{"id":51147,"date":"2017-11-02T21:01:45","date_gmt":"2017-11-02T20:01:45","guid":{"rendered":"https:\/\/www.donnecultura.eu\/?p=51147"},"modified":"2017-11-05T19:27:16","modified_gmt":"2017-11-05T18:27:16","slug":"arte-a-bologna-biennale-fotoindustria-2017","status":"publish","type":"post","link":"https:\/\/www.donnecultura.eu\/?p=51147","title":{"rendered":"Arte a Bologna – BIENNALE FOTO\/INDUSTRIA 2017"},"content":{"rendered":"
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\"\"<\/a><\/p>\n

Yukichi Watabe<\/p>\n

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Mimmo-Jodice_Napoli – particolare<\/p>\n

\"\"<\/a><\/p>\n

Alexandre-Rodch<\/p>\n

BIENNALE FOTO\/INDUSTRIA BOLOGNA,<\/strong> TERZA EDIZIONE 12 OTTOBRE – 19 NOVEMBRE 2017<\/span><\/strong><\/p>\n

ETICA ED ESTETICA AL LAVORO<\/strong><\/p>\n

FOTO\/INDUSTRIA 2017 \u2013 Mostre e biografie<\/strong><\/p>\n

THOMAS RUFF, GERMANIA<\/p>\n

MACCHINA & ENERGIA A CURA DI URS STAHEL MAST. GALLERY
\nVia Speranza, 42<\/span><\/strong><\/p>\n

JOSEF KOUDELKA, CECOSLOVACCHIA (naturalizzato in Francia)<\/p>\n

PAESAGGI INDUSTRIALI<\/p>\n

Museo Civico Archeologico<\/strong><\/p>\n

Via dell\u2019Archiginnasio, 2<\/strong><\/p>\n

LEE FRIEDLANDER, USA<\/p>\n

AL LAVORO<\/p>\n

Fondazione del Monte<\/strong><\/p>\n

Palazzo Paltroni<\/strong>
\n Via delle Donzelle, 2<\/strong><\/p>\n

JOAN FONTCUBERTA (a cura di)<\/p>\n

SPUTNIK: L\u2019ODISSEA DEL SOYUZ II<\/p>\n

Palazzo Boncompagni<\/strong><\/p>\n

Via del Monte, 8<\/strong><\/p>\n

ALEXANDER RODCHENKO, RUSSIA<\/p>\n

IL MONDO INDUSTRIALE
\nNELLA COLLEZIONE DEL MUSEO DI ARTE MULTIMEDIALE DI MOSCA (MAMM) Fondazione Cassa di Risparmio in Bologna
\nCasa Saraceni<\/strong>
\n Via Farini, 15<\/strong><\/p>\n

MIMMO JODICE, ITALIA<\/p>\n

GLI ANNI MILITANTI<\/p>\n

Genus Bononiae S. Maria della Vita Via Clavature, 8<\/span><\/strong><\/p>\n

PHOTOGRAPHY FROM THE WALTHER COLLECTION<\/p>\n

LANDSCAPES OF AMERICAN POWER
\nTHE MAKING OF LYNCH + MITCH EPSTEIN<\/p>\n

Pinacoteca Nazionale<\/span><\/strong><\/p>\n

Via delle Belle Arti, 56<\/span><\/strong><\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n

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JOHN MYERS, UK<\/p>\n

LA FINE DELLE MANIFATTURE<\/p>\n

Istituzione Bologna Musei<\/strong>
\n Museo internazionale e biblioteca della Musica Strada Maggiore, 34<\/strong><\/p>\n

MICHELE BORZONI, ITALIA<\/p>\n

FORZA LAVORO<\/p>\n

Palazzo Pepoli Campogrande<\/strong><\/p>\n

Via Castiglione, 7<\/strong><\/p>\n

M\u00c5RTEN LANGE, SVEZIA<\/p>\n

MACHINA & MECHANISM<\/p>\n

AngelicA – Centro di Ricerca Musicale | Teatro San Leonardo<\/p>\n

Via San Vitale, 63<\/span><\/strong><\/p>\n

VINCENT FOURNIER, FRANCIA<\/p>\n

FUTURO PASSATO<\/p>\n

Istituzione Bologna Musei<\/strong>
\n MAMbo – Museo d’Arte Moderna di Bologna Via Don Minzoni, 14<\/strong><\/p>\n

