https:\/\/twentyoneart.com\/<\/a>.<\/p>\nMario Ceroli nasce a Castel Frentano (Chieti) nel 1938 e si forma all’Istituto d’Arte di Roma.<\/strong> Dopo le prime esperienze nella ceramica, nel 1956 adotta il legno come materiale d’elezione. A partire dal 1964<\/strong> espone alla Galleria La Tartaruga di Roma,<\/strong> consolidando la propria presenza nel panorama nazionale. Nel 1966 vince il Premio Gollin alla Biennale di Venezia. Dopo un soggiorno a New York, rientra in Italia e partecipa con il gruppo dell’Arte Povera a importanti esposizioni tra Roma e Genova. Dal 1968 estende la propria attivit\u00e0 alla scenografia teatrale, cinematografica e televisiva. Partecipa alle rassegne romane Teatro delle mostre (Galleria La Tartaruga, 1968) e Vitalit\u00e0 del negativo nell’arte italiana 1960\/70 (Palazzo delle Esposizioni, 1970). Tra i progetti antologici a lui dedicati, si annoverano quelli al Salone delle Scuderie della Pilotta (Parma, 1969) e Forte Belvedere (Firenze, 1983). \u00c8 invitato a sei Biennali di Venezia e a quattro Quadriennali d’arte di Roma. Nel 2007, in occasione della riapertura del Palazzo delle Esposizioni di Roma, gli viene dedicata una grande retrospettiva. Nel corso della carriera realizza importanti allestimenti sacri e monumentali in diverse citt\u00e0 italiane. Nel 2024 Palazzo Citterio a Milano apre al pubblico la Grande Brera con la mostra Mario Ceroli. La forza di sognare ancora. Nel 2025 la Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea di Roma dedica a Mario Ceroli la grande retrospettiva Ceroli Totale.<\/p>\nNato nel 1966 a Batman, in Turchia, Ahmet G\u00fcne\u015ftekin<\/strong> \u00e8 un artista multidisciplinare la cui ricerca intreccia cultura orale, mitologia e memoria collettiva. La sua produzione – tra pittura, scultura, installazione e video – affronta temi come assenza, memoria (intesa anche come spazio politico e di conflitto), identit\u00e0, migrazione e contro-memoria.<\/strong> Tra i progetti pi\u00f9 significativi figurano Yoktunuz (Eravate Assenti, 2017), dedicato alle narrazioni invisibili, G\u00e2vur Mahallesi (Infidel Quarter, 2022), incentrato su esodi forzati e fratture culturali, e la mostra Kay\u0131p Alfabe (Alfabeto perduto, 2025), presentata all’Art\u0130stanbul Feshane di Istanbul, che esplora linguaggi e simboli perduti attraverso materiali come pietra e metallo. Nello stesso anno, Yoktunuz \u00e8 stata esposta alla Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea di Roma. Ahmet G\u00fcne\u015ftekin ha presentato mostre in musei, gallerie, fiere d’arte e biennali in molte citt\u00e0 del mondo, tra cui Berlino, New York, Venezia e Vienna. Le sue opere fanno parte di collezioni istituzionali e private sia in Turchia che a livello internazionale. Nel 2026 inaugurer\u00e0 a Venezia la personale Sessizlik (Silenzio), presso Palazzo Gradenigo, futura sede della Fondazione G\u00fcne\u015ftekin, destinata a diventare una piattaforma per mostre ed eventi internazionali.<\/p>\nJan Fabre \u00e8 un artista visivo e performativo, creatore teatrale e autore belga<\/strong>, tra le figure pi\u00f9 influenti della scenacontemporanea internazionale. Nato ad Anversa nel 1958, si forma presso l’Istituto di Arti Decorative e successivamente alla Royal Academy of Fine Arts della sua citt\u00e0.