ART BASEL MIAMI PARTE IL 5 DICEMBRE 2013 ALL’INSEGNA DI NUOVE INIZIATIVE.

ART BASEL

MIAMI ART BASEL 5-8 DICEMBRE 2013

ART BASEL: vedi anche i seguenti link: http://www.donnecultura.eu/?p=3139 https://www.donnecultura.eu/?p=1516

-Art Basel è la più importante fiera di arte moderna e contemporanea, con sedi a Basilea, Miami Beach e Hong Kong.

Ogni fiera è unica, e questo si riflette nelle gallerie partecipanti, nelle opere d’arte presentate e nel contenuto della programmazione parallela; prodotta in collaborazione con le istituzioni locali per ogni edizione.

ART BASEL offre i più recenti sviluppi del campo delle arti visive, sempre con nuove idee, nuove ispirazioni e nuovi contatti nel mondo dell’arte.

Nel 2013 la mostra Art Basel a Miami Beach sarà caratterizzato da 258 importanti gallerie internazionali, provenienti da 31 paesi in tutto il Nord e Sud America, Europa, Asia e Africa .

Entrambi i settori pubblico e Kabinett saranno caratterizzati da offerte significative più ampie rispetto agli scorsi anni, con un aumento del numero di artisti e gallerie partecipanti.

-La mostra presenterà opere d’arte che vanno dai maestri moderni alle ultime opere contemporanee e comprenderà, per la prima volta a Miami Beach, un settore dedicato alle opere editioned. Art Basel Miami Beach, la cui capofila è UBS , si svolgerà presso il Miami Beach Convention Center dal 5 dicembre al 8 dicembre 2013.

-Nel 2013 Art Basel di Miami Beach affermerà ancora il suo status di prima destinazione per gallerie provenienti dagli Stati Uniti e America Latina, con quasi la metà degli espositori provenienti da queste zone.

-Gallerie con spazi espositivi in 31 paesi in Nord America, America Latina, Europa, Asia e Africa, tra cui: Argentina, Austria, Belgio, Brasile, Canada, Cina, Colombia, Danimarca, Francia, Germania, Grecia, India, Italia, Giappone, Messico, Monaco, Norvegia, Perù , Polonia, Portogallo, Singapore,Sud Africa, Corea del Sud , Spagna, Svezia, Svizzera, Tailandia, Turchia, Regno Unito, Stati Uniti e Uruguay parteciperanno allo show di quest’anno .

-Per l’elenco completo delle gallerie, si prega di visitare www.artbasel.com /miami -beach /espositori.

-Un gruppo selezionato di giovani gallerie americane prenderanno parte allo spettacolo per la prima volta , tra le tante: Elizabeth Dee e Corbett vs Dempsey nel settore Gallerie dello show , 47 Canale a Nova , e dell’Ufficio di presidenza e reali Belle Arti.

-Riflettono il crescente legame dello show internazionale in Asia, le nuove gallerie: Tang Contemporary Art e One e J. Galleria , sia in posizioni e Singapore Tyler Print Institute di Edizione .

-Il focus della mostra rimane il settore Galleries , che comprende 195 delle migliori gallerie affermate al mondo.
Espositori di lungo corso sono uniti dai nuovi partecipanti come: la Pace / MacGill Gallery, una delle più importanti gallerie internazionali di fotografia .

-Dopo una breve pausa , Art Basel a Miami Beach accoglie inoltre con favore il ritorno gallerie Foksal Gallery Foundation , Galerie Jocelyn Wolff , PPOW , e Timothy Taylor Gallery .

-Diverse gallerie che in precedenza esponevano come parte di Nova sono passate al settore principale dello spettacolo , tra cui: Gavlak Gallery, Ingleby Gallery , Kavi Gupta Gallery, Galerie Mezzanin , Proyectos Monclova , Rapporto 3 , Reena Spaulings Fine Art , Galeria Nara Roesler , e Wentrup .

-Per l’elenco gallerie completo, si prega di visitare www.artbasel.com / miami -beach / Gallerie .

-Il Settore Nova di quest’anno offre gallerie più giovani, una piattaforma per presentare il lavoro fatto negli ultimi tre anni da uno, due o tre artisti; una selezione mirata di 34 partecipanti.

-Importanti anche le opere degli artisti Aaron Bobrow e David Diao ( presso Ufficio Galleria barocco ) ; Deyson Gilbert e Marina Simão ( a Mendes legno); Pamela Rosenkranz e Keiichi Tanaami ( a Karma International) ; Saâdane Afif e Karsten Födinger ( a RaebervonStenglin ) ; Oliver Laric e Aleksandra Domanovic ( a Tanya Leighton Gallery) , Charles Atlas ( a Vilma Oro ), Bharti Kher , Sheela Gowda e Prabhavathi Meppayil ( a GallerySKE ) ; Sam Falls, Wyatt Kahn ( a T293 ), Teresa Margolles , Pedro Reyes e Jill Magid ( al Lavoro) , Daniela Ortiz , Rita Ponce de León e David Zink Yi ( a 80m2 Livia Benavides ) e Matthew Chambers e Phil Wagner ( a Senza titolo ) .
-Per l’elenco completo delle gallerie e degli artisti , si prega di visitare www.artbasel.com /miami -beach nova .

-La presentazione di un singolo artista, nel 2013 , comprenderà 16 artisti, tra cui Ulrik Heltoft ( in contemporanea Andersen `s ) , Gabriel Acevedo Velarde ( a Arratia Birra ) , Lourival Cuquinha ( a Baró Galeria) , Tom Holmes (alla presidenza) , Jorge Pedro Nuñez ( alla Galerie Crèvecoeur ) , Colomba Allouche ( a Gaudel de Stampa) , Vijai Patchineelam ( a Ignacio Liprandi Arte Contemporaneo ) , Stefanos Tsivopoulos ( a Kalfayan Gallerie) , Nicolás Consuegra ( a La Central ) , Juan López ( a Nogueras Blanchard ) , Seung Yul Oh ( a One e J. Gallery) , Oriol Vilanova ( a Parra & Romero ) , Nadira Husain ( a PSM ) , Mathieu Malouf ( ai Real Belle Arti ) , Laercio Redondo ( a Silvia Cintra + Box4 ) , Wang Yuyang ( a Tang Contemporary Art ) .
-Per l’elenco completo delle gallerie e degli artisti , si prega di visitare wwww.artbasel.com /miami -beach /posizioni

-Dopo il lungo successo di un settore dedicato alle stampe e opere edizione limitata presso lo show di Art Basel a Basilea, il settore Edition premiers ora a Miami Beach presenta 13 espositori, tra i quali per la prima volta a Miami Beach: Alan Cristea Gallery, Crown Point Press , gdm , Pace stampe , Paul Stolper Gallery, e Singapore Tyler Print Institute.
-Per l’elenco completo delle gallerie , visitare wwww.artbasel.com /miami -beach /edizione .

Il settore pubblico sarà per la prima volta sarà curata da Nicholas Baume, Director e Chief Curator of Public Art Fund di New York City.

-La Cisneros Fontanals Art Foundation ( CIFO ), la de la Cruz Collection Contemporary Art Space , The Margulies Collection presso il Magazzino , la Rubell Family Collection e World Class Boxing e altre gallerie, apriranno i propri spazi espositivi per gli ospiti della la Mostra internazionale d’arte .

-I musei di South Florida porteranno in scena importanti mostre in concomitanza con Art Basel .

-Il Pérez Art Museum di Miami aprirà il suo edificio di Herzog & de Meuron a dicembre con mostre tra cui ‘ Ai Weiwei : Secondo cosa ? ‘ e commissionato progetti di Yael Bartana , Bouchra Khalili , Hew Locke e Monika Sosnowska .

-In mostra al Museo d’arte Bass sarà ‘ Piotr Uklanski : ESL ‘ , mentre il Museo d’Arte Contemporanea , North Miami presenterà ‘ Tracey Emin : Angelo senza di Te ‘ . ‘ Phyllida Barlow : HOARD ‘ saranno in mostra presso il Norton Museum of Art e il Wolfsonian-FIU mostrerà ‘ La nascita di Roma ‘ e ‘ War Rendering: i murales di AG Santagata ‘ .

La prima destinazione per le gallerie di tutto il mondo del  design, è DesignMiami /piste; dal 4 dicembre all’ 8 dicembre 2013 .

-Per ulteriori informazioni , si prega di visitare www.designmiami.com .

Partners.

UBS è Lead Partner globale di Art Basel supportando tutti i tre spettacoli a Basilea, Miami Beach e Hong Kong.
L’ azienda è stata il partner principale della Art Basel negli ultimi 20 anni di Art Basel a Miami Beach dal lancio dello show nel 2002.
UBS ha una ricca storia nel sostenere attivamente le iniziative culturali e artistiche di tutto il mondo , con un focus sulle attività di promozione , di raccolta ed educative nel mondo dell’arte contemporanea .

Associate Partner Davidoff , la prestigiosa marca di sigari svizzera; Audemars Piguet , il produttore indipendente di orologi di fascia alta , e ABSOLUT , che inoltre sta inoltre sostenendo serie Conversazioni di Art Basel , Art Basel sostegno attraverso i suoi tre spettacoli . Netjets Associate Partner , leader mondiale nel settore dell’aviazione privata , continua il suo sostegno al Beach mostra Miami.

Il servizio di auto VIP è da BMW . Media Partners della fiera sono il Financial Times e il Miami Herald .

Specialista di assicurazione arte globale , AXA ART , sarà ancora una volta fornire visite guidate VIP guidati da i suoi esperti di musei d’arte internazionali . Le prenotazioni possono essere richiesti online a partire dal 1 ° novembre. Per ulteriori informazioni, contattare Amanda Rowley : axaartcommunications@axa-art-usa.com .

ArtNexus sarà ancora una volta il fornitore di visite guidate per il pubblico dello show e tour speciali di Kabinett . Per prenotazioni e informazioni contattare Maria Sol Romero :
Tel . +1 786 468 1913 ; tours@artnexus.com .

-Durante giorni della fiera, le prenotazioni possono essere effettuate per telefono o presso il Banco Informazioni Visite Guidate in Info Zona D.

Il Bass Museum of Art offrirà attività di gruppo guidate e tour privati ​​del settore pubblico e il Bass Museum . Walk-in Tour ( senza prenotazione) si svolgerà alle ore 10.30 , 11:30 , e 12:30 , ogni giorno della fiera .

-Prezzo: $ 8 a persona , gruppi di 15 o più $ 5 a persona.

-Tour privati ​​e di gruppo possono anche essere organizzati , ma devono essere prenotati in anticipo . Prezzo per gruppi scolastici : $ 4 per bambini (gratuito per insegnanti accompagnatori e genitori ) . Per prenotazioni e ulteriori informazioni , contattare il Bass Museum of Art , Kylee Crook : tel . +1 305 673 7530 , int. 9-1016 ; artpublic_tours@bassmuseum.org .
 

MOSTRA: The Visitors di Ragnar Kjartansson in HangarBicocca; a Milano.

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La spettacolare installazione video sarà esposta
dal 19 settembre al 17 novembre 2013 negli spazi del centro per l’arte di Pirelli

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Un progetto che unisce musica, arte, cinema e performance, presentato in occasione del festival MITO

Opening 18 settembre 2013

The Visitors, una delle più significative opere di Ragnar Kjartansson (Reykjavík, 1976), sarà esposta dal 19 settembre al 17 novembre 2013 nei grandi spazi di HangarBicocca, con la curatela di Andrea Lissoni e Heike Munder (direttrice del Migros Museum für Gegenwartskunst di Zurigo).