CARLO VALSECCHI, ITALIA<\/p>\n

SVILUPPARE IL FUTURO<\/p>\n

Ex Ospedale degli Innocenti<\/span><\/strong><\/p>\n

Via D\u2019Azeglio, 41<\/span><\/strong><\/p>\n

MATHIEU BERNARD-REYMOND, FRANCIA<\/p>\n

TRANSFORM<\/p>\n

Spazio Carbonesi<\/strong><\/p>\n

Via de\u2019 Carbonesi, 11<\/strong><\/p>\n

YUKICHI WATABE, GIAPPONE<\/p>\n

DIARIO DI UN\u2019INDAGINE<\/p>\n

Museo di Palazzo Poggi<\/span><\/strong>
\n SMA – Sistema Museale d\u2019 Ateneo Via Zamboni, 33<\/span><\/strong><\/p>\n

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HOMAS RUFF, GERMANIA<\/p>\n

MACCHINA & ENERGIA A CURA DI URS STAHEL MAST. GALLERY<\/strong>
\n Via Speranza, 42<\/strong><\/p>\n

Thomas Ruff incarna il prototipo dell’artista dedito alla ricerca. Demiurgo dell’immagine, \u00e8 un autore per cui l\u2019apparecchio fotografico costituisce molto pi\u00f9 di un mero dispositivo meccanico di registrazione ottica, piuttosto una macchina generatrice di immagini attraverso la quale trasformare \u2013 a seconda delle necessit\u00e0, dei criteri, del sistema di registrazione selezionato \u2013 gli elementi della realt\u00e0 in un nuovo materiale visivo. Come se giocasse con le possibili scale di una tastiera, Ruff lavora con i diversi generi, crea ritratti, vedute notturne urbane, fotografie del cielo, paesaggi, scatti ricavati da ritagli di giornale, scene ideali e immagini di catastrofi con jpg, fotogrammi con una camera oscura virtuale \u2013 al tempo stesso archivista e fotografo, collezionista e creatore di dati grezzi, da riversare in forma di immagini su pannelli spesso di grande formato. Michael Stoeber usa i termini macchine-corpo, corpi-macchina, macchine del desiderio, macchine computer, macchine del sesso per esprimere la relazione tra l’elemento umano e la macchina, e da questo punto di vista l’arte di Ruff \u00e8 come una macchina delle immagini, una macchina dei pensieri. Un processore di visioni che incorpora e trasforma materiali grezzi trovati, collezionati o generati ex novo appartenenti ai molteplici livelli del reale, materiali poi lasciati fluire in ampie superfici incorniciate, come ibridi tra \u201csogno e incubo, realt\u00e0 e illusione, evidenza e segreto\u201d \u2013 oppure, come nei fotogrammi, simulati, generati dal nulla, totalmente virtuali.
\nLe fotografie della serie Machine sono al centro della mostra del MAST. Intorno ad esse, raggruppate in altrettante serie, vi sono le immagini di Night, Houses, Other Portraits, Jpgs, Photograms e Negatives. Tutte queste opere danno vita a un potente coro di voci che parla di macchine e di energie.
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Thomas Ruff \u00e8 nato a Zell am Hamersbach (Germania) nel 1958; vive e lavora a D\u00fcsseldorf. Tra il 1977 e il 1985 studia fotografia con Bernd e Hilla Becher presso la Kunstakademie di D\u00fcsseldorf. Nel 1999 la Kunstakademie gli offre la cattedra di Fotografia: dal 2000 al 2006 si trova dunque a dirigere l\u2019ex \u201cclasse dei Becher\u201d, la cosiddetta \u201cscuola di D\u00fcsseldorf,\u201d uno dei gruppi pi\u00f9 significativi nell’ambito della fotografia contemporanea.<\/p>\n

