nati che si compongono e scompongono a piacere, il visitatore che riesce a comporre un viso realmente vivo sarà avvertito da un suono…indimenticabile il performer cinese Frog King (nome di arte) con la sua “FROG-TOPIA”il cui simbolo è la rana. Nello spazio THETIS, di fronte alle Gaggiandre-Arsenale Nuovissimo (sperando nel traghetto veloce),sono esposte le opere degli artisti diplomatisi negli ultimi 10 anni presso le Accademie d’Arte italiane (un’iniziativa di Sgarbi per il 150° dell’Unità d’Italia). 

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TERMINATA IL 30 GENNAIO 2011.LA MOSTRA “CHARDIN. IL PITTORE DEL SILENZIO”, A FERRARA PALAZZO DIAMANTI, DA, FINALMENTE, IL GIUSTO RILIEVO A QUESTO AUTORE POCO CONOSCIUTO IN ITALIA. UN GENIO, CON UN INIZIO DI CARRIERA FATTO DI NON COMPRENSIONI. 2012.

All’esposizione al Saloon di Parigi del 1761 i lavori di Chardin non furono notati
nemmeno da Diderot, che poi ne diverrà grande estimatore. Come accade
spesso, anche il genio di Chardin non viene subito riconosciuto perché non
rientra nel cliché dell’epoca. Non proviene da una nota accademia, ma impara
a bottega, e questa dura e povera vita la si legge bene nella schiena ricurva,
nell’ambiente disadorno e nel buco nel pastrano dellʼapprendista nel quadro
“Un giovane scolaro che disegna”. Non si assoggetta al rituale del viaggio in
Italia. Le sue opere non riproducono né i temi, né le dimensioni considerate di
maggior valore allʼepoca: pitture prodotte dalla fantasia come le rievocazioni
storico-mitologico-allegoriche su grandi tele. Anzi, si concentra sul tema
considerato il più facile, di meno valore, quale la natura morta; anche se oggi
riconosciamo appieno l’importanza del suo lavoro nella definitiva nobilitazione
della natura morta, vedi Morandi.
Anche l’Italia riconosce in ritardo il suo valore, ma si riscatta completamente
con questa bellissima e completa mostra al Palazzo Diamanti di Ferrara: un
raro gioiello, imperdibile; poesia allo stato puro, comprensibile anche ai non
addetti ai lavori; perché Chardin punta dritto al cuore, dobbiamo solo trovare la
calma e il tempo per ascoltarlo.
Infatti della sua pittura disse: “Ci si serve dei colori, ma si dipinge con il
sentimento” (Cochin 1780, p.434).
A proposito dell’opera “Il paniere di fragole di bosco”, i fratelli Goncourt, ai quali
si attribuisce la riscoperta di Chardin nell’800, dissero: “E poi guardate questi
garofani…arretrate un poco: i fiori si sollevano dalla tela a mano a mano che vi
allontanate…E’questo il miracolo delle opere do Chardin”.
Il grande Diderot che poi divenne grande estimatore dellʼartista, a proposito del
quadro “Uva e melograni” affermò: “Costui coglie lʼarmonia dei colori e dei
riflessi. Oh Chardin! Quello che mescoli nella tua tavolozza non è del bianco,
del rosso o del nero, ma la sostanza stessa degli oggetti…spessi strati di colori
gli uni sugli altri, il cui effetto trapela dallʼinterno verso lʼesterno”.
Ma, forse, il più facile approccio per comprendere Chardin sono queste parole,
sempre di Diderot: “Davanti a Chardin ci si ferma, come dʼistinto, alla maniera
del viaggiatore che, stanco del suo andare, si siede, quasi senza accorgersene,
non appena trova un letto dʼerba, silenzio, acqua, ombra, frescura”.
Durante la presentazione della mostra, Carlos Fernandez de Henestrosa, dir.
amministrativo del Museo del Prado, ha giustamente esaltato di Chardin la
grande densità scientifica e posto lʼaccento sul fatto che, pur trattandosi di un
autore di primissimo piano in tutto il mondo, sia in Italia che in Spagna è
sempre stato relegato ad autore per soli addetti ai lavori, e ricordato che questa
mostra sarà presentata al Museo del Prado dal prossimo marzo 2011. Anche
per la Spagna sarà la prima volta che questo grande autore viene presentato al
pubblico in tutta la complessità della sua opera.
La mostra presenta ben cinquantadue capolavori di Chardin, di cui dieci
provengono dal Louvre. Chardin è, giustamente, parte della prima grande
generazione di pittori francesi che per la prima volta nella storia possono
insediare il primato della pittura italiana. Ma lui nasce nel 1699, mentre la
brillante generazione di pittori francesi, da Charles-Joseph Natoire (1700) a
Carle van Loo (1705) segue studi e carriera “tradizionali”, e i suoi risultati
vengono definiti “mediocri” da Haillet de Couronne, un suo biografo. Chardin è
figlio di un costruttore di biliardi; impara lʼarte in bottega e allo studio dei grandi
maestri preferisce lʼosservazione diretta della realtà: una scelta difficile per
l’epoca. Ma le sue capacità alla fine vengono riconosciute; il suo
approfondimento della natura morta o “pittura di caccia” e il grande studio della
luce sulle superfici colpisce i critici dell’epoca. Nel 1728 viene ammesso
all’Accademia Reale di Parigi per le sue virtù di straordinario realismo e per il
modo di trattare la luce e i colori; tanto che le sue opere vengono scambiate
dalla commissione dellʼAccademia come lavori fiamminghi del secolo
precedente.
Nella mostra i due quadri dedicati al “Coniglio morto con pernice rossa…” e
“Lepre morta con sacca…” segnano lʼinizio di molti suoi lavori su questo tema; si
dice che rimase affascinato dall’animale senza vita portatogli da amici
cacciatori. In questi quadri, del Louvre, la luce svolge un ruolo fondamentale e
lo sfondo indistinto ne esalta la cruda teatralità.
E’sempre la luce il tema che contraddistingue anche la “natura morta con
brocca di maiolica, tre ciliegie, un bicchiere dʼacqua mezzo pieno…” con toni
luminosi e dorati, quasi scintillanti per il bicchiere dʼacqua; così ne dice Pierre
Rosemberg, l’attento curatore della mostra, nel catalogo: “un sapore gioioso e
primaverile alquanto inconsueto in Chardin”.
Dal 1733 Chardin allarga la sua conoscenza anche alle figure, una svolta nella
sua carriera che determina la creazione di raffinati capolavori. Al Salon del
Louvre tra il 1737 e il 1777 lʼartista presenta una quarantina di composizioni
con figure, mettendo in mostra via via nuove varianti dei soggetti più apprezzati,
senza mai tralasciare la ricerca di nuove soluzioni luministiche e cromatiche.
Chardin rifugge dal particolare pittoresco e raffigura sia rampolli della
borghesia che i domestici solo in momenti della vita di tutti i giorni; lʼesatto
contrario di quanto farà il grande Fragonard qualche decennio più tardi.
“Bolle di sapone” è il capolavoro portato a simbolo della mostra; una scelta
felice che ben simboleggia le sensibilità di Chardin.
Non ultimo, anzi forse primo per importanza “mazzo di garofani, tuberose e
piselli odorosi” (1755), esposto normalmente alla National Gallery di
Edimburgo. A questo proposito Charles Sterling, uno dei più grandi storici
dellʼarte, scrisse: “Chardin è con Poussin e Claude Lorrain lʼartista francese
anteriore al XX secolo che ha avuto maggiore influenza sulla pittura moderna.
Certe ricerche di Manet e di Cézanne sono inconcepibili senza Chardin.
Sarebbe difficile immaginare qualcosa di più “avanzato” nella composizione e
nel trattamento pittorico del Vaso di fiori di Edimburgo. Esso sorpassa tutto ciò
che dipingeranno in questo genere Delacroix, Millet Coubert, Degas e gli
impressionisti. Solo Cézanne e nel suo seguito si può pensare di trovare tanta
forza in tanta semplicità”.
Dopo i difficili inizi, finalmente questo grande artista incontrerà la giusta fama e
lʼapprezzamento di Diderot e del re di Francia Luigi XV che gli permetterà di
vivere e lavorare al Louvre.
Di lui Van Gogh dirà: ”grande come Rembrandt”.
Un valido suggerimento potrebbe essere far seguire a questa mostra la visita
alla mostra di Morandi presso la Fondazione Ferrero di Alba sino al 16 gennaio
2011. Molte e interessanti le analogie.
Questo importante evento è magistralmente spiegato nel catalogo edito da
Ferrara Arte, sponsorizzato da ENEL ed è accompagnato da numerose
manifestazioni collaterali quali: conferenze di grande pregio, concerti di musica
del ‘700 e una rassegna cinematografica che scandaglia il ‘700 francese.
“Chardin. Il pittore del silenzio” informazioni.
Termine della mostra 30 gennaio 2011. Aperto tutti i giorni.
Palazzo dei Diamanti, C.so Ercole I D’Este 21, Ferrara.
tel.0532.244 949; mail: HYPERLINK “mailto:diamanti@comune.fe.it”
diamanti@comune.fe.it ; HYPERLINK “http://www.palazzodiamanti.it”
www.palazzodiamanti.it
Ca ta l o g o : Fe r r a r a Ed i to r e te l . 0 5 3 2 .2 4 4 9 8 9 HYPERL INK
“mailto:ferraraarteeditore@comune.fe.it” ferraraarteeditore@comune.fe.it