L’installazione video, inedita in Italia, unisce musica, arte, cinema e performance e sarà presentata a Milano grazie al contributo di Pirelli. Sarà inoltre uno degli eventi di rilievo nell’ambito del Festival MITO Settembre Musica, che dal 2008 vede tra i sostenitori la stessa Pirelli. L’allestimento di The Visitors in HangarBicocca rappresenta per il pubblico italiano un’occasione unica per avvicinarsi a un importante progetto di arte contemporanea, già ospitato in istituzioni e gallerie internazionali – Migros Museum für Gegenwartskunst di Zurigo nel 2012, che l’ha prodotta, Galleria Luhring Augustine di New York e TBA21 Thyssen-Bornemisza Art Contemporary di Vienna nel 2013 – dove ha suscitato un grande interesse per la capacità di coinvolgimento in un’esperienza emotiva, musicale e visiva unica nel suo genere.

Ispirata nel titolo e nel tema all’omonimo e ultimo album del celebre gruppo svedese ABBA, The Visitors offre una riflessione intorno al tema della forza e della persistenza dei legami affettivi, della malinconia e del romanticismo tipici della cultura nordica da cui Kjartansson proviene. La musica costituisce infatti un elemento fondamentale della sua intera composizione artistica e viene utilizzata, come lo stesso afferma, “da elemento quasi plastico”. Composta dall’artista per il poema Feminine Ways dell’ex moglie e performer Asdís Sif Gunnarsdóttir, la colonna sonora alterna sonorità potenti e sommesse.

L’opera è costituita da nove video in scala 1:1 in cui compaiono musicisti differenti, tutti amici di Kjartansson (fra cui Kristín Anna e Gyða Valtýsdóttir, sorelle fondatrici della storica band islandese dei Mùm, e Kjartan Sveinsson, tastierista fino al 2012 dei celebrati Sigur Rós). I musicisti cantano e suonano per più di un’ora, ciascuno con uno strumento diverso, la stessa melodia della canzone Feminine Ways. Le nove scene sono girate in alcune stanze – fra cui la biblioteca, lo studio, la cucina, la sala da bagno, una camera da letto, la veranda – della grande e fatiscente dimora ottocentesca di Rokeby Farm, nell’Upstate New York. Le nove tracce audio e video, girate separatamente, vengono proiettate contemporaneamente su grandi schermi in un allestimento concepito ad hoc dall’artista e dai curatori che enfatizza gli elementi visivi e sonori dell’opera, mettendo il pubblico al centro di una performance corale e continua.

La pratica performativa di Ragnar Kjartansson abbraccia tutto lo spettro delle arti, dal teatro alla musica, dalla scultura all’arte visiva. Il gusto per la messa in scena e la recitazione sono caratteristiche costanti del suo lavoro: l’artista dà vita a performance, a volte trasformate in installazioni video, in cui sovente interpreta personaggi paradossali. Il suo lavoro fonde realtà e finzione, tradizioni dell’Islanda e mitologie della cultura contemporanea in rappresentazioni dall’effetto ipnotico sempre in bilico tra misticismo e parodia.

The Visitors, che occuperà lo “Shed” – spazio di 1400 metri quadrati dedicato agli artisti più giovani – rappresenta il primo evento espositivo della programmazione firmata dall’Artistic Advisor di HangarBicocca Vicente Todolí. Il progetto è pensato anche in relazione alla mostra (che si inaugura a novembre 2013) di Dieter Roth a cui Kjartansson è legato sia personalmente sia come ispirazione poetica e di cui riprende l’attitudine polidisciplinare e l’ambizione a creare opere d’arte totali,sempre in evoluzione.

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The Visitors è presentato in collaborazione con Migros Museum für Gegenwartskunst.

Ragnar Kjartansson e la musica

Ragnar Kjartansson, tra gli artisti più riconosciuti della sua generazione, porta avanti, fin dagli esordi, la sua ricerca artistica parallelamente a un’intensa presenza sulla scena musicale indipendente.

La forte appartenenza al mondo della musica, trasmessa anche dall’ambiente familiare, lo  spinge già negli anni dell’adolescenza a fondare diverse band. Nel 2001 si unisce ai Trabant, gruppo pop rock con cui poi Kjartansson realizza dischi e concerti e nel 2011 collabora con i Sigur Rós realizzando un videoclip musicale. E’ inoltre celebre la sua partecipazione a Performa del 2011 nell’ambito della quale presenta Bliss, una performance premiata con il Malcolm McLaren Award: insieme a un cantante lirico e un’orchestra suona per 12 ore consecutive l’ultima aria de “Le nozze di Figaro” di Wolfgang Amadeus Mozart.

Il titolo dell’opera The Visitors va ricondotto all’album The Visitors pubblicato nel 1981 dagli ABBA, prima che la band si sciogliesse in seguito alle vicende sentimentali dei suoi protagonisti. L’artista spiega il legame con il gruppo svedese in tal modo: “Negli anni mi sono spesso ispirato alla musica degli ABBA, trovandovi una profonda malinconia sotto lo strato spettacolare e sontuoso della loro storia. The Visitors prende ispirazione dal loro ultimo album: in entrambi si parla di divorzio, di isolamento (la copertina ritrae il gruppo in una vecchia casa abbandonata), di clamorose sconfitte e si ha la chiara sensazione che tutto stia per cambiare”.


Biografia

Ragnar Kjartansson è nato nel 1976 a Reykjavík, dove vive e lavora tuttora. Ha compiuto gli studi all’Iceland Academy of the Arts a Reykjavík e alla Royal Academy a Stoccolma.

Ha ricevuto grandi riconoscimenti internazionali e ha partecipato a numerose mostre e rassegne tra cui – nel 2008 – Manifesta e La Triennale di Torino. Nel 2009 è stato il più giovane artista a rappresentare l’Islanda alla Biennale di Venezia. Nel 2011 il Carnegie Museum of Art di Pittsburgh, il Museum of Contemporary Art (North Miami) e l’ICA di Boston hanno ospitato la sua mostra personale Song e il Frankfurter Kunstverein ha presentato la sua prima grande retrospettiva europea. Nel 2012 gli è stata dedicata una mostra personale alla Fondazione Sandretto Re Rebaudengo a Torino. E’ stato invitato alla 55a edizione della Biennale di Venezia, nella mostra curata da Massimiliano Gioni Il Palazzo Enciclopedico, dove presenta, per tutta la durata della mostra, una suggestiva performance musicale negli spazi acquatici delle Gaggiandre dell’Arsenale.

Testi e recensioni sul suo lavoro sono stati pubblicati da Artforum, Art in America, ArtReview, Frieze, Modern Painters e The New York Times.

Pirelli: da oltre 140 anni una cultura d’impresa attenta alla contemporaneità 

The Visitors rappresenta un importante momento che Pirelli dedica alla città in occasione del Festival MITO: l’incontro tra linguaggi differenti quali la musica e l’arte visiva, la coesistenza di riferimenti culturali alti e popolari, l’aspetto teatrale e performativo sono caratteristiche che rendono questo progetto capace di coinvolgere diverse fasce di pubblico, dagli appassionati di musica a quelli di teatro e di cinema, oltre le specificità dell’arte contemporanea.

In occasione del Festival MITO, HangarBicocca – di cui Pirelli è Socio Fondatore Promotore – si propone come luogo di ricerca e confronto, in continuità con una cultura d’impresa che, da oltre 140 anni, mette al centro l’apertura al territorio, l’incontro tra diversi ambiti del sapere, la ricerca e l’apertura al nuovo.

 Scheda info

Titolo della mostra The Visitors

Artista Ragnar Kjartansson

A cura di  Andrea Lissoni e Heike Munder

Inaugurazione  18 settembre 2013, ore 19.00 – Ingresso libero

Periodo di mostra  19 settembre – 17 novembre 2013

Luogo  HangarBicocca

Indirizzo  Via Chiese 2 Milano

Orari  Giovedì – Domenica dalle 11.00 alle 23.00

Ingresso  Gratuito

Laboratori  Per bambini tutti i weekend (11.15 – 15.30)

Visite guidate  Domenica

Main Sponsor  Pirelli

Tel per il pubblico  02.6611.1573

Info per il pubblico  info@hangarbicocca.org | www.hangarbicocca.org

Ufficio Stampa
Angiola Maria Gili angiola.gili.ex@hangarbicocca.org /tel. 3356413100

Stefano Zicchieri stefano.zicchieri@hangarbicocca.org /tel.3346160366

MOSTRA AL GUGGENHEIM DI VENEZIA: SIGNAC, BONNARD, REDON E I LORO CONTEMPORANEI.

LE AVANGUARDIE NELLA PARIGI FIN DE SIÈCLE:

Signac, Bonnard, Redon e i loro contemporanei

28 settembre 2013 – 6 gennaio 2014

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A cura di Vivien Greene

Le avanguardie parigine fin de siècle: Signac, Bonnard, Redon e i loro contemporanei

28 settembre 2013 – 6 gennaio 2014

Collezione Peggy Guggenheim

Con un centinaio di opere tra dipinti, disegni, stampe e lavori su carta, la mostra Le avanguardie nella Parigi fin de siècle: Signac, Bonnard, Redon e i loro contemporanei, a cura di Vivien Greene, Curator, 19th-and Early 20th-Century Art, Solomon R. Guggenheim Museum, New York, prende in analisi la scena artistica parigina, focalizzandosi sulle maggiori avanguardie di fine ‘800, in particolar modo su neo-impressionisti, Nabis, simbolisti e i loro protagonisti.

La Parigi fin de siècle fa da scenario a sconvolgimenti politici e forti trasformazioni culturali. Riflettendo le molte sfaccettature di un’epoca ansiosa e inquieta, questo periodo vede la formazione di una serie di nuovi movimenti artistici, quali neo-impressionisti, Nabis e simbolisti. I soggetti della loro arte sono gli stessi dei loro predecessori impressionisti, paesaggi, vedute cittadine moderne, attività ricreative, a cui si aggiungono scene introspettive e visioni fantastiche, ma è la modalità con cui questi temi vengono trattati a cambiare. Indagando tali avanguardie la mostra si sofferma in particolar modo su alcuni dei maggiori protagonisti di quest’epoca: Paul Signac, Maximilien Luce, Maurice Denis, Pierre Bonnard, Félix Vallotton e Odilon Redon.

neoimpressionisti nascono come gruppo a Parigi nel 1886, e tra i maggiori esponenti spiccano i nomi di Henri-Edmond Cross, Maximilien Luce, George Seurat, Paul Signac a cui si affianca, per alcuni anni, l’ex-impressionista Camille Pissarro. Sono pittori innovativi che guardano alle teorie scientifiche sul colore e sulla percezione per creare effetti ottici nelle loro tele puntiniste, orchestrando i colori complementari e le forme fluide in composizioni unitarie. Le scene utopiche delle loro tele rispecchiano contenuti ideologici e teorie pittoriche, ma anche nei casi in cui non sono guidati da obiettivi prettamente politici, le loro interpretazioni luminose della città, dei sobborghi, della campagna, riflettono luoghi idealizzati di armonia.