Nel complesso, la sua opera \u00e8 orientata verso l’esplorazione delle potenzialit\u00e0 del mezzo fotografico e dello status della fotografia in relazione a temi specifici: il paradigma del ritratto, l’idea della rappresentazione architettonica, l\u2019indagine del mondo attraverso la tecnologia a<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n

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infrarossi, le possibilit\u00e0 e le distorsioni della fotografia digitale con la sua trama di pixel chiaramente visibile. Ruff fa spesso ricorso a immagini d\u2019attualit\u00e0 e materiali d\u2019archivio: le sue rielaborazioni delle fotografie di Marte tratte dagli archivi della NASA ne sono l\u2019esempio.<\/p>\n

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JOSEF KOUDELKA , CECOSLOVACCHIA (naturalizzato in Francia)<\/p>\n

PAESAGGI INDUSTRIALI: 1986-2010<\/p>\n

Museo Civico Archeologico<\/p>\n

Via dell\u2019Archiginnasio, 2<\/p>\n

Celebrato come uno dei pi\u00f9 grandi maestri della fotografia, Josef Koudelka \u00e8 un artista radicale, libero e indipendente da ogni legame personale e professionale. Membro di Magnum Photos, non ha mai accettato incarichi dai giornali per poter portare avanti il proprio lavoro in completa libert\u00e0, dovendo sostenere soltanto le spese per la macchina fotografica, le pellicole e le fotografie.<\/p>\n

All\u2019et\u00e0 di ventinove anni Koudelka abbandona il mestiere di ingegnere aeronautico a Praga. Si fa notare il suo progetto sugli zingari della Cecoslovacchia e della Romania alla fine degli anni sessanta, pubblicato dopo la fuga all’Ovest a seguito del reportage, altrettanto celebre, dell’invasione di Praga da parte dei carri armati del Patto di Varsavia nel 1968. Lasciato il suo paese d’origine, viaggia a lungo per l\u2019Europa. Le immagini di questo periodo confluiscono in un altro famoso volume, Exiles. La sua opera, frutto di un vagabondare solitario e libero da ogni vincolo, \u00e8 caratterizzata da una forte carica drammatica \u2013 non a caso uno dei suoi primi interessi, negli anni sessanta, \u00e8 fotografare il teatro.<\/p>\n

Alla fine degli anni ottanta modifica radicalmente il suo approccio alla fotografia, dedicando grande attenzione al paesaggio, ripreso con una grande macchina panoramica. Comincia ad accettare gli inviti che gli arrivano da pi\u00f9 parti, in particolare in Francia, dalla missione territoriale DATAR, dall’acciaieria Usinor\/Sollac e dalla missione Transmanche. Chiede sempre il privilegio di visitare i siti prima di accettare gli incarichi e il diritto di essere completamente autonomo nella realizzazione delle immagini. Tornato nel suo paese dopo la Rivoluzione di velluto, si reca nel \u201ctriangolo nero\u201d, una zona della Boemia devastata dall’attivit\u00e0 mineraria, e per dieci anni viaggia in tutto il mondo per fotografare le cave di calcare del gruppo Lhoist. In questi luoghi maestosi trova materiale per una straordinaria raccolta di nuove composizioni spettacolari, in un formato che pochi altri progetti possono uguagliare.<\/p>\n

Al di l\u00e0 della loro potente solennit\u00e0, queste immagini indagano la massiccia trasformazione del paesaggio causata dalla rivoluzione industriale. Nell\u2019introduzione al libro Black Triangle, il drammaturgo ed ex presidente della Repubblica Ceca, Vaclav Havel ha scritto: \u201cL’uomo non \u00e8 il signore onnisciente del pianeta, che pu\u00f2 cavarsela facendo quel che gli pare e che in quel momento gli fa comodo\u201d.<\/p>\n

Foto\/Industria riunisce per la prima volta le pi\u00f9 belle foto dei suoi paesaggi industriali. Si tratta di 40 stampe magnifiche in un formato di circa tre metri di larghezza. Attualmente Koudelka si<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n