MORANDI. L’ESSENZA DEL PAESAGGIO”. UN ARTISTA ATTUALISSIMO, SOPRATTUTTO QUANDO DICE: “MI MANCA LA TRANQUILLITA’ “.

Mostra chiusa il 16 gennaio 2011; presso la Fondazione Ferrero, strada di Mezzo 44, Alba (Cuneo)

Una prestigiosa e autorevole sede: la Fondazione Ferrero a Cuneo; una curatrice di rara modestia e grandi capacità come Maria Cristina Bandera per la più completa mostra italiana dedicata, finalmente, al grande Morandi. Una mostra che, come tutto il meglio, è leggibile da chiunque: universalmente comprensibile.

Ben oltre 70 opere  e una accurata scelta di acquarelli per rendere il giusto omaggio ad un autore a suo tempo sottovalutato.

Il tema scelto è quello del paesaggio, quello che lo stesso autore Morandi preferiva chiamare: -La pittura dei “paesi”- inoltre, paragonandola alle nature morte che furono tanto presenti nel suo lavoro, sosteneva: -e dire che i paesaggi li amavo di più-.

Quindi un Morandi meno stereotipo, che rivela il suo intimo, più che nelle nature morte: la sua vita attraverso i vari paesaggi o “paesi”, come lui preferiva chiamarli, dove aveva scelto di vivere.

“Morandi cambia a decenni” ha detto la curatrice e ben lo si vede visitando la mostra.

La prima sala ci avvicina alla prima opera datata dell’autore: un quadro prestato dalla Pinacoteca di Brera. Nella medesima sala oli rarissimi degli anni ‘10, mai riuniti in numero tanto elevato. Se ne deduce l’ammirazione e il grande studio che dedicò alla pittura francese: Cézanne in primis, che sfocerà nella successiva sintesi, degli anni ’20, derivata dalla conoscenza di Pietro della Francesca. Visitando la seconda sala si possono ascoltare le sue parole: -Per noi la villa…ci faceva pensare alla Torre Eifell  a Renoire a Degas. Successivamente si incontreranno le opere degli anni ’30 che segnano la sua maturità e autonomia.

Il colore, più scuro, definisce molti dei lavori degli anni della guerra, quando si ritirò a Grizzana per sfuggire ai bombardamenti, in questi anni infatti disse: “Mi manca la tranquillità…ogni giorno gli aerei passano di qui e si mitragliano tra loro”.

Nel ’44 rientra a Bologna dove rimane per 10 anni, in questo periodo abbandona il tema del paesaggio a favore delle più famose nature morte delle quali ricorda: “gli stessi titoli…sono convenzionali”. In questo tempo si limita al lavoro in casa e in giardino, del quale dice:”nel tardo autunno e in inverno la vista si spinge…sino a…”. Anche se lavorava alle nature morte aveva bisogno del “paese” che lo circondava.

Le opere, presentate su pareti e con luci che non distraggono dai quadri, a volte sono avvicinate per far cogliere meglio gli effetti finali tra paesaggi simili, ma con sfumature di colore differenti.

Tornando agli spostamenti di Morandi, dopo il ’59 torna a Grizzana dove le sorelle fanno costruire una nuova casa. Qui abbandona le volumetrie chiuse e sostiene: “Di nuovo al mondo non c’è nulla, l’importante è la posizione dell’artista”. Riprende le caratteristiche del paesaggio di Giotto, ma lo riduce alle sue linee. “Sappiamo che tutto quello che riusciamo a vedere…in realtà non esiste…ritengo non vi sia nulla di più surreale e astratto della realtà- e. sempre Morandi: – “Quello che conta è toccare il fondo…l’essenza del fondo…Sapremo cogliere la lacerazione, l’essenza?”. E mostra questo pensiero nella sua essenzialità di linee e colori.

Maria Cristina Bandiera nel presentare questa mostra ha giustamente evidenziato come il tema scelto del paesaggio permetta di avvicinare un pubblico più vasto, rispetto ad una mostra di sole nature morte; e questo pensiero ben si allinea con gli intenti della Fondazione Ferrero. Inoltre pone l’accento sulla difficoltà incontrata, nella riproduzione dei sofisticati colori dell’artista per le foto del catalogo e gli ottimi risultati ottenuti. M.C. Bandiera ricorda anche come la prima curatrice di una mostra di Morandi, Barbara Cinelli, abbia cercato, lodevolmente, di “svecchiare” l’opera di Morandi dall’idea di cultura di strapaese; e noi diciamo che in questa mostra ben si completa questa opera. E ci permettiamo di suggerire una visita anche alla mostra di Ferrara, presso Palazzo Diamanti, intitolata al grande “Chardin. Il pittore del silenzio”. Un autore di chiara fama internazionale. Sarà sorprendente, per i non addetti ai lavori, incontrare punti di contatto con Morandi. La mostra sarà aperta sino all’30 gennaio 2011.

Tel. 017335833. info@langheroero.it; per gruppi e prenotazioni: tel. 0173.36 34 80

Catalogo 24 Ore cultura.

MEDITERRANEO. MOSTRA CHIUSA Da Courbert a Monet a Matisse. Chiusa il 1° maggio2011. Genova-Palazzo Ducale.

Genova, puntando sulla qualità delle sue mostre, è riuscita a trasformare gli eventi di Palazzo Ducale in un centro di attrazione culturale di massa. Il successo continua con l’attuale esposizione dedicata al Mediterraneo che offre, attraverso 80 sceltissimi dipinti, una storica panoramica di cinque generazioni di insigni artisti; alcuni famosissimi, altri meno, ma non meno importanti per approfondire al meglio la storia dell’arte, e comprendere come interpretarono la luce, il colore e l’entroterra di questo mare.