Nabis, dalla parola ebraica “profeti”, sono un gruppo che ricorda una setta o una società religiosa, in quanto a formazione e filosofia fondante, secondo la quale l’arte è un mezzo per superare la materia verso una dimensione numinosa. La loro arte è influenzata dal Sintetismo di Paul Gauguin e dalle stampe giapponesi. I Nabis rinunciano al cavalletto e impiegano varie tecniche, dalle stampe alle illustrazioni per riviste. Si tratta di un gruppo eterogeneo che comprende artisti del calibro di Pierre Bonnard e Édouard Vuillard.

Il Simbolismo è un movimento che supera i confini nazionali, con una notevole varietà di stili. L’arte simbolista abbraccia le narrazioni mitiche, l’immaginario suggestivo, il mondo macabro degli incubi, abbandonando il mondo dei fatti per il fantastico, l’esteriorità per il tumulto dei paesaggi psicologici, il materiale per lo spirituale, il concreto per l’etereo. Tra gli artisti francesi che lavorano con varie tecniche, dalla pittura alla decorazione, alle incisioni, si annoverano Maurice Denis, Georges Lacombe, Paul Ranson, Charles Filiger e Odilon Redon.

MILAN FASHION WEEK , THE MORE TIME ‘ EXPECTED FROM THE FASHION SYSTEM INTERNATIONAL.

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Fashion Week is an event that involves the entire city of Milan twice a year.

MILAN FASHION WEEK ,

THE MORE TIME ‘ EXPECTED FROM THE FASHION SYSTEM INTERNATIONAL

From September 18 to 23 women’s fashion takes center stage at Milan , we find all the comfort and hospitality of the hotels Hotels Space to be in the heart of the event .

 Waiting to insiders and outsiders , fashonisti from around the world and just lovers of the beautiful,

Fashion Week is an event that involves the entire city of Milan twice a year. Impossible not to be overwhelmed by the atmosphere that pervades contagious throughout the city symbol of Made in Italy and good taste of our home.

– The streets come alive for a week of the most outrageous characters wrapped in stunning dresses from the early hours of the morning and citizens are involved thanks to the many events open to the public. To know in advance what will come next season in our closets we have to go there and rub your eyes!

Part of Milan Fashion Week September 18 , the event more important for employees working at the fashion system and lovers of style that will involve up to 23 all over the city of Milan. The National Chamber of Italian Fashion has prepared a rich and interesting calendar of fashion shows : they are 74 to 67 show the different fashion houses.

On the runway , more than 170 parades will tell us a preview of the fashion for Spring / Summer 2014 from the point of view of Prada , Gucci, Etro , Iceberg , Alberta Ferretti , Jil Sander, Trussardi , Blumarine and many others. Among the new talents will parade for the first time in Milan, two of the young designers most beloved by the press and international buyers : Fausto Puglisi and Massimiliano Giorgetti , creators of the brand MSGM .

Big news this year will be the location: the City has in fact made ​​available
historic buildings such as La Scala , the Galleria and the Castello Sforzesco, which will host fashion shows and events related to the event . Importance will be important , as in other editions, the Fashion Hub , a network location for the parades in the heart of the city where most of the events take place . Fashion Hub thanks to the beautiful Piazza dei Mercanti is transformed to a week to accommodate the large screens on which the slide shows of the day and professional make-up and hairstyles that offer their advice to anyone who desires .

These hotels Space Hotels in Milan to experience the glamorous atmosphere of a week in which all the world’s eyes will be focused on the catwalks of Italy.

Andreola Central Hotel

Historic 4 star hotel in downtown Milan , a prestigious meeting place of famous people of culture and sport, the Hotel Andreola renews her acclaimed Milanese tradition of hospitality in comfortable and fully modernized.

At 200 meters from Central Station , Air Terminal and the subway that reaches the FieraMilanocity and the new Rho – Pero, the Andreola Central Hotel is among the most appreciated 4 star hotels in Milan for the functional location to the places of business , culture and shopping . 85 rooms including standard, superior , junior suites and suites , panoramic restaurant, four meeting rooms .

Hotel Dei Cavalieri

The Hotel Dei Cavalieri is a historic 4-star hotel is just 300 meters from Piazza Duomo and a little more from the Teatro alla Scala , Via Montenapoleone and other shopping streets. Located in the center of Milan, in a prime location, it is possible to reach all the tourist attractions on foot , while those staying for business or work, is the main companies , banks or the stock market in the immediate vicinity .

Hotel Des Etrangers

In Zona Tortona, close to the West bypass and just over 5 minutes from the Milan Fair, the Catholic University , Bocconi Iulm well-served by buses and trolleys , Hotel Des Etrangers is the ideal solution for both business and tourist stays in Milan : warm and functional , offering meeting rooms .

Hotel Galileo

The Hotel Galileo is a modern 4-star hotel in the historic center of Milan able to provide its guests with 89 rooms . Although this is a fairly large hotel , Hotel Galileo is proud to offer a personalized and attentive service and a warm atmosphere , such as the American bar and restaurant.

Hotel Gran Duca di York

The Hotel Gran Duca di York is a small , romantic and comfortable newly renovated hotel , located in an ancient palace of the 700 in the historical center of Milan . The hotel is located just a few steps from the Cathedral, the most prestigious shopping streets and the Milan Stock Exchange.

Hotel Mirage

The Mirage Hotel with its 86 rooms , was born to fully satisfy the needs of those who, for business or leisure travel to Milan. Located in the immediate vicinity of the Fair. of the motorway , not far from the center, want to stand out thanks to the courtesy to professionalism. Rooms are spacious , comfortable and equipped with every comfort. The Hotel has parking garage and a brand new space Gym. The hotel offers an American Bar, lunches and dinners in a warm and cozy restaurant ” Al Posto Giusto ” .

Hotel Berna

If you want the atmosphere of a small hotel in Milan , collected and centrally found today in an elegant building situated right next to the Duomo . Designed to accommodate a private collection of contemporary art , which is of great authors of young avant-garde artists of Milan, the hotel combines the comfort and elegance of refined hospitality and discreet .

The Hub Hotel

A genuine Urban- business and conference hotel in the heart of Milan , thanks to the free shuttle bus and the metro nearby and the Ring Road West is the ideal starting point to discover one of the most glamorous cities of old Europe. The exclusive atmosphere reflects the spirit of the city chic & cool reinterpreting unconventional spaces with the most innovative and refined Italian style. The hotel features spacious rooms and suites with minimalist design , with warm tones , refined materials and modern hi-tech features . The Hub also offers a conference center with 9 meeting rooms with natural light , swimming pool, sauna, hammam and gym, Coffee Shop , Gourmet Restaurant and garage.

Space Hotels, the Italian Supranational Hotels group , is present in our country with 90 hotels from 3 to 5 stars in over 50 locations . How Supranational chain offers more than 800 hotels in 70 countries , reached through 21 reservation offices, GDS (SX ) or the Internet at www.lexmark.com . Spacehotels.it , or through the toll-free number 800.813.013 . The Space Hotels offer includes: a business trip or vacation , with attractive offers , organization of meetings and conferences , the great cuisine of some of the best Italian chefs , relaxation, massages and saunas in elegant spas.

Space Hotels – Toll Free 800.813.013
E-mail: space@spacehotels.it – Internet: www.spacehotels.it

Marina Tavolato Travel Marketing Press Office , Rome

Phone: 06/ 822940 – Mobile phone 333/1299646 – E-mail martav@rmnet.it –

 www.travelmarketing.it

ARTE: Alessandra Angelini partecipa a AWESOME EXPO. International Art Exhibition.

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ALESSANDRA ANGELINI.

ANGELINI INVITO

QueenArtStudio Padova

                                                                                                                                                                                                                                         Crisolart Fine Art Gallery

Calle Roger de Lluria

Barcellona

Alessandra Angelini, artista e insegnate presso l’Accademia di Belle Arti di Brera,  

partecipa a

AWESOME EXPO. International Art Exhibition

a cura di Maria Grazia Todaro

 

8 – 18 settembre 2013

inaugurazione giovedì 8 settembre

 

Alessandra Angelini partecipa a Barcellona a “AWESOME EXPO. International Art Exhibition”, la mostra collettiva a cura da Maria Grazia Todaro, organizzata da QueenArtStudio presso la prestigiosa Crisolart Fine Art Gallery, che situata nella zona centralissima della città, accoglie dall’8 al 18 settembre artisti di livello internazionale.

Alessandra Angelini espone in questa occasione Ignis, un’opera su tela (cm 120×100)  realizzata nel 2005 che fa parte di una serie di lavori dedicati all’energia e all’elemento “fuoco”. Le pennellate tracciate esprimono dinamismo, movimento, potenza e sono analoghe alla forza della fiamma, della quale viene riprodotto anche il colore: toni rossi, arancioni e gialli che si stagliano su uno sfondo violaceo.

Lo studio delle variazioni cromatiche, minuzioso e dettagliato, è dettato da un ritmo cadenzato, musicale. La stessa meticolosità si ritrova nella scelta dei pigmenti: le tempere sono preparate personalmente dall’artista utilizzando pigmenti in polvere, amalgamate con opportuni leganti. I toni e la luce che erompe dall’opera sono metafora dei movimenti dello spirito nell’imprevedibile percorso esistenziale.

Seppur attratta costantemente dalla sperimentazione di nuove tecniche e materiali, Alessandra Angelini con quest’opera sottolinea l’importanza attribuita alla pittura che considera come un incontro musicale tra pensiero, colore, segno che, nel costruirsi dell’opera si trovano a interagire con la tela e che da esso fanno nascere una nuova entità, dotata di vita autonoma. Questo è il prodigio della Pittura, al di là della forma, dell’idea o del soggetto che essa rappresenta”.

In particolare la tempera per sua natura opaca e difficilmente sfumabile, permette di esprimere il gesto puro dato dal pennello e scaturito direttamente dalla mente, senza ricorrere a mediazioni che comprometterebbero l’immediatezza dell’esecuzione.

Grazie a opere come “Ignis” e alla continua e approfondita ricerca artistica, nel tempo,  sono nati lavori apparentemente distanti tra loro, ma che condividono la medesima espressione del concetto di “colore”.

Alessandra Angelini  già in passato ha esposto in Spagna: nel 2006 e nel 2011 a Madrid presso il Salone Internazionale della Stampa d’Arte e Arte Contemporanea e nel 2008 alla 5° Biennale Internazionale di Arte Grafica, presso il Museo Favellò Firal di San Carlos de la Rapita.

Nello stesso anno il comune di San Carlos de la Rapita ha acquisito due opere grafiche significative del suo percorso artistico.

Cenni biografici di Alessandra Angelini

Alessandra Angelini nasce a Parma nel 1953. Condotti gli studi classici, si diploma in Pittura presso l’Accademia di Belle Arti di Brera. Da qui inizia il suo percorso artistico, dettato da un’estrema curiosità che la conduce verso la sperimentazione di tecniche e di materiali. Il percorso formale intrapreso è sempre collegato all’espressione dell’interiorità, intesa come tessuto primo sul quale si costruisce il pensiero critico nei confronti del reale.

L’artista si dedica a diversi linguaggi espressivi: pittura, incisione, grafica, scultura, fotografia. Di ognuno approfondisce lo studio della tecnica e le possibili associazioni, creando contaminazioni tra procedimenti e opere ibride.

Ha esposto in numerose mostre personali e collettive in Italia e nel mondo in quattro continenti, le sue opere sono presenti nelle collezioni di importanti musei nazionali e internazionali.

Dal 2005 è titolare della cattedra di Grafica e Tecniche dell’Incisione all’Accademia di Belle Arti di Brera a Milano. Fa parte di Visarte società delle Arti Visive Svizzera.