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dedica alla riscoperta della bellezza del mondo greco e romano attraverso le vestigia del bacino del Mediterraneo. (Fran\u00e7ois H\u00e9bel)<\/p>\n

Josef Koudelka \u00e8 rappresentato da Magnum Photos. _______________________________________________________<\/p>\n

Josef Koudelka \u00e8 nato nel 1938. Ceco, naturalizzato francese, vive tra Parigi e Praga, e dal 1971 \u00e8 socio dell\u2019agenzia Magnum. Dopo gli studi di ingegneria all’Universit\u00e0 tecnica di Praga lavora come ingegnere aeronautico. Contemporaneamente si dedica alla fotografia di produzioni teatrali e delle comunit\u00e0 gitane in Cecoslovacchia. Il suo reportage sull’invasione di Praga da parte dei carri armati russi nel 1968 viene premiato l\u2019anno seguente, nel 1969, con la Robert Capa Gold Medal attribuita a un anonimo \u201cFotografo di Praga\u201d. Soltanto sedici anni pi\u00f9 tardi, dopo la morte del padre, sar\u00e0 svelata la paternit\u00e0 di quelle foto.<\/p>\n

Nel 1970, divenuto apolide, chiede asilo politico in Inghilterra. Nel 1975 gli viene dedicata una mostra al Museum of Modern Art di New York. Allo stesso anno risale la pubblicazione di Gitans (Zingari), seguito da Exiles nel 1988.
\nNel 1986 partecipa al progetto DATAR documentando i paesaggi urbani e rurali della Francia. Comincia a lavorare con una macchina panoramica e nel 1990 torna per la prima volta in Cecoslovacchia dove fotografa il \u201ctriangolo nero\u201d, uno dei paesaggi pi\u00f9 devastati dell’Europa centrale. Nel 1999 pubblica il libro Caos, frutto del lavoro sull’influenza dell’uomo contemporaneo sul paesaggio.<\/p>\n

Nel 2006 esce in Francia (per l\u2019editore Robert Delpire) e in altri sette paesi il suo primo libro retrospettivo. Nel 2008 Invasione Praga 68 viene pubblicato in tredici paesi. Nel 2011 viene data alle stampe una nuova versione di Zingari, che riprende l’originale del 1968. Lo stesso anno viene presentata per la prima volta a Mosca la mostra \u201cInvasione Praga 68\u201d.
\nKoudelka ha ottenuto numerosi premi e riconoscimenti, incluso il Grand Prix National de la Photographie in Francia (1987), il premio Henri Cartier-Bresson (1991) e l\u2019ICP Infinity Award (2004).<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n

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LEE FRIEDLANDER, USA<\/p>\n

AL LAVORO<\/p>\n

Fondazione del Monte Palazzo Paltroni
\nVia delle Donzelle, 2<\/p>\n

Lee Friedlander \u00e8 uno dei fotografi americani pi\u00f9 influenti della seconda met\u00e0 del XX secolo. Noto per aver raccontato profusamente il paesaggio sociale e urbano dell\u2019America e il mondo del Jazz con i suoi musicisti, \u00e8 uno dei rari autori della sua generazione a curare come progetti personali i lavori commissionati da aziende e curatori in un contesto privato come quello delle grandi aziende. Le sue immagini ci restituiscono un\u2019America al lavoro nell\u2019arco di sedici anni, a partire dagli anni Settanta, mostrando luoghi e situazioni diversi, tra cui fabbriche, uffici, sedi di servizi di telemarketing. Friedlander ha sempre salvaguardato la propria libert\u00e0 artistica; il suo approccio estetico a questi pur diversi settori di attivit\u00e0 umana appare inconfondibile. Al di l\u00e0 della qualit\u00e0 delle fotografie, queste testimonianze rappresenta anche una preziosa memoria dei processi di lavoro, degli strumenti utilizzati e dei rapporti nell’ambiente professionale. (Fran\u00e7ois H\u00e8bel)<\/p>\n

Lee Friedlander \u00e8 rappresentato da Fraenkel Gallery, San Francisco. _____________________________________________________________<\/p>\n

