come la materia \u2013 spesso considerata insensibile, immobile o \u201cmorta\u201d \u2013 influenzi in maniera significativa la vita culturale, le relazioni sociali e le strutture di potere. <\/strong><\/li>\n<\/ul>\nMettere in discussione la fragile divisione tra animato e inanimato<\/strong> permette di sfidare gerarchie consolidate, aprendo a concezioni in cui soggetti, oggetti, esseri umani e animali sono parte di relazioni dinamiche<\/strong>.<\/p>\nAnimacies diviene cos\u00ec<\/p>\n
\n- uno strumento per osservare ingiustizie, discriminazioni e relazioni di potere<\/strong>, anche in contesti apparentemente neutri.<\/li>\n<\/ul>\n
Le opere in mostra declinano Animacies in modi differenti, mostrando come tessuti, piante o alimenti possano porsi come agenti di memoria, trasformazione e relazione,<\/strong> esplorando la potenza culturale e politica, ma anche simbolica e spirituale, della materia.<\/p>\n\nIl percorso espositivo si apre con i lavori di Shivanjani\u202fLal (1982, Figi; vive a Sydney).<\/strong> Tessuti e oggetti quotidiani diventano veicoli<\/strong> per rievocare le storie dei \u201cGirmitiya\u201d, lavoratori e lavoratrici deportati dall\u2019India durante l\u2019Ottocento e l\u2019inizio del Novecento<\/strong> verso colonie come le Mauritius, i Caraibi e le Isole Figi, suo luogo di nascita.<\/strong> Nell\u2019installazione esposta, Mere Porvaj [I Am Remembering] (2024) l\u2019artista<\/p>\n\n- ricorda in particolare il lavoro \u2013 spesso dimenticato \u2013 delle donne<\/strong>, aprendo una riflessione sulla memoria e su chi ha il diritto di ricordare e di essere ricordato.<\/li>\n<\/ul>\n
Proseguendo, si incontrano elementi vegetali proposti in qualit\u00e0 di forze attive capaci di connettere corpi, culture e memorie. In particolare, l\u2019installazione<\/p>\n
\n- Not Your Ornament (2023) e il video Becoming Stickiness (2023) del collettivo Mai Ling (fondato a Vienna nel 2019) sfidano gli stereotipi razzisti e sessisti occidentali sulla femminilit\u00e0 asiatica,<\/strong> spesso ridotta a \u201coggetto decorativo\u201d.<\/li>\n<\/ul>\n
Al centro dei lavori c\u2019\u00e8 il kudzu, pianta originaria dell\u2019Asia orientale e sudorientale, usata tradizionalmente in ambito tessile, alimentare e medico.<\/strong><\/p>\nIntrodotta alla fine del XIX secolo negli Stati Uniti e in Europa come ornamento<\/strong>, \u00e8 oggi considerata infestante nella maggior parte del mondo occidentale.<\/p>\nMai Ling celebra le qualit\u00e0 trasformative, adesive e resilienti del kudzu, adottandolo come agente di connessione tra storie migratorie e atti di cura collettiva<\/strong> e invitando il pubblico a ripensare le narrazioni imposte.<\/p>\nChathuri Nissansala (1983, Colombo; vive ad Amsterdam)<\/strong> \u00e8 presente con tre nuove opere, che si integrano in un\u2019unica installazione ambientale. Nella sua pratica l\u2019artista costruisce un quadro di narrazioni legate al<\/p>\n\n- trauma intergenerazionale, alla violenza coloniale ed etnografica e alle questioni di identit\u00e0 di genere, con particolare riferimento alla storia dello Sri Lanka<\/strong> e alle sue eredit\u00e0 conflittuali. Chathuri Nissansala realizza anche una performance in occasione dell\u2019inaugurazione di Animacies.<\/li>\n<\/ul>\n