Attualmente vive e lavora tra Milano e Pavia.

HYPERLINK “http://www.alessandraangelini.org” www.alessandraangelini.org

Coordinate mostra

Titolo Alessandra Angelini partecipa a

AWESOME EXPO. International Art Exhibition

A cura di Maria Grazia Todaro

Sede Crisolart Fine Art Gallery – Calle Roger de Lluria, 100 -Barcellona – Spagna

Date 8 – 18 settembre 2013

Inaugurazione 8 settembre

Orari 11 – 14 / 17 – 20

Catalogo a cura di Crisolart Fine Art Gallery e QueenArtStudio

Info Crisolart Fine Art Gallery tel. 0034 934594566 / 934578785 –  HYPERLINK “mailto:info@crisolart.com” info@crisolart.com

QueenArtStudio tel. 3346447738 –  HYPERLINK “mailto:queenartstudiopadova@gmail.com” queenartstudiopadova@gmail.com

Ufficio Stampa Irma Bianchi Comunicazione

Tel. 02 8940 4694 ra –  HYPERLINK “mailto:info@irmabianchi.it”info@irmabianchi.it

Testi e foto scaricabili da  HYPERLINK “http://www.irmabianchi.it/”www.irmabianchi.it

I PAESAGGI DI CARRA’ 1921-1964. Mendrisio (Svizzera), Museo d’Arte.

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Vernice: sabato 21 settembre 2013, ore 17.00

a cura di Simone Soldini e di Elena Pontiggia

comitato scientifico Elena Pontiggia, Luca Carrà, Chiara Gatti, e Simone Soldini (direttore Museo)

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 edito dal Museo d’arte Mendrisio, circa 150 pagine di testi e apparati e riproduzione delle opere in mostra


Pino sul mare 1921, Crepuscolo 1922, L’attesa 1926, L’estate 1930 (Museo del Novecento di Milano)I nuotatori 1932 (MART Museo di arte moderna e contemporanea, Trento e Rovereto), Capanni al mare 1927 (GAM, Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea, Torino), Canale a Venezia1926 (Kunsthaus di Zurigo), Lo Squero di San Trovaso 1938, I contadini della Versilia 1938 sono alcuni dei capolavori che costellano la mostra sui paesaggi di Carlo Carrà al Museo d’arte di Mendrisio.

Curata da Elena Pontiggia e da Simone Soldini, in collaborazione con Chiara Gatti e Luca Carrà, si tratta della prima ampia retrospettiva allestita da un museo svizzero sull’opera di questo grande protagonista della pittura moderna europea.

CARRA’

Figura di importanza capitale nella storia dell’arte moderna italiana, Carrà fu tra i fondatori del movimento futurista nei primissimi anni del ‘900.

I viaggi nelle capitali europee, ma soprattutto a Parigi, dove frequentò tra gli altri Apollinaire e Picasso, lo misero in contatto con le altre avanguardie europee, facendolo conoscere internazionalmente.

La prima guerra mondiale sancì la fine del Futurismo e determinò l’inizio di un breve, fecondo periodo metafisico in cui Carrà entrò in stretti rapporti con i fratelli De Chirico. Gli anni tra il 1915 e il 1920 furono un momento decisivo, di svolta, per l’uomo e per l’artista.

Legatosi d’amicizia con Soffici e Papini, Carrà cominciò un intenso periodo di meditazione sulla pittura italiana del ‘300 e del ‘400 che sfociò nei sorprendenti scritti su Giotto, Paolo Uccello, Piero della Francesca e Masaccio.

Il recupero in chiave moderna dei “primitivi”, e in primo luogo di Giotto, lo condusse a una pittura – come ebbe a dire – di «forme primordiali», dove la natura si rivela in tutta la sua essenza spirituale. Sintesi, forza plastica, spazialità, architettura accordata a colori tonali: cominciava su queste basi la terza, più lunga e più intensa stagione, quella del «realismo mitico».

Essa si aprì con un capolavoro assoluto della storia dell’arte europea del ‘900, presente nella mostra di Mendrisio: Pino sul mare del 1921, dipinto da Carrà appena quarantenne e che venne acquistato dal compositore Alfredo Casella, amico del pittore e figura di primo piano nella cultura europea del ‘900.

«Con questo dipinto – scrisse Carrà nella sua autobiografia – io cercavo di ricreare una rappresentazione mitica della natura».

Al capolavoro del ’21 ne seguirono altri, una stretti lunga serie di opere che scaturì in gran parte da un’immersione totale nel paesaggio: i monti della Valsesia, le marine di Forte dei Marmi, la laguna veneziana, le campagne e i laghi lombardi, le alpi apuane.

Il paesaggio fu spunto continuo di sperimentazione; da una pittura di sintesi Carrà poteva passare a una forma mediata di impressionismo, da un’immagine realista a una visione onirica e surreale, sempre ottenendo risultati di straordinaria intensità.

In questo concetto di rappresentazione mitica della natura rientrò a partire dalle grandi composizioni d’inizio anni ‘30 anche la figura: EstateI nuotatoriI contadini della Versilia sono alcuni capolavori di questo genere, ben documentato in mostra.

Grazie ai contributi dell’Archivio Carrà, degli Archivi del ‘900 del MART e del Gabinetto Vieusseux di Firenze si è potuto allestire per l’occasione una sezione dedicata alla figura – importantissima – del Carrà teorico e pubblicista (si ricordino solo i contributi a “Valori plastici” e “l’Ambrosiano”) attraverso un vasto e prezioso materiale documentario.

A margine della retrospettiva viene presentata una selezione di opere di autori ticinesi, dipinte tra il 1920 e il 1950, che intende gettare un po’ di luce sulla grande influenza esercitata da Carrà su un contesto locale, di provincia italiana del Nord come il Ticino; cioè, sul suo determinante ruolo nel passaggio da un’arte ancora ottocentesca ad una moderna.

Orari ma-ve: 10.00 – 12.00 / 14.00 – 17.00
sa-do: 10.00 – 18.00
lunedì chiuso, tranne festivi

Entrata Fr 10.- ridotto Fr 8.-

Info www.mendrisio.ch/museo
museo@mendrisio.ch

Ufficio Stampa:
Studio ESSECI di Sergio Campagnolo
tel. +39 049 66 34 99
info@studioesseci.net
twitter: @studioesseci

LEONARDO DA VINCI INEDITO A VENEZIA E ALCUNI APPUNTI SULL’UOMO VITRUVIANO.

Mostra a Venezia: “Leonardo da Vinci.L’uomo universale”

DALL’UOMO VITRUVIANO AI DISEGNI PREPARATORI PER I SUOI GRANDI CAPOLAVORI. IN MOSTRA A VENEZIA ALLE GALLERIE DELL’ACCADEMIA, SINO AL PRIMO DICEMBRE, I CAPOLAVORI DI LEONARDO, ANCHE DAI PIU’ PRESTIGIOSI MUSEI DEL MONDO.

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Finalmente dopo 30 anni, il pubblico può ammirare i disegni più importanti di Leonardo da Vinci; 52 disegni, dei quali 25 sino a ora visibili solo agli studiosi.

Al celeberrimo Uomo Vitruviano vengono affiancati 27 lavori prestati da diversi musei italiani ed internazionali, dagli Uffizi di Firenze al British Museum, al Louvre; per fare solo qualche nome.

Un’occasione da non perdere. Se non siete ancora stati a visitare la Biennale http://www.donnecultura.eu/?p=2749, questa mostra è un validissimo motivo per andare a Venezia; comunque questa mostra, da sola, merita il viaggio.

Per gli appassionati d’arte, ma anche per i più profani, la mostra “Leonardo da Vinci.L’uomo universale” è un’occasione unica per ammirare da vicino l’opera di colui che è stato il più geniale tra i nostri simili.

I lavori presenti nella mostra comprendono il periodo dal 1478 al 1516, documentando tutta la produzione artistica e la ricerca scientifica del genio Leonardo.

Studi naturalistici, di proporzione, di armi, di ottica, d’architettura, guerra, fisica e meccanica, ma soprattutto i lavori preparatori per i suoi grandi capolavori come: La Natività, L’Ultima Cena, Sant’Anna e Il Cristo Portacroce. Lavori che coinvolgeranno il visitatore in un susseguirsi di emozioni e ricordi scolastici.

La mostra è promossa dalla Sovraintendenza per il Polo Museale di Venezia, diretta da Giovanna Damiani, organizzata da Mondo Mostre e curata dal Gabinetto dei Disegni, Annalisa Perissa.

-«Questa mostra sarà un evento  perché verrà valorizzato il Fondo della grafica dei disegni di Leonardo che appartengono al Gabinetto disegni e stampe delle Gallerie dell’Accademia. E oltre ai disegni veneziani verranno esposti al pubblico anche molti altri fogli provenienti dai principali musei del mondo come il British Museum di Londra, il Louvre di Parigi, l’Ashmolean Museum di Oxford nonché dalle raccolte reali della casa regnante inglese dei Windsor. E dall’Italia invece i prestiti proverranno dagli Uffizi di Firenze e dalla Biblioteca Reale di Torino. E non ci saranno solo i disegni ma anche alcuni dipinti». Queste sono le parole della Soprintendente del Polo museale veneziano Giovanna Damiani sulla mostra  “Leonardo da Vinci.L’uomo universale”.

Approfondimenti su Leonardo da Vinci:

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SUL CAPOLAVORO DI LEONARDO: L’UOMO VITRUVIANO.

Leonardo scrive sotto il disegno le proporzioni cui si riferisce, nomina le misure e le spiega “i punti di partenza e arrivo delle varie misurazioni” nel quadro in piedi a braccia aperte nel cerchio: gambe aperte, braccia in alto.

Osservazioni di Leonardo: “Se hai mano piccola tenderai a disegnare unomini con mani piccole.

La figura a croce iscritta nel quadrato ha due misure:

-l’ uomo a braccia aperte e a braccia in alto, gambe dritte e aperte

-le braccia alzate  toccano il cerchio con il dito medio.

-La prima  figura, descritta nel quadrato, ha due misure: l’ uomo con le braccia aperte e braccia in alto; si trovano punti di coincidenza tra quadrato e cerchio

Nota:anche Leon Battista Alberti ne parla.

-Pare che Leoonardo sia partito, nel disegno, dalla figura per poi stabilire le misure ideali.

1500-1505 ALBERTI “libro di pittura” : “se non dimostri con la matematica non puoi essere certo di quello che dici”.

Leonardo accoglie le idee di Alberti, ma non le condivide completamente: ”il piè è tanto grande quanto tutto il capo dell’uomo dalla punta del lungo dito alla spalla….il piede di Alberti si rifà alla misura romana e dipende dall’altezza dell’uomo misurato e non corrispondente alle misure di Leonardo che sono pure misure fisiche/ 1/6 dell’altezza è misura variabile che è poi suddivisa  per calcolare tutto il resto.

-Per il calcolo occorrono squadre e regoli che Leonardo. non aveva, faceva tutto con linea e compasso

-Il piede dell’uomo di Leonardo non ha una corrispondenza anatomica, ma solo è frutto di calcoli di proporzione rispetto all’altezza dell’uomo.