<\/strong> Fin dagli esordi, negli anni Ottanta, sviluppa una pratica multidisciplinare che attraversa disegno, scultura, performance, installazione, film e teatro,<\/strong> con una forte tensione verso il concetto di metamorfos<\/strong>i. La sua ricerca esplora i confini tra vita e morte, bellezza e crudelt\u00e0, eros e spiritualit\u00e0, dove il corpo ha un posto centrale, utilizzando anche materiali inconsueti come gusci di scarabeo, sangue, ossa e fluidi corporei. L’opera di Fabre si distingue per una dimensione visionaria e teatrale, in cui l’elemento estetico convive con una riflessione etica ed esistenziale. Fabre ha esposto in importanti istituzioni internazionali, tra cui la Kunsthaus di Bregenz (2008), il Kr\u00f6ller-M\u00fcller Museum (2011), il MAXXI di Roma (2013), il MAC di Lyon (2016), Leopold Museum a Vienna (2017) etc.; \u00e8 stato il primo artista vivente ad avere una mostra personale al Louvre di Parigi (2008) e al Museo di Stato Ermitage di San Pietroburgo (2016). Ha inoltre partecipato pi\u00f9 volte alla Biennale di Venezia, a Documenta a Kassel e ad altre rassegne internazionali. Le sue opere fanno parte di prestigiose collezioni pubbliche e private in Europa, Stati Uniti e Asia.<\/p>\n21Art \u00e8 una societ\u00e0 benefit fondata da Alessandro Benetton su un progetto dell’imprenditore Davide Vanin. Le gallerie che fanno capo a 21Art sono attualmente tre e hanno sede a Roma, Padova e Treviso. \u00c8 inoltre imminente l’apertura a Montecarlo e sono previste per il 2027 le inaugurazioni delle sedi Milano, Cortina d’Ampezzo e Jesolo. Ogni galleria crea la propria identit\u00e0 attraverso un intenso programma espositivo che prevede approfondimenti dedicati ad artisti emergenti e ad autori consolidati apprezzati a livello internazionale. Ad ogni sede di 21Art \u00e8 affiancato un Club – 21Art Club – ovvero un’innovativa community di collezionisti, artisti e operatori di settore. La diffusione delle gallerie di 21Art sul territorio, unita alla presenza di una solida e fidelizzata community di collezionisti, consente di condividere un sostegno strutturato e duraturo agli artisti. Questo modello favorisce un dialogo virtuoso tra artista, collezionista e territorio, rafforzando nel tempo un ecosistema culturale dinamico e condiviso. Le sedi di 21Art sono state oggetto di interventi ristrutturazione o riallestimento da parte del collettivo Fosbury Architecture, curatore del Padiglione Italia alla Biennale Architettura 2023.<\/p>\n","protected":false},"excerpt":{"rendered":"
21Art presenta il programma espositivo della primavera 2026: tre grandi mostre tra Treviso, Roma e la nuova sede di Montecarlo Mario Ceroli protagonista a Treviso<\/p>\n","protected":false},"author":1,"featured_media":159444,"comment_status":"open","ping_status":"open","sticky":false,"template":"","format":"standard","meta":[],"categories":[1916,15],"tags":[33227],"_links":{"self":[{"href":"https:\/\/www.donnecultura.eu\/index.php?rest_route=\/wp\/v2\/posts\/159440"}],"collection":[{"href":"https:\/\/www.donnecultura.eu\/index.php?rest_route=\/wp\/v2\/posts"}],"about":[{"href":"https:\/\/www.donnecultura.eu\/index.php?rest_route=\/wp\/v2\/types\/post"}],"author":[{"embeddable":true,"href":"https:\/\/www.donnecultura.eu\/index.php?rest_route=\/wp\/v2\/users\/1"}],"replies":[{"embeddable":true,"href":"https:\/\/www.donnecultura.eu\/index.php?rest_route=%2Fwp%2Fv2%2Fcomments&post=159440"}],"version-history":[{"count":4,"href":"https:\/\/www.donnecultura.eu\/index.php?rest_route=\/wp\/v2\/posts\/159440\/revisions"}],"predecessor-version":[{"id":159448,"href":"https:\/\/www.donnecultura.eu\/index.php?rest_route=\/wp\/v2\/posts\/159440\/revisions\/159448"}],"wp:featuredmedia":[{"embeddable":true,"href":"https:\/\/www.donnecultura.eu\/index.php?rest_route=\/wp\/v2\/media\/159444"}],"wp:attachment":[{"href":"https:\/\/www.donnecultura.eu\/index.php?rest_route=%2Fwp%2Fv2%2Fmedia&parent=159440"}],"wp:term":[{"taxonomy":"category","embeddable":true,"href":"https:\/\/www.donnecultura.eu\/index.php?rest_route=%2Fwp%2Fv2%2Fcategories&post=159440"},{"taxonomy":"post_tag","embeddable":true,"href":"https:\/\/www.donnecultura.eu\/index.php?rest_route=%2Fwp%2Fv2%2Ftags&post=159440"}],"curies":[{"name":"wp","href":"https:\/\/api.w.org\/{rel}","templated":true}]}}
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