Marco Goldin, l’appassionato curatore, è riuscito ad ottenere prestiti di opere anche da riottosi collezionisti privati e non, permettendoci di vedere quadri importanti altrimenti poco noti o sconosciuti.

Sulla scia di questa interessante mostra, non mancheremo di essere presenti alla prossima già annunciata dal 2 novembre 2011 al 15 aprile 2012: “Van Gogh e il viaggio. Pittura degli spazi percorsi da Turner a Gauguin a Rothko”, definita da Goldin: “la mia mostra più impegnativa”. Prevediamo pure interessantissima anche la prossima esposizione: “L’Africa delle meraviglie. Arti africane nelle collezioni italiane”, che sarà visitabile dal 31 dicembre 2010 al 5 giugno 2011.

Tornando al “Mediterraneo” si tratta di un felice escursus dal quadro più “vecchio” del 1756 a opere dei primi del ‘900. Ovvero dall’età dei lumi, i primi timidi tentativi di quadri dipinti”en plein air” quando gli artisti francesi, che non potevano raggiungere Roma, sostituirono il “Grand Tour” con una “discesa” da Parigi verso Avignone per poi raggiungere il Mediterraneo senza dover varcare le Alpi. La mostra si conclude con un trittico impegnativo e caratterizzante: un Van Gogh che dipinge “immerso” in un campo di grano da dove vede sull’orizzonte la violacea-azzurra città di Arles, con sfumature rossastre: come si usa oggi nella grafica più avanzata; un Monet che illustra una Antibes percorsa dal vento mediterraneo Minstral e un Cezanne dove il paesaggio è visto non più dal suo “dentro”, ma riproduce il sentimento suscitato con un risultato che volge all’astratto, al futuro.

Nel frammezzo tanta storia dell’arte: un Granet che racconta la sua fattoria e non dipinge la montagna, ma la appoggia già essenzializzata (1830!), come un fazzoletto di colore. Cezanne, ci ricorda Marco Goldin, guarderà Granet e vi prenderà spunto per una sua personale interpretazione del colore.

Nella prima sala troviamo gli albori dell’impressionismo, nella seconda il pittore “animalista” Emile Loubon introduce un cielo azzurro forte, quasi profondo, scioccante e lo appoggia sul mare; ma emerge anche la contaminazione del paesaggio del ‘700 con le prime ciminiere in: “Veduta di Marsiglia da Les Aygalades in un giorno di mercato”.

Non manca, nella terza sala, un Münch (1891/92; “L’Urlo” è del ‘93) che scende a Nizza per curare una depressione e cambia, come tutti quando vengono a contato con il Mediterraneo, i suoi colori.

Renoire quando raggiunge il Mediterraneo esce con Cezanne, che aveva visitato l’Italia e “rincorso” Raffaello, in un mattino di febbraio insieme dipingono il medesimo paesaggio, ma con angolature, colori e interpretazioni molto differenti: uno scuro e uno luminoso, l’uno l’essenza, l’altro vuole vedere fiorire il colore. Due quadri che, nella mostra,  sono felicemente affiancati.

Van Gogh raggiunge il Mediterraneo un mese dopo Monet, lavorano uno ad Arles, l’altro a Var; Van Gogh incontra subito una grande nevicata e brutto tempo, ma da marzo scrive al fratello: “Il sud è il mare, ma io voglio che dal mio azzurro nascano il giallo e l’arancione..” (1888, nell’89 sarà ricoverato).

Organizzazione di Linea D’Ombra: www.lineadombra.it info@lineadombra.it tel 0422.3095 La realizzazione della mostra è anche dovuta al finanziamento di COSTA CROCIERE.

MAGA Museo Arte di Gallarate-Milano.

Mostra CHIUSA il  13.2.2011: Cosa fa la mia anima mentre sto lavorando. OPERE D’ARTE CONTEMPORANEA DELLA COLLEZIONE CONSOLANDI

Il nuovissimo Museo di Arte Gallarate, voluto da Silvio Zanella già quando era giovane artista contemporaneo di Consolandi, oggi offre al pubblico oltre 200 opere rappresentanti le principali tendenze dell’arte contemporanea, nazionale e internazionale, dagli anni ’50 ad oggi. Queste opere provengono tutte dalla collezione dello scomparso Paolo Consolandi, notaio milanese e antesignano collezionista di arte moderna.

Questa mostra è una occasione unica per vedere riuniti molti dei grandi nomi che hanno fatto la storia dell’arte moderna: Giulio Paolini, Alighiero Boetti…Vanessa Beecroft, Maurizio Cattelan, sino a Warhol, Marina Abramovic, Cristo, Fontana, Hirst.

Un prezioso momento di confronto e di presa di coscienza verso un’arte che, ai più, appare ancora ostica, difficile da comprendere. Se tutti ormai ci “inchiniamo” davanti ad un Picasso, non sempre perché lo comprendiamo veramente, ma spesso perché rappresenta un nome storicamente riconosciuto, non altrettanto facilmente e umilmente ci si pone davanti alle opere più innovative, e meno storicizzate.

Paolo Consolandi, con le sue assidue, e impegnative, frequentazioni di mostre, gallerie e fiere d’arte, era riuscito a penetrare nel nuovo, lo aveva assimilato al punto da saper scegliere chi sarebbe diventato grande. Come ha scritto Angela Vettese (Sole 24 ore, 2010) “[Consolandi]…ha fatto le valige almeno dieci volte l’anno; per visitare una fiera a Miami, una mostra a Istambul o una galleria a Parigi. Ha capito…che non si nasce imparati in fatto d’arte…che il senso pieno dell’oggi lo si impara vivendo, viaggiando…”.

Durante la visita ognuno di noi può sforzarsi di recepire almeno le opere che gli sono più comprensibili, lasciandosi trascinare dal proprio intuito, dalla propria emozionalità e dalla propria esperienza. .

“Collezionare arte contemporanea -aveva detto Consolandi- significa non avere nostalgia del passato”: è questa la chiave di lettura che ci può aiutare alla comprensione delle opere in mostra.

Il titolo della mostra: “Cosa fa la mia anima mentre sto lavorando?” si riferisce all’opera, di Fischli&Weiss, e vuole essere una frase emblematica della personalità e della vita del collezionista Paolo Consolandi.

 Mostra a cura di Francesca Pasini e Angela Vettese; il catalogo, utilissimo per la comprensione delle opere in mostra, è edito da ELECTA.

Via de Magri1, Gallarate, Varese; tel 0331.70 60 11 www.museomaga.it

FUTURISMO mostra a Milano Palazzo Reale del 2009.

Il Futurismo non fu solo pittura e scultura, ma un vero e proprio tentativo rivoluzionario nei confronti del sentire comune dell’epoca.

Le sue origini si possono ritrovare già nell’ultimo decennio dell’Ottocento e la sua influenza si inoltrerà sino alla seconda metà del Novecento con Fontana, Burri, Dorazio, Schifano e molti altri. Illuminanti, per riassumere in breve i concetti del futurismo, possono essere le parole di Antonio Gramsci: “…esisterà una cultura (una civiltà) proletaria, totalmente diversa da quella borghese, anche in questo campo verranno spezzate le distinzioni di classe…il carrierismo borghese:    esisterà [esisteranno] una poesia, un romanzo, un teatro, un costume, una lingua, una pittura, una musica, caratteristici della civiltà proletaria…non credere che il mondo caschi se un operaio fa errori di grammatica, se una poesia zoppica, se un quadro assomiglia a un cartellone, se la gioventù fa tanto di naso alla senilità accademica e rimbambita…”. Alla luce dell’oggi lasciamo ad ognuno le proprie considerazioni nella speranza che si sappia distinguere tra la modestia creativa di molti e la geniale creatività di chi fece del Futurismo un detonatore del nuovo corso dell’arte italiana.