Gian Battista Alberti spiega: altezza dal pavimento, parte mediana-laterale..dalla faccia..,questa è l’altezza per  l’Alberti, sino alla fontanella della gola= piedi 5/ l’altezza sotto l’osso pubico piedi 3…; ombelico=1/6=230 millimetri= 138 mill.: queste sono le misure ideali per G. B .Alberti

Per lui l’ombelico era il centro del cerchio e del quadrato

-G.B .Alberti parte dal capo e non dai piedi, ma coincide con le misure di Leonardo:

-il centro del quadrato e del cerchio incrocia i genitali

Leonardo bolliva l’occhio in chiara d’uovo per poi poterlo sezionare.

-”ricerca del senso comune” di Leonardo: lo individua all’interno dell’osso sfenoide (sella)

-E’ sbagliato vedere in Leonardo il precursore di tutte le scienze, come è sbagliato vedervi le teorie della scolastica che lui contesta.

Leonardo ha notato l’accorciamento dell’arto superiore passando da pronazione a supinazione della mano(e del braccio): GRANDE SCOPERTA dimostrata tecnicamente solo in tempi recentissimi.

Leonardo è l’autore di uno dei primi disegni realistici della colonna vertebrale, comprende bene il sistema atlantide epistrofeo.

L’ultimo disegno di Leonardo è stato definito disordinato poco attendibile, dimostrante confusione, invece è la proiezione di tutte le informazioni che ci vuole trasmettere.

Vitruvio visse in epoca romana,a lui si rifa Leonardo per L’uomo vitruviano in un corretto uso della proporzione=simmetria=armonia (greco-romana)/ es il piede è la sesta parte dell’altezza dell’uomo.

VITRUVIO EBBE GRANDE INFLUENZA SUL RINASCIMENTO.

-Leonardo non aveva la squadra, usava solo compasso e linea:

 1496-1498: 60 disegni, di questi disegni di Leonardo Luca Pacioni (1509) scriveva: non è possibile fare di meglio (disegni dal quadrato a: tetraedro, dodecaedro..5 poliedri.

LA DIVINA PROPORZIONE.

La divina proporzione esiste anche nei solidi Platonici, IV sec a.Cr.,  4 forme di solidi determinano la creazione su cui si basa tutto il mondo.

Platone attribuì alla terra la forma del cubo specificando che necessita di massima forza per muoversi.

Ottaedro=aria=2 piramidi

Acqua=icosaedro: 20 basi triangolari= poteva spingersi e muoversi meglio, come l’acqua che copre la sfera/mondo

Cielo=dodecaedro=RICETTACOLO DI TUTTI GLI ELEMENTI= può accogliere tutti gli altri solidi, può contenere 12 basi=12 anche i segni zodiacali

La sezione aurea fu chiamata dagli antichi divina perché fatta da Dio, secondo loro; motivazioni: non può che essere una sola: ovvero il supremo attributo di Dio=Padre Figlio e Spirito Santo=interno medio esterno=come Dio non si può definire con parole finite, infatti la sezione aurea è un numero all’infinito rimane sempre la medesima ed è invariabile

Come Dio conferisce alle virtù celesti, così il dodecaedro comprende tutti i solidi.

La forma mentis di Leonardo è armonica= i suoni viaggiano alla ricerca di equilibrio

Quadrato e cerchio (terra e cielo e loro armonie) con Leonardo e Vitruvio, che cercano un modello naturale, è un pensiero che si fa misura e mette sempre al centro l’uomo=geometria simmetrica tutto divisibile per 12 com ei segni zodiacali 12 le ore tutto il tempo ha a che fare con il 12

La nostra società mette al centro altro, non l’uomo.

Nel  sistema decimale, sappiamo già il punto di partenza e dove finisce 1-10.

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Leonardo in Lombardia.

Durante il Rinascimento, il Ducato di Milano fu uno degli stati tecnologicamente e culturalmente più avanzati nell’Italia delle Signorie: questo era dovuto principalmente al complesso sistema di canali artificiali che fin dall’epoca romana irrigava la pianura milanese, rendendola uno dei territori più fertili d’Europa. Su questo fitto reticolo di navigli, canali, rogge e roggiole si svilupparono l’industria e i commerci: l’acqua forniva energia per mulini, filande e filatoi, folle da carta, fucine; ed era via di comunicazione per il trasporto di merci e persone dalla Valtellina e dalla Svizzera verso Milano: a presidio furono costruiti caselli daziari come la CASA CAMERA REGIA di Vaprio d’Adda. Il CANALE DI MUZZA, che porta le acque dell’Adda da Cassano d’Adda alla campagna lodigiana fu costruito nel 1220; il naviglio piccolo o della martesana, da Trezzo sull’Adda a Milano, fu completato nel 1457.

Le acque dell’Adda e del Ticino entravano in Milano attraverso la fossa interna dei navigli, il Tombone di San Marco e la Darsena di Porta Ticinese: sulle loro sponde sorgevano molteplici attività industriali.

Leonardo soggiornò a Milano per due lunghi periodi: dal 1482 al 1500 e ancora dal 1506 al1512. L’amicizia con il nobile milanese Girolamo Melzi lo condusse spesso nella residenza di campagna della famiglia Melzi, a Vaprio d’Adda, dove prese come suo allievo il figlio Francesco che lo avrebbe accompagnato fino alla morte in Francia, ereditandone i “codici”.

Durante i suoi soggiorni lungo le rive del fiume, Leonardo condusse studi ed esperimenti per il suo trattato “Delle Acque” e ritrasse i paesaggi del medio corso dell’Adda: il fiume tra Monasterolo e Trezzo (Windsor, Royal Library), la martesana  e il promontorio di Concesa (Windsor, Royal Library), il traghetto tra Vaprio e Canonica (Windsor, Royal Library) praticamente identico a quello tutt’oggi funzionante aImbersago Castello di Trezzo (ne disegnò la pianta), la Forra d’Adda – con il famoso scorcio dei “Tre corni”, (li dipinse nello sfondo della Vergine delle Rocce e, forse, della Monna Lisa).

Concepì e progettò migliorie e aggiornamenti tecnologici per le chiuse idrauliche (che furono dette da allora “conche vinciane”), progettò iNaviglo di Paderno per collegare il lago di Como con la città di Milano (Codice Atlantico).

 I segni della presenza di Leonardo a Villa Melzi,  sono testimoniati da scritti e disegni nonché da un affresco su grande tondo raffigurante una Madonna con bambino attribuibile se non allo stesso Leonardo perlomeno alla sua Scuola.

Un’altra curiosità: Le conche di navigazione, che si succedono da Paderno a Porto d’Adda e realizzate su progetto di Leonardo da Vinci, furono inaugurate nel 1777 (sotto il dominio di Maria Teresa d’Austria).

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L’albero di Leonardo. HOMO. Conspectus Naturalis per albero vivente, radici, ciotole sonore e pietre sospese. Opera del prof. Nicola Cisternino.

L’ALBERO DELL’ARTISTA, E PROFESSORE PRESSO L’ACCADEMIA DELLE BELEL ARTI DI VENEZIA, NICOLA CISTERNINO.

L’OPERA “I RE MAGI” DI LEONARDO E IL FILM DI KAWSPOWSKY: LA NATURA “SPOSTATA” DALL’UOMO E PORTATA ALLA MORTE (NUCELARE).

Osservando l’opera di Leonardo “i re Magi” si nota che sulla verticale della mano del bambino c’è un albero. A quest’ultimo si è ispirato l’artista Cisternino per la sua opera in mostra a San Carpoforo a Milano, oltre al film del russo Kawspowsky.

La musica scelta è quella della La Passione di S Matteo di Wagner e non la più conosciuta Passione di S Giovanni.

C.V. del regista Andrej Tarkovski.

Nel  1952 Andrej si iscrive all’istituto di lingue orientali di Mosca e inizia a studiare arabo. Influenzato dalla religiosità della madre, si trova molto a disagio nell’ambiente accademico estremamente ateista; siamo nei più duri anni dello stalinismo. Nel1954 abbandona gli studi e, seguendo il consiglio della madre, va a lavorare come geologo nella Taiga siberiana. Il contatto con la natura durante le lunghe escursioni lo aiuterà a ritrovare stimoli e a riconquistare una spiritualità che gli studi precedenti avevano minato. Il periodo della taiga siberiana sarà oggetto di una interessante sceneggiatura scritta nel 1958, mai trasformata in pellicola: Concentrato (koncentrat). Il titolo, abbastanza curioso di questa sceneggiatura, si riferisce al capo di una spedizione geologica che aspetta la barca riportante i “concentrati” dei minerali raccolti dalla spedizione.

Nel 1956 Andrej Tarkovskij ritorna a Mosca e si iscrive alla Scuola Superiore di Cinematografia; la più prestigiosa scuola di cinema dell’URSS. Tarkovskij segue i corsi di Michail Romm, un quotato regista del periodo, esponente di quel realismo socialista che influenzerà l’allievo.

“Sacrificio” a Cannes riesce a ottenere ben quattro premi, fatto senza precedenti, oltre a grandi elogi. Il film racconta la storia di Alexander, un uomo che vede crollare tutto ciò in cui crede in seguito all’improvviso scoppio di una guerra nucleare. Disperato prega Dio di salvare il mondo, facendo voto di rinunciare a tutto ciò che possiede, se questa sua preghiera si dovesse realizzare. Seguendo il consiglio di un amico, Alexander fa l’amore con Maria, una cameriera che si dice sia una strega  La mattina dopo scopre che il mondo  è tornato indietro di un giorno e nessuna guerra incombe. Mantenendo fede alla sua promessa, Alexander dà fuoco alla sua casa e si chiude in un impenetrabile mutismo, prima di essere portato via da una ambulanza. Con Sacrificio Tarkovskij firma un film raffinato e sontuoso, denso di omaggi a Bergman, a partire dalla lividissima fotografia di Nykvisk  fino all’ambientazione in una piccola isola che ricorda molto la  Farø in cui Bergman si è ritirato. Ma oltre a questo, il film sviluppa tutte le tematiche tarkovskiane e le porta, in un certo senso, a compimento.

Nel film “Sacrificio”  si parla dei Re Magi come sapienti Zoroastriani, successivamente l’albero esce dalla tela e si sposta su un’isola non identificata, ripiantato da un bambino. Su questa isola si parla di una imminente distruzione nucleare. Qui Alexander e suo figlio (che per le tonsille non può parlare) vivono come se fossero fuori dal mondo-tempo-spazio.

Per il prof. Cisternino il film è una parabola non una storia.  Come le parole scritte nel chiostro di Toledo: “non hai camino, no hai que andar =non hai meta devi solo andare.”

Tornando al capolavoro di Leonardo “I re Magi”, vi si può notare un’umanità incredibile: a sinistra, nel quadro, è presente Leonardo  stesso e l’albero ha le radici esterne… come nell’opera di Cisternino. Sulla sinistra, del quadro, c’è anche la scala che richiama il tempio di Re Salomone, osservando accuratamente si vede che il tempio è in costruzione.

Leonardo ha solo 26 anni quando realizza il quadro, che resterà incompiuto, forse di proposito perché contiene moltissimi elementi che poi svilupperà nel suo futuro lavoro. Testo di Isaia (Cristo=germoglio sulle pietre)=germoglio; ai piedi c’è un angelo con un dito rivolto verso l’alto; anticipazione del S.Giò Battista E’ un’opera aperta, aperta a ogni interpretazione ed è anche l’anticipo dei temi che Leonardo svilupperà nella maturità.