Lee Friedlander, nato nel 1934, \u00e8 famoso come fotografo del paesaggio urbano, sociale e naturale. Straordinariamente abile nell\u2019organizzare in composizioni dinamiche una grande quantit\u00e0 di informazioni, Friedlander \u00e8 autore di immagini ironiche e intense. Il suo lavoro spazia tra soggetti molto diversi: apparecchi televisivi in camere di motel deserte, autoritratti, la strada, nudi, immagini scattate dall\u2019interno dell\u2019auto. Friedlander \u00e8 noto anche per una serie di autoritratti realizzati a partire dagli anni sessanta e riprodotti in Self Portrait, un\u2019esplorazione a cui si dedica nuovamente alla fine degli anni novanta, confluita in una monografia pubblicata dalla Fraenkel Gallery nel 2000. Nel 1967 l\u2019opera di Friedlander viene inclusa nella prestigiosa mostra \u201cNew Documents\u201d, allestita al Museum of Modern Art di New York e curata da John Szarkowski. Il suo lavoro \u00e8 oggetto di circa cinquanta monografie.<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n

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JOAN FONTCUBERTA (A CURA DI)<\/p>\n

SPUTNIK: L\u2019ODISSEA DEL SOYUZ 2<\/p>\n

Palazzo Boncompagni<\/p>\n

Via del Monte, 8<\/p>\n

Attraverso i documenti raccolti da ricercatori e storici, la Sputnik Foundation sta ripercorrendo uno dei casi pi\u00f9 sorprendenti nella storia dell\u2019esplorazione spaziale. All\u2019epoca gli Stati Uniti e l’USSR, in competizione tra loro, erano impegnati in una lotta contro il tempo per la conquista della luna. Gli interessi e la pressione politica avevano la priorit\u00e0 rispetto alle certezze tecnologiche.<\/p>\n

Il 25 ottobre del 1968 dalla base spaziale di Baikonur venne lanciata in orbita il Soyuz 2. A bordo si trovavano il pilota e cosmonauta colonello Ivan Isto\u010dnikov e il cane Kloka. Per ragioni ancora non chiarite, il cosmonauta scomparve durante la missione. Un malfunzionamento non meglio identificato fece fallire la manovra di aggancio tra Isto\u010dnikov e la navicella spaziale gemella Soyuz 3. Alcune ore dopo, quando fu ripristinata la comunicazione con Soyuz 2, la capsula mostrava i segni dell’impatto con un piccolo meteorite e di Isto\u010dnikov non vi era pi\u00f9 traccia. Che si fosse trattato di incidente o sabotaggio, il Politburo non volle comunque ammettere la sventura di aver perso un uomo nello spazio. Secondo la versione ufficiale, il Soyuz 2 era un\u2019astronave completamente automatizzata, senza equipaggio a bordo.<\/p>\n

Eventuali segni della presenza di Isto\u010dnikov avrebbero inficiato la credibilit\u00e0 di questa storia, quindi gli archivi vennero manomessi e i documenti occultati. La storia fu riscritta per oscure \u201cragioni di Stato\u201d. La realt\u00e0 era andata ben oltre i pi\u00f9 strabilianti racconti di fantascienza.
\nNon molto tempo dopo, con la caduta del comunismo e l\u2019avvento della glasnost, i documenti vennero desecretati. Molte immagini che descrivevano episodi della vita, dell’addestramento e della missione di Isto\u010dnikov vennero alla luce e contribuirono alla ricostruzione di quella catena di eventi, uno straordinario capitolo della storia che tuttora ci appare assolutamente incredibile. (Joan Fontcuberta)<\/p>\n

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Joan Fontcuberta, in quasi quarant\u2019anni di prolifica attivit\u00e0 nel campo della fotografia Joan Fontcuberta (Barcellona, 1995) ha sviluppato una ricerca pratica e teorica incentrata sui temi quali rappresentazione, conoscenza, memoria, scienza, verosimiglianza, ambiguit\u00e0 e trompe- l\u2019\u0153il, esplorando la dimensione documentaria e narrativa dell\u2019immagine fotografica. Gli<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n