Nei lavori di Jennifer Tee (1973, Arnhem; vive ad Amsterdam)<\/strong>, presente in mostra con sculture, installazioni e collage, le piante tornano a ricoprire un ruolo centrale. Ad esempio, nella serie Tampan Tulips (2023),<\/p>\n\n- l\u2019artista trasforma petali di tulipano in tessuti simbolici.<\/strong> I petali richiamano la storia del fiore,<\/li>\n
- originario dell\u2019Asia centrale e divenuto icona dei Paesi Bassi dal XVII secolo,<\/strong> e si combinano con i motivi dei tessuti cerimoniali indonesiani \u201cTampan\u201d,<\/strong> che spesso raffigurano navi trasformate in alberi della vita, simboli del viaggio dell\u2019anima.<\/li>\n<\/ul>\n
La nave e il tulipano richiamano anche il percorso migratorio della famiglia di Tee,<\/strong> arrivata in Olanda dall\u2019Indonesia via mare negli anni Cinquanta, unendo memoria collettiva e personale.<\/p>\nAl terzo piano della Kunsthaus incontriamo l\u2019installazione Redeem (2020\u2013in corso) di Ashfika Rahman (1988, Dhaka, dove vive attualmente)<\/strong>, un grande ricamo su tessuto. Rielaborando fonti riprese da archivi storici, la pratica di Rahman punta a<\/p>\n\n- dare voce alle comunit\u00e0 marginalizzate nel Bangladesh.<\/strong> In particolare, questa serie nasce da un progetto collaborativo che esplora le conversioni religiose nelle comunit\u00e0 indigene Santal e Oraon.<\/li>\n<\/ul>\n
L\u2019opera combina ricamo, materiali raccolti sul posto e simboli cromatici per raccontare storie di appartenenza, trasformazione<\/strong> e relazioni complesse all\u2019interno di queste comunit\u00e0.<\/p>\nLe sculture zoomorfe della serie nella 15 Faces (2024-in corso) di Bekhbaatar Enkhtur (1994, Ulaanbaatar; vive a Torino)<\/strong> sono ispirate a miti e tradizioni del suo paese d\u2019origine, la Mongolia. Come raccontato dall\u2019artista stesso, la radice di numerose sue opere \u00e8 nel ricordo d\u2019infanzia di<\/p>\n\n- un piccolo altare familiare dedicato a una divinit\u00e0<\/strong>: \u201cQuesta esperienza\u201d \u2013 ha affermato \u2013 \u201cha acceso in me<\/li>\n
- una riflessione profonda su come, in quel contesto, una semplice scultura potesse essere trattata come un essere vivente,<\/strong> dotato di un\u2019anima\u201d.<\/li>\n<\/ul>\n
Il percorso espositivo si conclude con un\u2019opera realizzata a partire da un prodotto vegetale molto comune, ampiamente diffuso anche nella distribuzione locale e spesso presente nella nostra alimentazione: l\u2019olio di palma. Il murales site-specific di Elia\u202fNurvista (1983, Yogyakarta; vive tra Yogyakarta e Berlino)<\/strong> \u2013 che rientra nella serie in corso dal 2020 Long Hanging Fruits \u2013<\/p>\n\n- parte dalla storia coloniale di questo alimento (la palma da olio, proveniente dall\u2019Africa, venne introdotta in Indonesia dai colonizzatori olandesi),<\/strong> per raccontare<\/li>\n
- le conseguenze devastanti,<\/strong> sia in termini sociali che ecologici,<\/li>\n
- della sua coltivazione industriale.<\/strong><\/li>\n<\/ul>\n
\nIn tutte le opere esposte, la materia non \u00e8 quindi mai qualcosa di passivo, ma una forza che agisce, rievoca, trasforma. Animacies propone uno sguardo plurale e relazionale, assumendola come strumento critico per ripensare la storia e la contemporaneit\u00e0.<\/p>\n