 Il prof. Carlo PedrettiI, indiscutibile esperto di Leonardo, osservando l’opera di Leonardo “I re Magi”, ha deciso che l’albero illustrato è un albero di carrubo. L’attribuzione è stata fatta dopo avere coinvolto un illustre botanico (come quello consultato per l’opera di Nicola Cisternino).

-Il carrubo si lega all’arte dell’oreficeria, viene dall’estremo oriente portato in età remota, vive sino a 300 anni e dona frutti straordinari per fare dolci (utilizzato anche in Puglia e Libano). KIRAT= carrubo in arabo usato da loro anche come moneta e unità di misura per il peso 5 semi=1 KIRAT=1 carato ecco il legame con gli orefici.

Pistoia è vicino a Vinci e Pistoia è sede di importanti vivai.

L’albero di Carrubo di Cisternino,  che proviene da un vivaio diPistoia, ha radici molto profonde, l’albero + cresce (cammina)+ affonda le radici. Le radici esterne hanno lo scopo di rendere l’albero è un  CAMINATES.

Suono = linfa dell’albero.

Le ciotole dell’opera sono risonanti e provengono dall’oriente come l’uomo vitruviano. Le ciotole riprendono strumenti bengalesi con corde tirate. Le ciotole dell’opera sono tibetane antiche (ne sono usate 5).

La coppa è un simbolo = ventre materno e paterno; capovolta è la cupola=volta celeste/suonata da filo sospeso, qui l’uomo che suona è Piero della Francesca(=chiusura del cerchio).

L’albero riprende il simbolo primitivo che in  molte diverse culture rappresenta l’uomo-albero, è inscritto in un quadrato e nel cerchio, i centri sono due

L’uomo e il 3° cervello= sfera corticale.

Al centro delle 5 coppe è l’uomo.

Attraverso il centro dell’uomo (ombelico) si realizza (per l’autore) la vita pre-natale.

Una mostra è stata allestita aggiungendo a questa opera  un flauto alto 15 metri; ideata con un ginecologo e sono stati registrati suoni attraverso il cordone ombelicale.

Leonardo: 2 disegni fondamentali relativi al feto, ricchi di particolari, sulle sue ultime ricerche scrive: nutrimento della madre, anche animo, al feto..dimostrando una acuta intuizione.

Libro consigliato “La scienza universale arte e natura nel genio di Leonardo”.

 

55Aa BIENNALE DI VENEZIA. NUOVE FOTO.

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PER ORA NUOVE FOTO, PROSSIMAMENTE ALTRE INFO.

La 55a BIENNALE DI VENEZIA 2013 sarà aperta al pubblico sino al 24.11.2013.

Biennale Venezia 2013, Portogallo.
Biennale Venezia 2013, Portogallo.

 

55a Biennale di Venezia 2013, Indonesia.

55a Biennale di Venezia 2013, Indonesia.

55a Biennale di Venezia 2013, Angola. Palazzo Cini, Dorsoduro 864, San Vio; tra L'Accademia e il museo Peggy Guggenheim. Tra i capolavori di Sandro Botticelli, Piero della Francesca, Filippo Lippi e Pontormo.

55a Biennale di Venezia 2013, Angola. Palazzo Cini, Dorsoduro 864, San Vio; tra L’Accademia e il museo Peggy Guggenheim. Tra i capolavori di Sandro Botticelli, Piero della Francesca, Filippo Lippi e Pontormo.

Ai Giardini non potete perdere

-l’atmosfera magica del padiglione del Portogallo,

-il padiglione russo che è una parodia dell’attuale improvvisa ricchezza per pochi ed ha una sala riservata alle donne.

Anche il padiglione della Corea merita la visita per i suoi suoni ed i suoi riflessi come arcobaleni.

L’indonesia vi sbalordirà per una serie di trovate originali e suggestive e per quella magia che l’oriente esercita su molti di noi.

Palazzo Cini.

Una visita al padiglione dell’Angola, Palazzo Cini, vi permetterà anche dei ammirare antichi capolavori dei più grandi artisti italiani uniti ad un’idea di Edson Chagas, tanto brillante, che è stata subito acquistata dal magnate dell’arte François Pinault.

Prossimamente altre info.

Biennale Venezia 2013 padiglione Cina.
Biennale Venezia 2013 padiglione Cina.

Perché questa Biennale merita di essere visitata?

Biennale Venezia 2013 Sehgal Leone d'oro

Biennale Venezia 2013,  Sehgal Leone d’oro.

-Perché il Leone d’oro per il miglior padiglione nazionale è stato assegnato all’Angola un perfetto sconosciuto alla Biennale. Il che dimostra un importante tentativo di uscire dal mondo glamour-mercantile dell’arte contemporanea; e scusate se è poco!

-Perché non è un ammasso di lavori senza un forte filo conduttore rispettato da tutti i partecipanti.

-Perché vi si affronta un tema quanto mai attuale come la relazione tra il nostro mondo saturo di immagini e il nostro passato: -vivo dentro la nostra testa- (“Live in your head” la collettiva più famosa del XX secolo che fu curata da Harald Szeemann presso la Kunsthalle di Berna nel “lontano” 1969 e che fu ed è l’emblema della perfetta mostra).

LOGO BIENNALE VENEZIA 2013
LOGO BIENNALE VENEZIA 2013

Infatti  il logo della Biennale 2013, riassume il concetto di cui sopra: una testa di profilo da dove si irradiano cerchi e frecce.

Azerbaijan Bunutay Hagverdiyev
Azerbaijan Bunutay Hagverdiyev

-Perché a 130 artisti, ben scelti, è stata data la possibilità di presentare alla Biennale il proprio lavoro.

-Perché le new entry: dall’Angola al… Vaticano sono una novità e quindi sempre uno stimolo; come tali meritano di essere viste e giudicate.

-Perché la maggioranza dei critici ha promosso questa Biennale, con qualche riserva “sullo sguardo all’indietro”.

-Bonito Oliva: “mostra antropologica che riparte da un’idea, come nel ’93”.

  Bice Curiger: “reazione al sistema dell’art-fair“.

 Renato Barilli: “tendenze surrealiste, tra dilettanti e qualche strizzata d’occhio allo star system“.

 Patrizia Sandretto Rebaudengo: “occasione per non vedere i soliti nomi”.

-Perché Sgarbi l’ha criticata; e quando mai potrebbe accadere il contrario? Il che significa che tutto fila liscio, o quasi.

-Perché si devono visitare le opere dei vincitori dei vari Leoni d’oro e d’argento, per poi trarne le più personali conclusioni:

ai Giardini: Tino Sehgal (britannico, nato nel 1976) come miglior artista; la cui opera “cerca di andare oltre la filosofia della solitudine che ha caratterizzato il Novecento”, dice lo stesso artista, creando empatia con l’osservatore; tanto che l’Associazione di Neuroestetica gli ha dedicato un convegno proprio a questo riguardo

all’Arsenale: -Camille Henrot (francese, nata nel 1978)

                     -Sharon Hayes (americana, 1970)

                     -Roberto Cuoghi(italiano, 1963)

i padiglioni nazionali di Cipro e Lituania.

-Perché il curatore, Massimiliano Gioni (1973) il più giovane della storia della Biennale, ha affermato di avere visitato i musei di Folk Art, che noi dovremmo visionare almeno in internet prima di visitare la mostra, i quali musei, secondo Gioni: “Costituiscono una base dell’antropologia”. Infatti nella mostra se ne possono scovare gli aspetti etnico-spiritualistici.

-Perché le “solite” artist-star non mancano, per la gioia di chi cerca soprattutto i grandi nomi, ma finalmente sono fuori dalla Biennale:

li trovate a Punta Dogana, Cini, Musei Civici, Ca’ Pesaro (Prada) dove “Live in your head” è ricostruita da Germano Celant www.fondazionepraga.org , Fortuny.

-Perché ci è piaciuto l’incipit, all’ingresso, con il libro Rosso di Carl Gustav Jung.

-Perché i temi affrontati sono, i consolidati frutti della precedente esperienza del curatore Massimiliano Gioni:

   “Ghosts in the Machine“, al New Museum di New York          (collettiva sul rapporto tra arte, tecnologia e comunicazione  a      partire dal dopoguerra)

    Goni ha portato a Venezia “Moving Mural (1968)” lavoro    pionieristico di Stan VanDerBeek (1927-84), proiezione in simultanea di 18 film ! Dove già pensava all’integrazione tra: cinema-teatro-drammaturgia-danza-suoni e immagini elettronici-biblioteche di film-mosaici in movimento…

Stan lavorava con fax, computer e animazioni come aveva fatto, con gli “attrezzi” del momento, il grande genio Munari. Dicevamo incompreso da un mondo presuntuoso, quale è quello dell’arte,  incapace di abbracciare i vasti campi della genialità, se non dopo secoli; vedi Van Gogh ecc…

La Biennale di Venezia

Biennale Venezia 2013 Ai Weiwei
Biennale Venezia 2013
Ai Weiwei
La Biennale di Venezia – ora presieduta da Paolo Baratta – è da oltre un secolo una delle istituzioni culturali più prestigiose al mondo. Fin dalla sua origine è all’avanguardia nella ricerca e nella promozione delle nuove tendenze artistiche. Organizza a Venezia manifestazioni internazionali nelle arti contemporanee, che si collocano ai vertici mondiali.
Nel 2013 organizza il 4. Carnevale Internazionale dei ragazzi (2 > 12 febbraio), attività di formazione e spettacolo per Biennale Danza (2 maggio > 30 giugno), la 55. Esposizione Internazionale d’Arte (1 giugno > 24 novembre), il 42. Festival Internazionale del Teatro (1 > 11 agosto), la 70. Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica (28 agosto > 7 settembre), e il 57. Festival Internazionale di Musica Contemporanea (4 > 13 ottobre).
Inedite attività permanenti si aggiungono alle manifestazioni istituzionali, grazie alla nuova disponibilità in via permanente di sedi a Venezia (Ca’ Giustinian e Sala delle Colonne per mostre e incontri; Spazio bimbi; nuova Biblioteca della Biennale-ASAC ai Giardini per studio, consultazione, incontri; Laboratori e attività Educational con master classes, progetti per le scuole e percorsi guidati; oltre all’Archivio Storico della Biennale con i suoi fondi aperti alla consultazione).
L’Istituzione nasce nel 1998 dalla trasformazione dell’ex Ente Autonomo La Biennale di Venezia in Società di Cultura, figura giuridica di diritto privato atipica, che nel 2004 assume la denominazione di Fondazione.
Lavalet
Lavalet

Il Palazzo Enciclopedico

Il Palazzo Enciclopedico forma un unico percorso espositivo che si articola dal Padiglione Centrale (Giardini) all’Arsenale, con opere che spaziano dall’inizio del secolo scorso a oggi, e con molte nuove produzioni, includendo più di 150 artisti provenienti da 38 nazioni.

“Nel corso di questi anni – spiega il Presidente Paolo Baratta – nella rappresentazione del contemporaneo è cresciuto il desiderio dei nostri curatori di mettere gli artisti in prospettiva storica o di affinità reciproca, evidenziando legami e relazioni sia col passato, sia con altri artisti del presente. Nello stesso tempo, rispetto all’epoca delle avanguardie, è cresciuta sempre più l’attenzione verso l’intensità della relazione tra l’opera e lo spettatore (viewer) il quale, ancorché scosso da gesti e provocazioni, alla fine ricerca nell’arte l’emozione del dialogo con l’opera, che deve provocare quell’ansia ermeneutica, quel desiderio di andare oltre che ci si attende dall’arte.”