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PETER DOIG IL PIU’ QUOTATO ARTISTA VIVENTE.

Peter Doig è un artista scozzese, nato a Edimburgo nel 1959, i cui bellissimi lavori non sono conosciuti dalle masse, ma  hanno un’altissima quotazione. Infatti è il più quotato pittore vivente, tanto che il suo lavoro “White canoe” è stato venduto per 8,53 milioni di euro da Sotheby’s a Londra. La canoa in mezzo ad un lago, di cui esistono numerose versioni, è la rielaborazione di una scena del film “Friday the 13th”.

Ha frequentato scuole d’arte a Londra: Wimbledon School of Art, Celsea e St. Martin’s.                                                                                                                                              

Grande amante della fotografia e del cinema, ha come temi preferiti i paesaggi che porta sulla tela creando atmosfere magico-fiabesche, grazie ad un inusuale uso del colore.

E’ anche chiamato pittore romantico per le speciali atmosfere che riesce a creare. Dopo anni trascorsi a Londra e in Canada, oggi vive a Port of Spain la capitale di Trinidad e Tobago, un luogo incantevole, con una natura ancora incontaminata e non danneggiato dallo sviluppo turistico.

In “Milky Way” rende benissimo l’idea dell’isola, dell’acqua e del cielo sovrastante; affascina subito la semplicità dell’esecuzione, la chiarezza dell’immagine e la facilità di comprensione del soggetto, che pure non è affatto banale o comune. Anzi denota una sensibilità  e raffinatezza superiori verso il colore, ma anche un vigore inusuale dell’immagine, nonostante l’estrema leggerezza poetica dell’insieme.

Per Doig la natura rappresenta il polo ispiratore, le sue fronde, la sua acqua realizzate in tele grandi, come dal vivo, trasmettono subito forti sentimenti, pur nella delicatezza dei  colori e dell’insieme.

Pare che il dio Pan abbia ispirato questo artista che ci immerge nella natura.

I grumi di colore vengono trasformati dalla sua arte in fiocchi di neve o gocce di pioggia. I critici lo avvicinano a matrici nabis e fauve.

Anche Doig realizza della Postproduction: utilizzando sue foto, scene di film, vecchie cartoline, pubblicità e copertine di dischi.

La sua produzione si limita a 10 quadri l’anno; Doig, giustamente, afferma che la qualità richiede tempo.

Nella sua carriera ha vinto prestigiosi premi: John Moores exibition, nominato al Turner Prize e selezionato per l’East international, dal 1995 al 2000 fu un “trustee” (curatore) della Tate Galery. E’ anche professore nell’Accademia d’Arte di Düsseldorf.

I suoi soggetti preferiti, come già detto, sono i paesaggi che si ispirano alla storia dell’arte compresi E.Munch, C.Monet sino a Friedrich e Klimt.

E’ anche molto conosciuto per il suo lavoro sulle case moderniste di Le Courbusier chiamato “L’Unite d’Habitation”, localizzato nella foresta francese a Briety-en-Foret.

I suoi soggetti preferiti sono: laghi e canoe, boschi e sciatori.

Nel 2003 cominciò un progetto per un club del cinema insieme all’artista Che Lovelace; Doig non selezionò solo i film, ma disegnò anche le locandine.

Nel 2007 fu uno degli artisti selezionati per la prima parte di “The Triumh of Painting” alla galleria  Saatchi di Londra.

Nel 2008 le sue retrospettive approdarono al tate Britain, al Museo Parigino di arte Moderna e al Kunstakademie di Düsseldorf.

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PER GLI APPASSIONATI DI CERAMICA D’ARTE: “OS PROJECT” OFFICINE SAFFI  a multifaceted cultural project, located in center of Milan. Workshops, publishing projects, gallery and more…  www.officinesaffi.com info@officinesaffi. com tel 02.366 85 696; the magazine: “LA CERAMICA”.

COSA SONO I DRONI? DRONI GIA’ VENDUTI PER SEDARE RIVOLTE DI MINATORI.

Cosa sono i droni?

Droni 450 MN

 

COVER droni 450-riprese-aeree

-I droni sono dei mezzi di trasporto telecomandati; ovvero senza pilota o, se preferite, con pilota automatico.

I DRONI SONO IN GRADO DI:

registrare le vostre conversazioni in luoghi dove vi sentite al sicuro

-fare foto all’interno di un appartamento anche al 150° piano di un grattacielo o di un giardino anche circondato da mura, siepi o piante ad alto fusto

Ma i droni sono e saranno sempre più usati come micidiale arma da guerra

-Il problema dei droni è che sono comandati a distanza, quindi l’uomo non è messo davanti al nemico, come nelle guerre del passato; è quindi più facile essere spietati o sbagliare obbiettivo senza vederne le terribili conseguenze umane !

STATISTICHE: solo ora il Woshington Post rivela che nel 2001 i droni miliatri USA che si sono schiantati al suolo su case, fattorie, autiostrade e altro sono stati 400.
Le cause:

-problemi tecnici

-maltempo

-errori umani.

ANCHE LE NAZIONI UNITE VOGLIONO FARE CHIAREZZA SUI DRONI:

I diplomatici delle Nazioni Unite, di tutto il mondo si sono trovati per la prima volta a Ginevra il 13 maggio 2014 per discutere sui rischi e le misure da prendere per evitare la diffusione dei droni come fucili assassini in mano a chiunque li possieda.

I DRONI POSSONO COLPIRE OGNI TIPO DI ASSEMBRAMENTO UMANO DALL’ALTO; ANCHE PER UCCIDERE.

La macchina drone è in grado di sovrastare la folla e

-cospargerla di gas lacrimogeni, urticanti,

-RAZZI LASER ACCECANTI,

-SPARARE PROIETTILI DI PLASTICA O VERI… 

QUESTO TIPO DI MACCHINA E’ GIA’ MESSO IN VENDITA DALLA SOCIETA’ DESERT WOLF, chiamata “canaglia”, si tratta di un “ottacottero”, ovvero un  elicottero mignon a otto rotori e

-NE HA GIA’ VENDUTI 25 ESEMPLARI A UNA COMPAGNIA MINERARIA IN FUNZIONE ANTISCIOPERO (questa macchina è stata definita ripugnante, ma purtroppo è tutto vero)

-Negli ultimi anni gli USA, il Regno Unito e la Corea del Sud hanno creato dei droni in grado di aprire il fuoco senza un input umano !…….

APPLICAZIONI PACIFICHE.

-L’ultima trovata è quella di usare i droni come valletti per consegnare le merci; lo sta facendo Amazon. Per ora solo nei dintorni della sede, ma in futuro potrebbe essere ovunque, senza impegno di personale umano; il drone chiama al telefono e l’acquirente esce di casa per ricevere il pacco !

-Un altro robot che toglierà molti posti di lavoro !

Un drone fabbricato in Cina, dalla Aviation Industry Corp of Cina, è in grado di

-trasportare e spruzzare per un raggio di 5 chilometri, un prodotto antismog.

Quest’ultimo

-reagisce con le particelle di smog facendole ricadere a terra ( purtroppo entreranno poi nelle falde acquifere).

Comunque si ottiene un risultato importante quello di liberare l’aria di una delle città più inquinate al mondo: Pechino.

Città che

-sta perdendo anche un numero considerevole di turisti, spaventati dagli altissimi livelli di smog nella “Città Celeste”.