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sono state dedicate personali da istituzioni quali il MoMA (New York, 1988), the Art Institute (Chicago, 1990), IVAM (Valencia, 1992), MNAC (Barcellona,1999), Maison Europ\u00e9enne de la Photographie (Parigi, 2014), Science Museum (Londra, 2014), Museum f\u00fcr Angewandte Kunst (Francoforte, 2015), Museo de Arte del Banco de la Rep\u00fablica (Bogot\u00e1, 2016). Le sue opere sono presenti nelle collezioni di musei tra cui Metropolitan Museum of Art (New York), San Francisco MoMA, Museum of Fine Arts (Houston), LACMA (L.A.), Santa Barbara Museum of Art, Center for Creative Photography (Tucson), International Museum of Photography at the George Eastman House (Rochester), National Gallery of Art (Ottawa), Folkwang Museum (Essen), Centre Georges Pompidou (Paris), Stedelijk Museum (Amsterdam), MACBA (Barcelona), MNCARS (Madrid).<\/p>\n

Fontcuberta \u00e8 autore di una decina di libri sulla storia, l\u2019estetica e l\u2019epistemologia della fotografia (l\u2019ultimo \u00e8 The Fury of Images. Notes on Postphotography, 2016) e curatore di mostre internazionali di taglio sia storico sia contemporaneo.
\nNel 2013 gli \u00e8 stato assegnato l\u2019Hasselblad Foundation Award.<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n

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ALEXANDER RODCHENKO, RUSSIA<\/p>\n

IL MONDO INDUSTRIALE
\nNELLA COLLEZIONE DEL MUSEO DI ARTE MULTIMEDIALE DI MOSCA (MAMM) Fondazione Cassa di Risparmio in Bologna
\nCasa Saraceni
\nVia Farini, 15<\/p>\n

Nel 1920 veniva fondato nella Russia bolscevica l\u2019INCHUK (Istituto di Cultura Artistica). Alexander Rodchenko svolse un ruolo attivo nelle sue attivit\u00e0, creando tra l\u2019altro slogan come \u201cL\u2019arte nella produzione\u201d e \u201cLunga vita alla produzione!\u201d L\u2019istituto gli affid\u00f2 la direzione del corso di studi sulla lavorazione del metallo.
\nLa produzione e tutti i processi correlati rappresentavano la nuova religione del modernismo sovietico. Artista costruttivista, Rodchenko creava oggetti d’arte che assolvevano un compito funzionale nella vita di ogni giorno. A partire dal 1923, quando cominci\u00f2 a occuparsi di fotografia, rivolse il suo obiettivo a tutto ci\u00f2 che avesse a che vedere con la produzione, utilizzando spesso il materiale che ne risultava per realizzare i suoi famosi fotomontaggi.
\nLa fede nella produzione e in una trasformazione \u201ccostruttiva\u201d della vita era un credo condiviso da tutti gli esponenti dell\u2019Avanguardia russa. Il ritmo del movimento dei meccanismi e delle macchine affascinava i modernisti russi, la cui ricerca era proiettata verso il futuro. Rodchenko , per il quale il futuro rappresentava il senso della vita e anche dell’attivit\u00e0 nel presente, scrisse: \u201cMi interessa a tal punto il futuro che voglio vederlo subito, con qualche anno di anticipo\u201d1.
\nFotografando il mondo della produzione, Rodchenko svilupp\u00f2 un approccio estetico molto peculiare. Scorci inattesi e composizioni diagonali conferivano dinamismo dell’inquadratura, permettendo all\u2019immagine statica di esprimere la rapidit\u00e0 e la stupefacente bellezza del movimento ritmico. Le prospettive ampie sancivano il primato assegnato al processo di produzione, come pure alle immagini delle persone che a quel processo prendevano parte. Per Rodchenko tutto poteva diventare materiale per le narrazioni fotografiche del lavoro e dei processi produttivi: l\u2019assemblaggio di un’auto nello stabilimento AMO, i generatori della centrale MoGES, i nuovi edifici costruttivisti realizzati negli anni venti in Unione Sovietica dagli architetti modernisti, una fabbrica di lampadine, la produzione di giornali sulle rotative ecc.
\nPurtroppo i sogni dell’Avanguardia russa entrarono ben presto in collisione con la realt\u00e0 della vita quotidiana e della produzione cos\u00ec come andavano sviluppandosi nella terra dei Soviet. Al<\/p>\n