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“In questa direzione – prosegue Baratta – compie un passo decisivo questa Biennale che dà vita a una grande mostra-ricerca. Con Il Palazzo Enciclopedico Massimiliano Gioni, assai più che portarci un elenco di artisti contemporanei, riflette sulle loro spinte creative e sembra portare ancora più avanti il quesito: ma qual è il mondo degli artisti? L’interesse prospettico arriva al punto da ricercare relazioni con mondi diversi, per cui sono rappresentate opere di artisti contemporanei, ma anche opere del passato, riferimenti diversi, lavori che non hanno la pretesa di opere d’arte, ma che fanno parte degli stimoli a immaginare e sognare oltre la realtà, un’altra realtà. Insomma, quelle visioni che hanno nel tempo classico sollecitato le ‘aspirazioni’ degli artisti, nel tempo moderno le ‘ossessioni’ degli stessi, e a dar forma sensibile alle une e alle altre, fino al tempo presente, ove si verifica un vero e proprio capovolgimento. Oggi, ci sembra dire Gioni, è la realtà ordinaria a offrire su una tavola imbandita una pletora di immagini e visioni per l’uso quotidiano, e che tutte ci colpiscono senza possibilità di sfuggirle e che l’artista dovrebbe semmai attraversare restando indenne, come Mosè il Mar Rosso.”

La Mostra è ispirata all’utopistica idea creativa di Marino Auriti che nel 1955 depositò all’ufficio brevetti statunitense il progetto di un Palazzo Enciclopedico, un museo immaginario che avrebbe dovuto ospitare tutto il sapere dell’umanità. Auriti progettò un edificio di 136 piani che avrebbe dovuto raggiungere i 700 metri di altezza e occupare più di 16 isolati della città di Washington. “L’impresa rimase incompiuta – racconta Massimiliano Gioni – ma il sogno di una conoscenza universale e totalizzante attraversa la storia dell’arte e dell’umanità e accomuna personaggi eccentrici come Auriti a molti artisti, scrittori, scienziati e profeti che hanno cercato – spesso in vano – di costruire un’immagine del mondo capace di sintetizzarne l’infinita varietà e ricchezza. Oggi, alle prese con il diluvio dell’informazione, questi tentativi di strutturare la conoscenza in sistemi omnicomprensivi ci appaiono ancora più necessari e ancor più disperati.”

“Sfumando le distinzioni tra artisti professionisti e dilettanti, tra outsider e insider, l’esposizione adotta un approccio antropologico allo studio delle immagini, concentrandosi in particolare sulle funzioni dell’immaginazione e sul dominio dell’immaginario. Quale spazio è concesso all’immaginazione, al sogno, alle visioni e alle immagini interiori in un’epoca assediata dalle immagini esteriori? E che senso ha cercare di costruire un’immagine del mondo quando il mondo stesso si è fatto immagine?”

Il Palazzo Enciclopedico indaga il desiderio di sapere e vedere tutto: è una mostra sulle ossessioni e sul potere trasformativo dell’immaginazione. La mostra si apre al Padiglione Centrale ai Giardini con una presentazione del Libro Rosso di Carl Gustav Jung. “Nei vasti spazi dell’Arsenale – ridisegnati per l’occasione in collaborazione con l’architetto Annabelle Selldorf – l’esposizione è organizzata secondo una progressione dalle forme naturali a quelle artificiali, seguendo lo schema tipico delle wunderkammer cinquecentesche e seicentesche.” Dalle numerose opere ed espressioni figurative in mostra, che includono film, fotografie, video, bestiari, labirinti, tavole enciclopediche, performance e installazioni, “emerge una costruzione complessa ma fragile, un’architettura del pensiero tanto fantastica quanto delirante.”

“Il Palazzo Enciclopedico – conclude Gioni – è una mostra in cui si rende manifesta una condizione che condividiamo tutti, e cioè quella di essere noi stessi media, di essere conduttori di immagini, di essere persino posseduti dalle immagini.”

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 Il catalogo e la guida

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Il catalogo della 55. Esposizione si compone di due volumi (pp. 756): il primo, dedicato all’Esposizione Internazionale, contiene riproduzioni delle opere degli artisti in Mostra, testi monografici sugli artisti partecipanti e una sezione speciale di saggi, coordinati da Sina Najafi e Jeffrey Kastner della rivista Cabinet, nella quale storici dell’arte, filosofi, accademici e scrittori affrontano, descrivono e discutono varie forme di ossessione, sistemi di conoscenza, avventure del sapere e altri viaggi dell’immaginazione. Il secondo volume è dedicato alle Partecipazioni Nazionali e agli Eventi Collaterali. La guida completa e dettagliata alla Mostra (pp. 304) è uno strumento indispensabile per la visita: contiene scritti monografici su tutti gli artisti invitati alla 55. Esposizione e include oltre 150 voci, testi e informazioni utili su tutti i Padiglioni Nazionali e gli Eventi Collaterali. Entrambi i prodotti editoriali sono realizzati da Marsilio Editori.

Le giornate di vernice e gli appuntamenti organizzati nel corso della 55. Esposizione saranno documentati in un ampio palinsesto composto da reportage e video-interviste realizzato da Ultrafragola tv, visibile sul Mediacenter del sito istituzionale www.labiennale.org.

Biennale Venezia 2013 Padiglione Olanda
Biennale Venezia 2013 Padiglione Olanda

Cataloghi, collezioni e tassonomie più o meno impazzite sono alla base di molte opere in mostra tra cui le fotografie di J.D. ‘Okhai Ojeikere, le installazioni di Uri Aran, i video di Kan Xuan, i bestiari di Shinichi Sawada e i labirinti di Matt Mullican. Paweł Althamer compone un ritratto corale con una serie di novanta sculture.L’esposizione raccoglie numerosi esempi di opere ed espressioni figurative che illustrano diverse modalità di visualizzare la conoscenza attraverso rappresentazioni di concetti astratti e manifestazioni di fenomeni sopranaturali. Nelle sale del Padiglione Centrale i quadri astratti di Hilma af Klint, le interpretazioni simboliche dell’universo di Augustin Lesage, le divinazioni di Aleister Crowley si intrecciano alle opere di artisti contemporanei. Ma Il Palazzo Enciclopedico non è una mostra sull’occultismo o sull’artista come medium: è una mostra in cui attraverso questi esempi si rende manifesta una condizione che condividiamo tutti, e cioè quella di essere noi stessi media, di essere conduttori di immagini, di essere persino posseduti dalle immagini.

I disegni estatici delle comunità Shaker trascrivono messaggi divini, mentre quelli degli sciamani delle Isole Salomone sono popolati da demoni e divinità in lotta con pescecani e creature marine. La rappresentazione dell’invisibile è uno dei temi centrali della mostra e ritorna nelle cosmografie di Guo Fengyi e in quelle di Emma Kunz, nelle icone religiose e nelle danze macabre di Jean- Frédéric Schnyder e nel video di Artur Żmijewski che filma un gruppo di non vedenti che dipingono il mondo a occhi chiusi. L’idea che l’immagine sia un’entità viva, pulsante, dotata di poteri magici e capace di influenzare, trasformare, persino guarire l’individuo e l’intero universo oggi ci appare come una concezione datata, offuscata da superstizioni arcaiche. Eppure come negare il potere talismanico dell’immagine quando ancora portiamo nei nostri cellulari le immagini dei nostri cari?

Un simile senso di stupore cosmico pervade molte altre opere in mostra, dai film di Melvin Moti alle riflessioni sulla natura di Laurent Montaron, fino alle sublimi vedute di Thierry De Cordier. Le piccole ceramiche di Ron Nagle, le intricate geometrie floreali di Anna Zemánková, le mappe immaginarie di Geta Brătescu e i palinsesti dipinti di Varda Caivano descrivono un mondo interiore dove forme naturali e presenze immaginarie si sovrappongono. Queste corrispondenze segrete tra micro e macrocosmo ritornano nelle figure ieratiche di Marisa Merz e in quelle assai più carnali di Maria Lassnig: entrambe trasformano autoritratti e corpi in cifre dell’universo.

L’esercizio dell’immaginazione attraverso la scrittura e il disegno è uno dei temi ricorrenti nell’esposizione che, accanto alle opere di artisti contemporanei, raccoglie le sperimentazioni visive di alcuni celebri autori del Novecento, dagli esseri inventati da Jorge Luis Borges e illustrati dall’artista Christiana Soulou, passando per i diari di Franz Kafka tradotti in immagini da José Antonio Suárez Londoño. La collezione di pietre dello scrittore francese Roger Caillois combina geologia e misticismo, mentre le lavagne disegnate dal pedagogo Rudolf Steiner tracciano diagrammi impazziti che inseguono il desiderio impossibile di descrivere e comprendere l’intero universo.

Il Palazzo Enciclopedico è una mostra sulle ossessioni e sul potere trasformativo dell’immaginazione. Artisti assai diversi quali Morton Bartlett, James Castle, Peter Fritz e Achilles Rizzoli hanno passato la vita a progettare mondi alternativi. La tensione tra interno ed esterno, tra inclusione ed esclusione è il soggetto di una serie di opere che indagano il ruolo dell’immaginazione nelle carceri (Rossella Biscotti) e negli ospedali psichiatrici (Eva Kotátková). Altri spazi di reclusione – più o meno fantastici – sono quelli disegnati da Walter Pichler che per tutta la vita ha progettato abitazioni e case per le sue sculture, quasi fossero creature viventi provenienti da un altro pianeta.

Nei vasti spazi dell’Arsenale – ridisegnati per l’occasione – l’esposizione è organizzata secondo una progressione dalle forme naturali a quelle artificiali, seguendo lo schema tipico delle wunderkammer cinquecentesche e seicentesche. In questi musei delle origini – non dissimili dal Palazzo sognato da Auriti – curiosità e meraviglia si mescolavano per comporre nuove immagini del mondo fondate su affinità elettive e simpatie magiche. Questa scienza combinatoria – basata sull’organizzazione di oggetti e immagini eterogenee – non è poi dissimile dalla cultura dell’iper- connettività contemporanea.

Dal Liber Novus di Jung, passando per gli assemblage di Shinro Ohtake fino ai volumi di Xul Solar, la mostra celebra il libro – questo oggetto ormai a rischio di estinzione – come spazio-rifugio, luogo della conoscenza, strumento di auto-esplorazione e via di fuga nel dominio del fantastico. Yüksel Arslan disegna le tavole enciclopediche di una civiltà immaginaria che assomiglia a una versione non troppo distorta dell’umanità. L’ambizione di creare un opus magnum – un’opera che, come il Palazzo di Auriti, contenga e racconti tutto – attraversa i disegni di Arslan e le illustrazioni della Genesi di R. Crumb, le cosmogonie di Frédéric Bruly Bouabrée e le leggende descritte da Papa Ibra Tall. Nel suo nuovo video Camille Henrot studia i miti di creazione di diverse società, mentre le centinaia di sculture di creta di Fischli e Weiss forniscono un antidoto ironico agli eccessi romantici delle visioni più totalizzanti.

Nei disegni di Stefan Bertalan, Lin Xue e Patrick Van Caeckenbergh, assistiamo a tentativi ostinati di decrittare il codice della natura, mentre i film di Gusmão e Paiva, le fotografie di Christopher Williams e dei pionieri Eliot Porter e Eduard Spelterini scrutano ecosistemi e paesaggi con lo sguardo meravigliato di chi vuole catturare lo spettacolo del mondo.