Pechino, ad inizio marzo, ha raggiunto il record di 505 microgrammi per metro cubo di pm 2,5,  quando il massimo consentito, per legge, è di 25 microgrammi per metro cubo. 

A questo riguardo, per un ulteriore approfondimento vedi al link: https://www.donnecultura.eu/?p=435

LAMIDO SANUSI SALVO’ LA NIGERIA, ORA SEDA LE VIOLENZE RELIGIOSE.

UN UOMO DEL QUALE AVREMMO BISOGNO ANCHE IN ITALIA.

A good man of Africa“, così l’Economist definì Lamido Sanusi, quando alla guida della Banca Centrale della Nigeria  domò l’inflazione, attrasse investimenti, bonificò il sistema bancario da personaggi impresentabili.

Sanusi ebbe il coraggio di denunciare la sparizione di 20 miliardi di dollari dalle casse della compagnia petrolifera di stato.

La Nigeria oggi è un paese dove convivono crescita e corruzione, diritto e arbitrio.

Ed è anche lo stato più ricco di tutta l’Africa,  la sovrappopolazione è la causa  di profonde divisioni economiche tra ricchi e poverissimi, cristiani e mussulmani, moderati e fanatici.

Come i topi, anche gli uomini, quanto si trovano a vivere in spazi troppo ristretti sviluppano una fortissima aggressività.

Oggi Sanusi è stato eletto emiro dello Stato di Kano, un’importante carica parareligiosa.

Da lui ci si aspetta che riesca a neutralizzare le bande di Boko Haram che terrorizzano il nord mussulmano della Nigeria dal 2010.

Si deve a Boko Haram il sequestro delle studentesse Nigeriane che vuole vendere come schiave e la cui sorte è ancora incerta. Si sa solo che 63 sono riuscite a scappare.

Boko Haram spadroneggia nel nord anche perché le milizie locali non sono preparate ad affrontare questo tipo di guerriglia, né molti di loro si sentono motivati a farlo; visto che difende èlite politico – economiche e potenti lobby di faccendieri del nord del paese e, in molti, vedono così difendere anche il proprio credo religioso.

Non possiamo negare che Boko Haram protegga interessi  ramificati anche all’estero, interessi molto forti e che a volte conducono molto vicino a noi. (come scrive: http://www.buongiornoafrica.it/vi-ricordate-il-mend-un-giorno-ricorderemo-boko-haram/)

Ora Sanusi è impegnato a sedare violenze religiose e rivalità tribali.

Il compito è difficilissimo; speriamo in bene.

Che cos’è il Tai Chi? E come è nato il Tai Chi? Quali i benefici?

Il Tai Chi  è un’arte antichissima di origine cinese, una forma di ginnastica dolce e fluida per il benessere del corpo e dello spirito, nata in origine con valenze marziali.

Come tutte le attività fisiche, ha un effetto rasserenante perchè stimola la produzione di endorfine e serotonina, sostanze che migliorano l’umore e fanno sentire vitali ed euforici.

L’antica “ginnastica di lunga vita”
Il Tai Chi nacque in Cina nel 1200. la leggenda narra che il suo ideatore, il monaco taoista Chan Sang Fen, assistendo un giorno a un combattimento fra una gazza e un serpente, notò che la sinuosità dei movimenti del rettile era proprio la “forza” che gli permetteva di difendersi attacchi diretti della gazza.

• Diede quindi vita a un’arte marziale basata non tanto sulla violenza dei colpi e sulla potenza, quanto sulla concentrazione, sull’energia interiore, sulla fluidità dei gesti e sulla capacità di intuire le mosse dell’avversario. Sotteso al Tai Chi, infatti, c’è il concetto che “la morbidezza vince la durezza”.

• Nel corso dei secoli si affermò tuttavia una seconda valenza dell’arte del Tai Chi: quella di “ginnastica di lunga vita”. Come strumento di benessere psicofisico, infatti, lo si pratica ancora oggi.

• Nel Tai Chi si eseguono sequenze di movimenti molto lenti, dette Forme, accompagnate da un’attenta respirazione diaframmatica (cioè si gonfia l’addome) e da un costante autoascolto: si percepiscono così tutti i cambiamenti che si verificano nel corpo e in questo modo si accresce la conoscenza di se stessi.

• Molti sono i benefici psicofisici derivanti dalla pratica: muscoli tonici ed elastici, grande mobilità, aumento dell’equilibrio, miglioramento della funzionalità degli organi interni, raggiungimento di uno stato di relax.

• Secondo i principi della medicina tradizionale cinese, infine, l’esecuzione delle Forme stimola i canali in cui scorre l’energia corporea (detti meridiani), riequilibrando il flusso energetico.

Vedi anche al link: https://www.donnecultura.eu/?p=6428

 http://www.taichionline.it

Sono curiosa, non ho nemmeno mai praticato il Tai Chi, ma mi piacerebbe capirci qualcosa.
F.

Pratico Tai Chi da un po’ di tempo, ma in palestra facciamo giustamente soprattutto pratica, è che mi manca un po’ la teoria.”
E.

Bello, bello il Tai Chi in palestra, è che quando arrivo a casa non riesco più a ricordarmi come si fa il riscaldamento completo, ci vorrebbe un bel video!
G.

Forme, Forme, sempre Forme, ma dove trovo qualcosa che mi spieghi bene nel dettaglio tutti i fondamenti?

Respirazione, postura, equilibrio, radicamento, sguardo, intenzione, insomma tutto quello che poi serve per far bene le Forme?
P.

Per il vasto numero di benefici per la salute che si riscontrano già dopo pochi mesi di pratica, ad esempio si ha un miglioramento di tono ed elasticità muscolare,

-aumenta il senso dell’equilibrio e diminuiscono cervicalgie ed altri disturbi della colonna vertebrale.

La respirazione, calma e profonda,

-migliora l’efficienza del sistema immunitario e dell’apparato cardio-respiratorio rilassando la mente e

-favorendo la diminuzione di disturbi quali ansia, nervosismo ed insonnia.

Se ti riconosci in una o più di queste frasi allora ecco il corso per te!

Corso di Tai Chi “Teoria, fondamenti e riscaldamento”

1 video-lezione di 15 minuti “Il riscaldamento nel Tai Chi”
4 audio-lezioni mp3 con durata complessiva di 30 minuti
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Tutti i file sono scaricabili subito. Autore: M° Francesco Curci.

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Il portale offre molti servizi, qui di seguito alcuni link diretti

Per allievi

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VACANZE CON L’AMICO CANE; COSA PORTARE?

Le vacanze con il proprio cane sanno sempre regalare grandi emozioni, è importante però curare ogni dettaglio prima della partenza.

Il dettaglio più importante è il vostro amore per l’animale che portate con voi, ma non dimentichiamo l’essenziale e, per chi vuole, anche qualcosa in più.

 Come suggerisce la Dottoressa Eliana Piola della Clinica Veterinaria Cinisello, bisogna seguire delle regole per il viaggio, consigli illustrati dettagliatamente durante la serata formativa “Preparati a delle Vacanze Bestiali” lo scorso giugno. (http://www.clinicaveterinariacinisello.it/)

 Ecco, in pillole, i principali consigli indicati. Se si prevede un lungo tragitto, specialmente in macchina, è fondamentale

-evitare la partenza nelle ore più calde, non dare da mangiare al proprio cane e

-fermarsi per farlo sgambettare e bere.

Nell’abitacolo preferite l’aria climatizzata a quella condizionata, per eludere eccessivi sbalzi di temperatura.