1 A.M. Rodchenko, Opyty dlya budushchego, GRANT, Mosca 1996<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n

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costruttivista Rodchenko, che sognava un lavoro libero e creativo per un proletariato avviato sulla strada di un glorioso futuro, nel 1933 fu chiesto di realizzare un reportage fotografico tra i prigionieri impegnati nella costruzione del canale Mar Bianco-Mar Baltico (uno dei maggiori campi di detenzione del sistema dei Gulag staliniani). Rodchenko non fu mai recluso in un Gulag, ma nei primi anni trenta conobbe ugualmente la persecuzione.<\/p>\n

Gli esperimenti dell’Avanguardia russa ebbero fine nel 1932, con il Decreto sul Realismo socialista, che divenne l’unica forma espressiva ammessa per la cultura sovietica, in pittura, letteratura, musica, teatro, cinema e fotografia. (Olga Sviblova)<\/p>\n

Mostra resa possibile grazie alla collaborazione con: Museo di Arte Multimediale di Mosca \/ Casa della Fotografia di Mosca.
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Alexander Rodchenko \u00e8 uno dei grandi protagonisti dell’Avanguardia russa: artista, fotografo, designer, insegnante, membro del gruppo Bespredmetniki (Arte non-oggettiva), del movimento costruttivista, di LEF (Fronte di sinistra delle arti), di Ottobre e membro dell’Unione degli artisti dal 1932.<\/p>\n

L\u2019arte per lui era una sorta di invenzione di nuove forme e nuove tecniche. Nel 1917-1918 esplor\u00f2 la superficie piana come forma visiva. Nel 1919 la trama della materia fu il soggetto principale della serie di dipinti Nero su nero.
\nRodchenko fu una figura di spicco del Costruttivismo russo. Da docente, il suo insegnamento fu fortemente orientato alla progettazione di oggetti d’uso quotidiano, multifunzionali e trasformabili. Fece ampio ricorso inoltre al fotomontaggio come mezzo per illustrare libri, riviste e pagine pubblicitarie. Insieme a Vladimir Majakovskij (autore dei testi) realizz\u00f2 un centinaio di manifesti e materiali pubblicitari per molte aziende.<\/p>\n

Nel 1924 si avvicin\u00f2 alla fotografia. La sua esperienza di artista astratto lo condusse ad applicare le sue capacit\u00e0 formali e compositive allo sviluppo del linguaggio visivo della fotografia moderna, introducendo in URSS l’esperienza dei modernisti occidentali. Nel 1931, insieme a Boris Ignatovic e Eleasar Langman, fu uno degli animatori del gruppo fotografico Ottobre, noto per le sue sperimentazioni moderniste. Nel 1928 e nel 1931 fu oggetto di aspre critiche per il suo \u201cformalismo\u201d. Vir\u00f2 quindi, tra la fine degli anni trenta e gli anni quaranta, verso uno stile fotografico pi\u00f9 pittorialista. Dal 1937, al culmine della repressione staliniana, Rodchenko vide diminuire progressivamente gli incarichi per la stampa sovietica. Dagli anni quaranta in avanti rest\u00f2 praticamente disoccupato e nel 1951 fu espulso dall’Unione degli artisti, vedendosi completamente negato il diritto di lavorare e di partecipare alla vita artistica del paese. Dopo la<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n

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morte di Stalin nel 1955, Rodchenko fu reintegrato dall\u2019Unione degli artisti, ma mor\u00ec poco dopo, nel 1956. Fino alla fine dei suoi giorni non gli fu mai permesso di allestire una personale delle sue opere.<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n