I video di Neïl Beloufa e Steve McQueen e i quadri di Eugene Von Breunchenhein immaginano diversi modi di visualizzare il futuro mentre il ricordo del passato e la memoria sono il punto di partenza per le opere di Aurélien Froment, Andra Ursuta e altri artisti in mostra.

Al centro dell’Arsenale l’artista Cindy Sherman presenta un progetto curatoriale – una mostra nella mostra, composta da più di duecento opere di oltre trenta artisti – in cui è messo in scena un suo personale museo immaginario. Bambole, pupazzi, manichini e idoli si mescolano a collezioni di fotografie, dipinti, sculture, decorazioni religiose e tele disegnate da carcerati che insieme compongono un teatro anatomico nel quale sperimentare e riflettere sul ruolo che le immagini hanno nella rappresentazione e percezione del sé. La parola “immagine” contiene nella sua etimologia una prossimità profonda con il corpo e con la morte: in latino l’imago era la maschera di cera che i romani creavano come calco per preservare il volto dei defunti.

Di corpi e desideri ci parlano anche il nuovo video di Hito Steyerl sulla cultura dell’iper-visibilità e il nuovo reportage di Sharon Hayes che presenta un remake girato in America di Comizi D’Amore, il film inchiesta sulla sessualità di Pier Paolo Pasolini. Il desiderio di verità inseguito da Pasolini stesso in tutta la sua carriera è ricordato nel monumento dedicatogli da Richard Serra.

Quelli sognati da Evgenij Kozlov sono corpi agitati da fantasie di un adolescente inquieto, che non stonano accanto alle matrone procaci di Friedrich Schröder-Sonnenstern o vicino ai guardoni di Kohei Yoshiyuki. Questa tensione scopofiliaca contraddistingue anche i quadri di Ellen Altfest che scruta i corpi dei suoi soggetti con uno sguardo lenticolare, come se volesse catturare e conoscere il mondo poco a poco, centimetro di epidermide dopo centimetro di epidermide.

I corpi post-umani e smaterializzati di Ryan Trecartin introducono alla sezione finale dell’Arsenale in cui opere di Yuri Ancarani, Alice Channer, Simon Denny, Wade Guyton, Channa Horwitz, Mark Leckey, Helen Marten, Albert Oehlen, Otto Piene, James Richards, Pamela Rosenkranz, Stan VanDerBeek e altri esaminano la combinazione di informazione, spettacolo e sapere tipica dell’era digitale.

A fare da contrasto al rumore bianco dell’informazione, un’installazione di Walter De Maria esalta la purezza silenziosa e algida della geometria. Come tutte le opere di questo artista leggendario – figura fondamentale dell’arte concettuale, minimalista e della land art – questa scultura astratta è il risultato di complessi calcoli numerologici, sintesi estrema delle infinite possibilità dell’immaginazione.

Una serie di progetti in esterni di John Bock, Ragnar Kjartansson, Marco Paolini, Erik van Lieshout e altri completa il percorso della mostra che si snoda fino alla fine dell’Arsenale, nel cosiddetto Giardino delle Vergini. Alcune di queste performance e installazioni si ispirano alla tradizione cinquecentesca dei “teatri del mondo”, rappresentazioni allegoriche del cosmo in cui attori e architetture effimere erano usate per costruire immagini simboliche dell’universo.

Da queste e molte altre opere in mostra, Il Palazzo Enciclopedico emerge come una costruzione complessa ma fragile, un’architettura del pensiero tanto fantastica quanto delirante. Dopo tutto, il modello stesso delle esposizioni biennali nasce dal desiderio impossibile di concentrare in un unico luogo gli infiniti mondi dell’arte contemporanea: un compito che oggi appare assurdo e inebriante quanto il sogno di Auriti.

il sole 24 ore

CHI E’ MASSIMILIANO GIONI?

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Massimiliano Gioni (Busto Arsizio, 1973) è curatore e critico di arte contemporanea.

Direttore artistico della Fondazione Nicola Trussardi di Milano, Gioni è Associate Director e

Director of Exhibitions del New Museum of Contemporary Art di New York.

Nel 2010 ha diretto la 8. Biennale di Gwangiu essendone il più giovane direttore nonché il primo europeo.

Nel 2003 ha curato la mostra “La Zona” per la 50. Esposizione Internazionale d’Arte della Biennale di Venezia; nel 2004 è stato il co-curatore della biennale di arte contemporanea itinerante Manifesta 5 e nel 2006 ha curato la 4. Biennale di Berlino in collaborazione con l’artista Maurizio Cattelan e la curatrice Ali Subotnick. Con Cattelan e Subotnick ha fondato la rivista Charley e lo spazio no profit The Wrong Gallery, inizialmente allestita nel 2002 a New York e ospitata nel 2005 alla Tate Modern di Londra.

Gioni ha curato innumerevoli mostre collettive – tra cui si ricordano “Ghosts in the Machine”, “Ostalgia” e “After Nature” al New Museum – e mostre personali di, tra gli altri, Pawel Althamer, Tacita Dean, Urs Fischer, Fischli e Weiss, Paul McCarthy, Pipilotti Rist, Anri Sala, Tino Sehgal, Paola Pivi.

Caporedattore della rivista Flash Art a New York dal 2000 al 2003, Gioni ha collaborato con importanti riviste d’arte contemporanea tra cui Artforum, Art Press, Frieze, Parkett e pubblicato saggi e cataloghi con Charta, Mondadori, Phaidon, Les Presses du Reel e Rizzoli.

Azerbaijan
Azerbaijan

AZERBAIJAN

Da Baku a Venezia: 6 artisti contemporanei dalla terra del fuoco. All’incrocio tra Oriente e Occidente, l’Azerbaijan è circondato da molti Paesi, genti e culture diverse: arabi, cinesi, russi, slavi ecc…

From Baku to Venice : six contemporary artists from the land of fire.At the crossroads of Orient and Occident, Azerbaijan is surrounded by many countries and different cultures. The inhabitants have always been in contact with merchants – Arab, Chinese, Russian, Slavic etc

Nota 1: a breve pubblicheremo le foto di altri lavori.

-Nota 2: l’articolo “Mostre e…” è stato aggiornato con aggiunte di nuove foto sulla mostra “Oltre Sant’Elia” a Como, Villa Olmo.

Inoltre, nell’articolo, è presente un accenno ad una precisa relazione, della quale nulla ha scritto la stampa specializzata, con l’attuale Biennale.

Per un eventuale interesse turistico-culturale vedi anche l’articolo sulla città di Como e dintorni.

La 55. Esposizione Internazionale d’Arte è realizzata anche con il sostegno di Swatch, partner della manifestazione, e di Enel, Japan Tobacco International, Foscarini, Vela-Hello Venezia, illycaffè, Ferrovie dello Stato Italiane e Gi Group.
Ringraziamenti a Cleary Gottlieb Steen & Hamilton LLP.

Azerbaijan
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VARIE DALLA BIENNALE 2013

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BUNKER ROY SECONDO “TIME” E’ UNO DEI CENTO UOMINI PIU’ INFLUENTI AL MONDO.

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BUNKER ROY SECONDO “TIME” E’ UNO DEI CENTO UOMINI PIU’ INFLUENTI AL

MONDO.

In Rajasthan in sei mesi le donne di tutto il mondo, con il viaggio pagato dallo stato indiano, possono imparare a costruire un impianto fotovoltaico.

Benefattori di tutto il mondo inviano, gratuitamente, grandi casse di pannelli solari a tutti gli indirizzi delle allieve, le quali, una volta tornate dal corso,  possono montarli e dare la luce di notte a chi abita nei dintorni. Senza più dipendere dalle costose lampade a petrolio o altro.

Inoltre dove arriva la luce gratuita di notte la gente scopre che può fare altro, oltre a numerosi figli, infatti in quei luoghi si è rilevata un decremento demografico.

Si chiama Barefoot College la scuola indiana dove le donne più povere del mondo diventano quasi degli ingegneri solari.

Al Barefoot College (che significa Università dei piedi scalzi) possono accedere solo persone che vivano con meno di un dollaro al giorno.

Sino ad ora in questa università si sono laureate (in prevalenza) donne  provenenti da 54 tra i Paesi più arretrati del mondo che, a loro volta,  hanno insegnato ad altre.

In Africa le abitazioni attualmente illuminate con questo metodo sono già 20 mila.

Bunker Roy è l’attivista filantropo indiano che, dal 2010, il settimanale Times ha incluso tra le cento persone più influenti al modo.

In quarant’anni Bunker Roy ha addestrato, a vari mestieri, tre milioni di persone; ha così dimostrato come anche persone analfabete siano in grado di imparare professioni importanti.

Bunker Roy dice del suo lavoro: ” Scelgo donne tra i 35 e 50 anni…le più mature che riportano il loro sapere ad altre donne e non si precipitano, come farebbero molti uomini,  a vendere quanto ricevuto gratuitamente e a bere in città tutti i guadagni.

 

 

 

MINIARTEXTIL COMO: SEMPRE PIU’ INTERNAZIONALE, SEMPRE PIU’ INTERESSANTE !

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MINIARTEXTIL COMO: SEMPRE PIU’ INTERNAZIONALE, SEMPRE PIU’

INTERESSANTE !

Al bando dei minitessili per EROS miniartextil 2013hanno risposto 430 artisti da 43 nazioni diverse, a conferma della forte vocazione internazionale della manifestazione. Un dato rilevante di questa edizione è l’adesione di numerosi giovani artisti, che hanno colto la possibilità di far parte di un progetto riconosciuto a livello mondiale e l’occasione di esporre una propria opera in location prestigiose a Como, Venezia, Montrouge e Milano. Tra i paesi più rappresentati ci sono Giappone, Argentina e Polonia. Arte&Arte sta inoltre valutando in questi giorni il lavoro di artisti internazionali che saranno chiamati a realizzare le installazioni site specific nelle sale affrescate di Villa Olmo.

Arte&Arte
Via Pannilani 23
I-22100 Como
tel-fax +39.031.305621
www.miniartextil.it
artearte@miniartextil.it

Interpretate l’amore con l’Ophelia di Coco

L’amore espresso nell’opera di Giuseppe Coco sta coinvolgendo sempre più i visitatori che in questi giorni si recano al Palazzo del Broletto nel cuore di Como. La mostra personale dell’artista, Ophelia The garden of love, è aperta fino a domenica 14 luglio. La gallery fotografica dell’inaugurazione è disponibile sulla pagina FB dell’artista. Info: www.giuseppecoco.net

 

Partecipa anche tu alla realizzazione del catalogo EROS MINIARTEXTIL 2013.

L’Associazione Arte&Arte vuole coinvolgere gli amici e gli amanti dell’arte in una raccolta fondi subuonacausa.org per la realizzazione del catalogo della mostraEROS miniartextil 2013, che si terrà dal 12 ottobre 2013 a Villa Olmo a Como. In questo modo intendiamo avvicinarci al nostro pubblico e arricchirlo con sempre nuovi amici che possano contribuire alla riuscita della manifestazione e sostenere anche in futuro, con un piccolo gesto, l’attività dell’Associazione culturale. Ognuno è libero di donare la cifra che desidera. Per fare un ringraziamento particolare abbiamo previsto dei benefici per chi dona una cifra importante, sopra i 50 euro. Partecipa alla nostra raccolta fondiSTAMPIAMO IL CATALOGO DI 2013 EROS MINIARTEXTIL

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