Animacies apre la terza e ultima annualit\u00e0 del programma triennale The Invention of Europe. A Tricontinental Narrative (2024\u20132027), curato per la Kunsthaus da Lucrezia Cippitelli e Simone Frangi, che si confronta criticamente con la concezione monolitica dell\u2019Europa e ne mette in discussione le narrazioni consolidate.<\/p>\n
La partecipazione di Jennifer Tee \u00e8 sostenuta dall’Ambasciata e Consolato Generale del Regno dei Paesi Bassi.<\/p>\n
INFORMAZIONI AL PUBBLICO
\nAnimacies
\n14 giugno \u2013 11 ottobre 2026
\nKunst Meran Merano Arte, Merano
\nvia Portici 163<\/p>\n
Orari di apertura:
\nMar 10\u201318h
\nMer 10\u201318h
\nGio 10\u201320h
\nVen 10\u201318h
\nSab 10\u201318h
\nDom e festivi 11\u201318h<\/p>\n
Biografie curatori<\/p>\n
Lucrezia Cippitelli (Roma, 1974), Ph.D, ricercatrice e curatrice, co-direttrice di Arthub. Recentemente \u00e8 stata direttore artistico di Ateliers Picha (Repubblica Democratica del Congo, 2019-2022), il programma educativo a lungo termine e site-specific di Picha (l’organizzazione guidata da artisti che gestisce la Biennale di Lubumbashi) e curatrice della 7a Biennale di Lubumbashi. Ha curato la Biennale Interactiva (Merida, Messico, 2005 e 2007) e la seconda Biennale di Bucaramanga Desde aqui (Colombia, 2015). La sua ricerca e la sua pratica curatoriale si concentrano sull’educazione radicale, la cultura DIY, la site-specificity e il collettivismo, con particolare attenzione alle epistemologie del Sud globale. Ha diretto l’avvio di un Media Lab a L’Avana (Alamar Express Lab, con Omni Zonafranca, Cuba, e Inventati, Italia, 2005-2007); un laboratorio per la produzione artistica site-specific a Khartoum (Khartoum Art Lab, Sudan, 2010-2012); un Master in Arti Visive presso la Alle School of Arts and Design – Addis Ababa University (2011-2016). \u00c8 professore di Estetica all’Accademia di Brera, Milano, e ha recentemente curato la mostra Sammy Baloji. K(C)ongo, Frammenti di dialoghi intrecciati. Classificazioni sovversive (Le Gallerie degli Uffizi, Firenze 2022) e Georges Senga, Comment un petit chasseur pa\u00efen devient pr\u00eatre catholique (Museo delle Civilt\u00e0, Roma, 2022). Recentemente \u00e8 stata coautrice del libro Colonialit\u00e0 e Culture Visuali in Italia, Mimesis 2021.<\/p>\n
Simone Frangi (Como, 1982) \u00e8 ricercatore, curatore e critico d\u2019arte. Ha conseguito un Dottorato di ricerca in Filosofia – Estetica e Teoria dell\u2019Arte in co-tutela internazionale presso Universit\u00e9 de Bourgogne – Dijon (FR) e Universit\u00e0 Degli Studi di Palermo (IT) e un Perfezionamento Filosofico in Teoria Critica della Societ\u00e0 presso l’Universit\u00e0 degli Studi di Milano – Bicocca. Dal 2013 al 2017 \u00e8 stato direttore artistico di Viafarini (Milano, IT). Dal 2013 co-dirige con Barbara Boninsegna Live Works – Free School of Performance presso Centrale Fies (Dro, Trento, IT). Con la stessa istituzione ha co-fondato la Agitu Ideo Gudeta Fellowship, sviluppata in dialogo con Mackda Ghebremariam Tesfau\u2019 (Razzismo Brutta Storia) e Justin Randolph Thompson (Black History Month Florence). Dal 2014 co-dirige con Alessandro Castiglioni A Natural Oasis? un programma di training curatoriale nomade nel Mediterraneo, attualmente alla quarta edizione. Dal 2013 \u00e8 professore di Teoria dell’arte e Cultura Visuale presso l’ESAD – Accademia di Belle Arti e Design di Grenoble (FR), dove ha fondato con Katia Schneller l’Unit\u00e0 di Ricerca “Hospitalit\u00e9 