A seconda della destinazione, è necessario informarsi su eventuali

-obblighi sanitari e ricordarsi che, se si va all’estero, anche gli amici animali devono essere

-muniti di passaporto. Per chi va in montagna,

-attenzione alle vipere (solo il siero potrà salvarlo ! vale anche per voi) e alle punture di api; utili gli antiparassitari e

-per alcune mete è consigliata l’antirabbica.

Per chi invece sceglie il mare, i pericoli sono la sabbia, i colpi di sole e l’ingestione di corpi estranei.

 Arrivati al momento valigia ricordatevi della

-ciotola per acqua e cibo, del kit per l’igiene,

-della museruola, della cuccia e dei giochi.

Tra i must have nel bagaglio l’azienda tedesca flexi consiglia il nuovo guinzaglio VARIO, che permette al cane di approfittare delle lunghe passeggiate sulla sabbia con maggior libertà di movimento e di evitare strattoni, grazie al sistema di frenatura morbida.

 Non dimenticate che anche in spiaggia resta

—– l’obbligo per la raccolta delle deiezioni; grazie al pratico ed elegante box multiuso, agganciato al guinzaglio come un’elegante pochette, è possibile avere sempre con sé sacchettini e crocchette.

 E per le vostre passeggiate serali scoprite la cinghia con luce a led e il sistema di luci anteriori e posteriori che, applicati al guinzaglio, illuminano la strada e avvisano automobilisti e ciclisti, garantendovi la massima sicurezza.

 Flexi VARIO si conferma un oggetto di design, premiato agli ultimi Red Dot Design Award.  Con le sei nuance disponibili può essere abbinato al proprio outfit rendendo l’estate a 4 zampe ancora più sicura e trendy.

ARTE: ART BASEL A HONG KONG DAL 2015 SPOSTA LA FIERA AL MESE DI MARZO.

HONG KONG | Luglio | 2014 

Art Basel annuncia le date degli spettacoli di Hong Kong per il 2016 e il 2017 

Dopo l’annuncio che

– Hong Kong – Art Basel si sposterà in marzo a partire dal 2015, Art Basel è lieta presentare le specifiche date degli spettacoli a Hong Kong per il 2016 e il 2017.

Le date per Art Basel a Hong Kong 2016 e il 2017 sono stati confermati come segue : 

2016 

Anteprima  (su invito):

-Martedì sera, 22 marzo, e

-tutto il giorno mercoledì 23 marzo

-Public Mostra Date:

-Giovedì, 24 Marzo a Sabato 26 Marzo 

2017 

Anteprima  (su invito):

-Martedì sera, 21 marzo, e per tutto il giorno

-Mercoledì 22 Marzo

Per il pubblico Show Date:

-da Giovedì 23 Marzo a Sabato 25 Marzo.

– Magnus Renfrew, direttore per l’Asia di Art Basel, ha affermato:

-‘Siamo lieti di annunciare il cambio di data a marzo per la nostra mostra di Hong Kong  fino al 2017, il che ci permette di rafforzare ulteriormente la posizione della mostra di Art Basel a Hong Kong come

-primo evento nel calendario internazionale d’arte e la principale mostra d’arte annuale in Asia’ .

Nel 2015 la mostra si svolge presso il Convention & Exhibition Centre di Hong Kong,

L’anteprima (su invito) si terrà il

-Venerdì sera, 13 marzo, e tutto il giorno

-Sabato 14 Marzo 2015.

Le date degli spettacoli pubblici sono

-da Domenica 15 Marzo a Martedì 17 Marzo 2015. 

A proposito di Art Basel.

Art Basel organizza

— le mostre d’arte più importanti del mondo per le opere moderne e contemporanee, situati

-a Basilea, Miami Beach e Hong Kong.

Definito dalla sua città ospitante e della regione, ogni spettacolo è unico nel suo genere, e si riflette nelle sue gallerie partecipanti, opere d’arte presentate, e nel contenuto della programmazione parallela realizzata in collaborazione con le istituzioni locali.

Oltre agli stand ambiziosi che caratterizzano

-le principali gallerie di tutto il mondo, i settori espositivi di ogni spettacolo

-mettono in luce gli ultimi sviluppi nel campo delle arti visive, offrendo ai visitatori nuove idee, nuovi spunti e nuovi contatti nel mondo dell’arte.

A proposito di Art Basel a Hong Kong 

La terza edizione di Art Basel a Hong Kong, Lead Partner UBS, si svolgerà

-dal 13 marzo al 17 Marzo 2015 presso l’Hong Kong Convention and Exhibition Center.

La mostra presenterà una selezione accurata delle principali gallerie provenienti da Asia, Europa, Americhe e il resto del mondo e

-più di 3.000 artisti,

dai giovani artisti emergenti

ai maestri moderni sia da Asia e l’Occidente.

-Il 50 per cento delle gallerie presenti in fiera hanno spazi espositivi in Asia e nella regione Asia-Pacifico.

Il settore principale presenta gallerie provenienti da tutto il mondo, mentre

— Insights è dedicato alla presentazione presentazioni contestuali e tematiche precise da artisti da tutto il scena artistica in Asia e Asia-Pacifico.

-Il settore Scoperte fornisce una piattaforma per le gallerie giovani e

-Incontri-mostra: grandi installazioni scultoree di grandi artisti provenienti da tutto il mondo.

-Il settore Film, curata da Li Zhenhua, è ospitato in collaborazione con l’Hong Kong Arts Centre.

La mostra sarà accompagnata da una ricca programmazione pubblica, compresi i programmi di colloqui popolari di Art Basel, Conversazioni e Salon.

Inoltre, collaborazioni con partner locali e internazionali garantiranno una vasta gamma di programmazione per le arti, con centinaia di eventi culturali ospitati in tutta la città e per tutta la settimana. 

Partners 

UBS è capofila globale di Art Basel, supportando tutti i tre spettacoli a Basilea, Miami Beach e Hong Kong.

L’azienda è stata la capofila della mostra di Basilea per gli ultimi 20 anni e di Art Basel Miami Beach sin dall’inizio dello show nel 2002, e per Hong Kong inizio nel 2014.

UBS ha una storia molto corposa come sostenitore di attività culturali e artistiche di tutti il mondo, con un focus sulla promozione, raccolta e attività educative nel mondo dell’arte contemporanea.

Art Basel  a Hong Kong è supportata da Davidoff e Audemars Piguet come Associate Partners. 

Ruinart e Freeports sono Lounge padroni di casa dello show, con la BMW di supporto come Official Automotive Partner, AXA ART come Official Insurance Partner, Mandarin Oriental, Hong Kong come Official Hotel Partner. Il Financial Times è Media Partner della manifestazione. 

Per ulteriori informazioni sui partner di Art Basel, si prega di visitare artbasel.com / partners. 

Per gli ultimi aggiornamenti su Art Basel, visitare il sito

artbasel.com o trovare su Facebook all’indirizzo

facebook.com / ArtBasel,

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ARTE: PAOLO VERONESE “L’illusione della realtà” Verona. Da non perdere.

In copertina: Allegoria  d’amore l’unione felice, Paolo Veronese.
Paolo veronese arte mostra

5 luglio-5 ottobre 2014

Paolo Caliari, detto il Veronese, è presentato nella sua città natale con una mostra a lui dedicata. L’esposizione: “Paolo Veronese – L’illusione della realtà”, inaugurata oggi, presenta fino al 5 ottobre con 100 opere, dipinti e disegni, suddivise in sei sezioni, provenienti da musei italiani ed internazionali. La mostra, a distanza di ventisei anni dalla rassegna ‘Veronese e Verona’ del 1988 al Museo di Castelvecchio, è di quelle da non perdere.  http://mostraveronese.it

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Nozze di Cana.
Nozze di CanaCena a Casa Levi. Accademia di Venezia. Avrebbe dovuto intitolarsi : Ultima Cena, ma intervenne l’inquisizione…

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Due Santi Vescovi.

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Paolo Veronese: Conversione di Maria Maddalena.

L’esposizione, allestita nel monumentale Palazzo della Gran Guardia di Verona,  è curata da Paola Marini, direttrice del Museo di Castelvecchio e Bernard Aikema, dell’Università degli Studi di Verona. 

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Paolo Veronese, Tentazione di Sant’Antonio.

Il Veronese si formò nella Verona di Giovanni Caroto, Antonio Badile e soprattutto Michele Sanmicheli, per poi svolgere la parte centrale della sua carriera a Venezia, dove fu uno dei principali protagonisti con Tiziano Vecellio e Jacopo Tintoretto.

Fu il maestro di un’operosa bottega, assistito dal fratello Benedetto e dai figli Carlo e Gabriele.

Le 100 opere, fra dipinti e disegni, provengono da musei italiani ed internazionali, tra cui la Gemäldegalerie di Dresda, la National Gallery of Scotland di Edinburgo, il Museo degli Uffizi di Firenze, Palazzo Rosso di Genova, il British Museum e la National Gallery di Londra, il J. Paul Getty Museum di Los Angeles, il Museo Nacional del Prado di Madrid, la Pinacoteca Estense di Modena, la Pinacoteca di Brera di Milano, il Metropolitan Museum of Art di New York, il Musée du Louvre di Parigi, i Musei Vaticani di Roma, le Gallerie dell’Accademia di Venezia, il Kunsthistorisches Museum di Vienna e la National Gallery of Art di Washington.

Questa mostra è la prima in Italia di tale ampiezza, dopo quella curata da Rodolfo Pallucchini a Venezia nel 1939.

La mostra comprende anche numerosi disegni di eccezionale qualità e varietà tematica e tecnica.

Paolo Veronese, biografia

Paolo Veronese nacque a Verona, nella contrada di San Paolo, nel 1528 da Gabriele «spezapreda», tagliapietra, e da Caterina.

Il suo apprendistato Veronese lo fa come scalpellino agli ordini del padre; poi fu messo a bottega da Antonio III Badile per imparare i segreti della pittura.

Le sue prime commissioni sono datate 1546-1548, quando non disdegnava di affiancarsi ai decoratori impegnati nelle fabbriche di Michele Sanmicheli.

Grazie all’attività di frescante, svolta nei cantieri sanmicheliani, dislocati frequentemente  fuori Verona, come nel caso della cosiddetta villa Soranza (Castelfranco Veneto, 1551), Paolo fu contattato dai committenti veneziani.

Sono datate 1551 e 1552 le pale d’altare  per la chiesa di San Francesco della Vigna a Venezia e il Duomo di Mantova.

Il grande salto avvenne tra il 1554 e il 1555 con il suo trasferimento a Venezia.  Iniziò con  le commissioni a Palazzo Ducale, alla sacrestia e al soffitto della navata centrale della chiesa di San Sebastiano e alla Libreria Marciana.

— La  sua grande impresa decorativa si colloca tra il 1559 e il 1560 quando decorò  la villa dei fratelli Barbaro a Maser di Treviso, dove i suoi lavori dialogano con quelli progettati da Andrea Palladio in un crescendo illusionistico che lo ha reso celebre.

Nel 1563 fu chiamato a risolvere la controversia tra la Signoria e i mosaicisti Zuccato su alcuni lavori nella basilica di San Marco.

A Verona il 17 aprile 1566 Paolo sposò la ventiquattrenne Elena Badile, figlia dell’antico maestro, ed ebbe quattro figli. Il primo e il secondogenito, Gabriele e Carletto, lavorarono in bottega dal 1580, circa.

Agli inizi degli anni settanta Veronese era richiesto dai religiosi per le sue Cene:  -1570 e 1571: Cena in casa di Simone per Santa Maria dei Servi a Venezia (oggi a Versailles, Musée National du Château)

-1572: Convito di San Gregorio Magno per il santuario di Monte Berico a Vicenza (in situ), tra

-1570 e 1573 la perduta Cena in casa di Simone per il convento delle Maddalene di Padova

-1573: Convito in casa di Levi per la chiesa domenicana dei Santi Giovanni e Paolo di Venezia (oggi a Venezia, Gallerie dell’Accademia).

-1573: dovette anche subire un processo dell’Inquisizione

-fu condannato ad apportare delle modifiche che limitò con il cambio del titolo al quadro.

In seguito agli incendi del 1574 e 1577, che avevano devastato alcuni ambienti di Palazzo Ducale, gli fu affidata buona parte delle nuove decorazioni.

-La maggior parte dei soffitti e delle pareti della Sala del Collegio e di quella del Maggior Consiglio furono decorati da Paolo, che riceveva anche commesse fuori città.

-Nel 1580 Veronese realizzò opere per chiese e palazzi a Padova, Udine e Vicenza.

-Sempre negli anni ’80 Paolo e i suoi collaboratori risultano i vincitori del concorso per la realizzazione della grande tela  il Paradiso per il Palazzo Ducale, commessa che non riuscirono a realizzare, perché impegnati nell’esecuzione di un gran numero di commissioni a carattere religioso: pale d’altare, dipinti per la devozione privata.

-Veronese aveva un genere di lavoro che ben si adattava alla rinnovata spiritualità dettata dalla Controriforma, così che le sue opere erano tra le più ricercate dell’epoca.

-L’ultima opera di Paolo, databile con sicurezza, è il San Pantalon guarisce un fanciullo, eseguita nel 1587 per la chiesa veneziana intitolata al santo.

La notte del 19 aprile del 1588 Paolo Veronese muore nella sua casa veneziana nella parrocchia di San Samuele.

– I familiari lo faranno seppellire nella chiesa di San Sebastiano, considerato di buon diritto il tempio veronesiano. Per alcuni anni il fratello Benedetto e i figli Gabriele e Carletto decisero di tenere la bottega e la memoria del maestro, firmando, a volte, le  opere con l’eloquente sigla “Haeredes Pauli Caliari Veronensis”.

VERONESE E L’ARCHITETTURA.

Veronese è noto per la brillantezza dei colori e gli eleganti atteggiamenti dei protagonisti dei suoi dipinti.

-Paolo Veronese è il pittore “decorativo” per eccellenza.

-Caratteristica delle sue opere è anche la monumentale impostazione architettonica in cui le scene sono ambientate come in una rappresentazione teatrale.

-Veronese dovette inventare sfondi per i suoi quadri, le pareti delle ville o le volte delle chiese

-L’importanza dell’architettura nell’operato di Paolo si trova nei disegni quali lo Studio per figure e architetture di Kassel.

Gli studi sull’architettura del Veronese sono ritenuti fondamentali, ma ancora poco sondati dalla critica.

Natura incontaminata: 200 laghi balneabili e con acqua potabile.

IN CARINZIA L’ESTATE È FORMATO FAMIGLIA

La Carinzia è la meta ideale per le vacanze di tutta la famiglia.

Le sue tante destinazioni e le altrettante attrazioni andranno senza dubbio a soddisfare le esigenze di tutti, grandi e piccini.

Dalla torre Pyramidenkogel e il suo scivolo di ben 150 metri (il più lungo d’Europa!), al parco avventura sul lago Klopeiner See; dallo scoprire i segreti del lavoro dei minatori a Villach, al pedalare nella storia del medioevo mentre viene costruito un vero e proprio castello.