Artistique et Activisme Visuel: pour une Europe diaporique et post-occidentale” (2025 – in corso). Sempre con Katia Schneller ha fondato il Festival des Gestes de la Recherche (alla quarta edizione nel 2023), attualmente ospitato da Le Magasin – Centre National d\u2019Art Contemporain (Grenoble). Nel 2015 \u00e8 stato uno dei cinque curatori della X edizione del Premio Furla per l’Arte Contemporanea e nel 2016 uno dei dieci curatori della XVI Quadriennale di Roma. Nel 2018 \u00e8 stato guest curator a Museion, Bolzano (IT) con il progetto Somatechnics. Transparent travelers and obscure no-bodies Nel 2021 \u00e8 stato uno dei senior curators di School of Waters – MEDITERRANEA19, nel 2022 co-curatore della XXVI edizione del Premio Nazionale Arti Visive Gallarate al MA*GA e nominator del MAXXI BVLGARI PRIZE 2022. Nel 2021 \u00e8 stato uno dei tutor del programma VERSO della Fondazione Sandretto Re Rebaudengo (Torino, IT) ed \u00e8 attualmente nel comitato scientifico del progetto europeo DE.a.RE – Deconstruct and Rebuild (2022-2024). Tra le recenti pubblicazioni: Colonialit\u00e0 e Culture Visuali in Italia, co-curato con Lucrezia Cippitelli (Mimesis, 2021) e School of Waters. The Book, co-curato con Alessandro Castiglioni (Archive, 2021).<\/p>\n
Kunsthaus Merano
\nLa Kunsthaus Merano \u00e8 uno spazio di esposizione, mediazione, riflessione e discussione per l\u2019arte contemporanea e l\u2019architettura.
\nPonendosi tra le istituzioni attive da pi\u00f9 tempo e pi\u00f9 dinamiche nel territorio, la Kunsthaus propone un focus sulla produzione artistica e sulla promozione di un dibattito critico, con un forte radicamento locale e uno sguardo aperto al contesto internazionale.
\nUno degli scopi che portiamo avanti \u00e8 quello di contribuire in modo continuativo a una forma di riscrittura della storia dell\u2019arte e della cultura, locale e sovraregionale, basata sull\u2019integrazione tra narrazioni esistenti e prospettive marginalizzate o trascurate, con un\u2019attenzione particolare rivolta a quelle che si collocano al di fuori di canoni occidentali e eteronormativi.
\nSituata nel cuore di Merano, la Kunsthaus propone un programma articolato in mostre, eventi, progetti educativi e pubblicazioni. Ogni anno vengono prodotte fino a cinque mostre, sviluppate in stretta collaborazione con artisti e artiste, studi di architettura e persone attive nel contesto locale \u2013 spesso con produzioni site-specific. La programmazione interdisciplinare, l\u2019attiva attivit\u00e0 di mediazione, i programmi di residenza e le collaborazioni locali rendono la Kunsthaus un punto di incontro aperto a un ampio pubblico di tutte le et\u00e0.
\nIl nostro obiettivo non \u00e8 solo quello di esporre opere d\u2019arte, ma costruire insieme ad artiste e artisti, visitatrici e visitatori, uno spazio di esperienza condivisa, sociale, estetica e culturale. In questo modo diamo il nostro apporto nella definizione dell\u2019identit\u00e0 culturale di Merano e sosteniamo lo sviluppo della produzione artistica locale
\nLa Kunsthaus Merano si concepisce come una piattaforma indipendente per la pratica artistica contemporanea, saldamente radicata al territorio e, al contempo, connessa a una rete livello internazionale.<\/p>\n","protected":false},"excerpt":{"rendered":"
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