Davvero proposte uniche, divertenti e al tempo stesso istruttive per un soggiorno davvero indimenticabile, tra divertimento e scoperta, sempre in compagnia di mamma e papà.

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Torre panoramica Pyramidenkogel: uno sguardo sul lago Wörthersee e lo scivolo più lungo d’Europa

Dalla torre Pyramidenkogel, la nuova piattaforma panoramica sospesa a oltre

-100 metri d’altezza, si gode una vista stupefacente su tutta la Carinzia, dalle maestose vette degli Alti Tauri a nord, fino alla catena delle Caravanche a sud e ai monti che segnano il confine con l’Italia e la Slovenia. In ogni direzione si guardi, si resterà colpiti dai colori di quella che è la regione più meridionale d’Austria, caratterizzata dal verde brillante dei suoi monti e dell’azzurro dei numerosi laghi dalle acque pulitissime e di qualità potabile. Tra tutti spicca in primo piano il lago Wörthersee, il più grande e che si estende ai piedi della torre panoramica. La salita è prevista tramite un ascensore panoramico, anche se i turisti più in forma potranno conquistare la cima della torre tramite le scale. Tre piattaforme, di cui la più alta si trova a 71 metri da terra, garantiscono una vista mozzafiato su tutto il territorio carinziano e oltre. Sulla terrazza più alta è stato realizzato anche lo “Sky Box”, un locale molto luminoso e riparato dalle intemperie, destinato ad ospitare eventi e manifestazioni. Questa torre dalla linea inconfondibile è composta da 16 pilastri in legno lamellare slanciati verso l’alto, stabilizzati da 10 anelli d’acciaio e 80 tiranti trasversali. Ai bambini d’altezza superiore ai 130 cm, la torre offre un divertimento speciale: lo scivolo più lungo d’Europa, lungo oltre 120 metri e con un dislivello di 52 metri. La discesa dura circa 20 secondi durante i quali si raggiunge una velocità massima di 25 km/h. Un’esperienza assolutamente indimenticabile per grandi e piccini! Per informazioni: www.pyramidenkogel.info

Lago Klopeiner See: avventure nel bosco, arrampicata e fitness sul lago per tutta la famiglia

Il Klopeiner See è il lago balneabile più caldo d’Europa, con ben 1.246 chilometri di piste ciclabili e 800 chilometri di sentieri escursionistici. Le acque turchesi raggiungono già a maggio la piacevole temperatura di 22 gradi ed invitano a tuffarsi e nuotare. Attorno alle sue sponde numerose mete turistiche adatte alle famiglie. Una su tutte, il parco avventura “Walderlebniswelt” con 75 attrazioni allestite su ben 20.000 mq. Da ricordare anche il parco ornitologico “Vogelpark” sul lago Turnersee, o la possibilità di navigare in battello sulla Drava. Il programma “Momenti Magici”, quest’anno per la prima volta prevede anche un corso di prova di arrampicata per famiglie con guide alpine diplomate. Ispirati dallo slogan “Kärntner Seen Fitness”, fino a settembre, da lunedì a venerdì, saranno organizzati numerosi programmi fitness gratuiti per gli ospiti, tenuti da esperti trainer: nuoto, mountain-bike (percorsi facili, medi o difficili) e bici da corsa, ce ne sarà davvero per tutti i gusti. Sono previsti anche sport di tendenza come stand up paddling o downhill sul nuovo percorso Flow Country Trail sul Petzen. Per informazioni: www.klopeinersee.at

Terra Mystica e Terra Montana: piccoli minatori a Villach

A Bad Bleiberg un tempo si estraeva il ferro e ancora oggi si può imparare tutto su questo antico lavoro e scoprire i misteri del sottosuolo grazie ai centri didattici Terra Mystica e Terra Montana.

Attraverso due percorsi didattici si mostrerà quanto era pericoloso e faticoso il lavoro in miniera svolto agli inizi del secolo scorso e una guida accompagnerà gruppi alla scoperta del “labirinto sotterraneo”.

Dopo aver indossato pantaloni, giacca ed elmetto si scivolerà lungo uno scivolo da minatore di ben 68 metri (il più lungo scivolo sotterraneo d’Europa!) si arriverà nel cuore del mondo sotterraneo di Bad Bleiberg e percorrendo le varie gallerie l’attenzione verrà catturata da antichi strumenti e macchine. Inoltre spettacoli multimediali anche in lingua italiana, suoni, colori e luci faranno rivivere le emozioni e la quotidianità di chi in passato svolgeva il lavoro del minatore.

Vengono organizzate anche cacce al tesoro (per bambini dai quattro anni in poi) di piccoli minerali raccolti e che resteranno uno dei ricordi di questa giornata unica trascorsa “nel sottosuolo”. Per informazioni: www.terra-mystica.at

Carinzia centrale: in bici nel Medioevo

Vivere la storia in maniera divertente si può! Lo dimostra la pista ciclabile “Mittelkärntner Kulturradweg” che da St. Veit an der Glan raggiunge Friesach, la più antica cittadina della Carinzia centrale. Molti edifici di epoca medievale sono ancora oggi ben conservati: imponenti fortificazioni, una possente cinta muraria e un fossato intatto rendono la città una vera e propria opera d’arte per un tuffo nella storia. Nell’ambito del progetto “Burgbau”, a Friesach si sta erigendo una roccaforte medievale su un’area di circa 4000 m². La particolarità della costruzione consiste nell’uso esclusivo di metodi e strumenti medievali. Vengono impiegati solo materiali naturali (legno, pietra, sabbia ecc.) e non vi sono macchinari azionati da motori o elettricità. Ciò che conta è la forza dell’uomo. I visitatori possono osservare gli artigiani durante le loro faticose attività, riscoprire un sapere che si credeva perduto e imparare così dal passato.Per informazioni: www.mittelkaernten-ebiken.at

www.carinzia.at

Carinzia

 La regione della  Carinzia è la parte più meridionale dell’Austria e confina con l’Italia attraverso la linea di frontiera condivisa con il Friuli Venezia Giulia.

Un territorio esteso  che offre

-ampie e variegate soluzioni turistiche tutto l’anno. Ideale per le vacanze delle famiglie grazie  a una lunga tradizione di accoglienza,  la Carinzia vanta un

— interessante patrimonio culturale e folkloristico. 

Ma è nella

“vacanza attiva” che la regione si contraddistingue.

D’inverno

— sci e snowboard, ma anche sci di fondo, ciaspole, trekking,

–gite su slitte trainate dai cani, pattinaggio su ghiaccio e tanto altro. Imperdibili i mercatini di Natale.

Durante l’estate gli oltre

-200 laghi balneabili e con acqua potabile (con temperature fino i 28 gradi) diventano meta per gli amanti del campeggio e della vita all’aria aperta, dell’escursionismo e di  numerosi

-sport acquatici come  vela, windsurf e canoa. La Carinzia è  composta da 13  destinazioni turistiche:

-il lago Wörthersee,  Villach-Warmbad/lago di Faak/lago di Ossiach, Nassfeld-Hermagor-Presseger See/Weissensee/Lesachtal – Arena Naturale della Carinzia; lago Millstätter See, Oberdrautal – Outdoor Park, Hohe Tauern – Parco Nazionale Alti Tauri; Klopeiner See – Carinzia del sud, Bad Kleinkirchheim/Nockberge, Lieser-Maltatal-La Valle per le famiglie, Katschberg-Rennweg, Carnica – la Valle Rosental e la Valle Lavanttal.  Klagenfurt  è la città  capoluogo  della Regione con circa 90.000 abitanti.

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