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MIMMO JODICE, ITALIA<\/p>\n

GLI ANNI MILITANTI<\/p>\n

Genus Bononiae S. Maria della Vita Via Clavature, 8<\/p>\n

Mimmo Jodice \u00e8 un fotografo di fama internazionale, noto per il suo lavoro scrupoloso e spassionato su citt\u00e0, arte e antichit\u00e0. Il suo radicamento profondo nella cultura napoletana e la delicatezza del suo sguardo lo hanno reso famoso fin dagli anni sessanta come un autore dall\u2019approccio plastico, distaccato ma delicato, cosa che gli ha subito spalancato le porte dei maggiori musei e di importanti collezioni.
\nMeno noto \u00e8 l\u2019impegno politico del suo lavoro negli anni settanta. I movimenti sociali dell\u2019epoca, soprattutto quelli italiani, hanno esercitato su di lui un\u2019attrazione irresistibile. Senza rinunciare alla portare avanti una ricerca personale, Jodice ha messo il suo sguardo esperto al servizio della stampa militante di sinistra per illustrare le condizioni del lavoro, soprattutto di quello minorile, all\u2019epoca molto diffuso.
\nOggi, queste fotografie hanno sull\u2019osservatore un effetto scioccante e mostrano quanta strada sia stata fatta da allora. Sono passati soltanto quarant\u2019anni, ma situazioni analoghe continuano a esistere in molte parti del mondo. I progressi compiuti, anche grazie alle massicce mobilitazioni di quegli anni, dimostrano che la fotografia pu\u00f2 avere un ruolo di testimonianza militante nell\u2019ambito delle lotte dei lavoratori.
\nFoto\/Industria rivela un lato meno noto di questo fotografo generoso e giustamente famoso. (Fran\u00e7ois H\u00e9bel)
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Mimmo Jodice vive a Napoli, dove \u00e8 nato nel 1934. Fotografo di avanguardia fin dagli anni sessanta, \u00e8 stato protagonista instancabile nel dibattito culturale che ha portato alla crescita e successivamente al riconoscimento e all\u2019affermazione della fotografia italiana anche in campo internazionale.<\/p>\n

Agli inizi degli anni sessanta inaugura una serie di sperimentazioni sui materiali e sui codici della fotografia, usando il mezzo non come strumento descrittivo, ma come dispositivo creativo. Durante questi anni vive a stretto contatto con i pi\u00f9 importanti artisti delle neoavanguardie e si dedica sempre pi\u00f9 alla fotografia creativa, realizzando lavori di ricerca concettuale.<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n

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Nel 1970 viene invitato a tenere corsi sperimentali all\u2019Accademia delle Belle Arti di Napoli, dove in seguito insegner\u00e0 fotografia fino al 1994.
\nLa sua prima mostra viene presentata al Palazzo Ducale di Urbino nel 1968. Nel 1980 pubblica Vedute di Napoli, dove d\u00e0 avvio a un\u2019indagine sulla realt\u00e0: lavorando alla definizione di un nuovo spazio urbano e di un nuovo paesaggio, sceglie un approccio non documentario ma sottilmente visionario, di lontana ascendenza metafisica, al quale rester\u00e0 sempre fedele. Questa ricerca segna una definitiva svolta nel suo linguaggio.<\/p>\n

Nel 1985 d\u00e0 inizio a una lunga ed approfondita esplorazione del mito del Mediterraneo. Nel 2016 il Museo Madre di Napoli dedica all\u2019artista la sua pi\u00f9 grande e completa retrospettiva, a cura di Andrea Viliani.<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n

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PHOTOGRAPHY FROM THE WALTHER COLLECTION LANDSCAPES OF AMERICAN POWER
\nPinacoteca Nazionale
\nVia delle Belle Arti, 56<\/p>\n

\u201cPhotography from the Walther Collection: Landscapes of American Power\u201d indaga gli effetti esercitati dall\u2019industrializzazione americana del secolo scorso. La mostra analizza come due fotografi, a distanza di cento anni l\u2019uno dall\u2019altro, hanno documentato lo sfruttamento delle risorse energetiche e le relative trasformazioni subite dal paesaggio americano. The Making of Lynch (1917-1920) \u00e8 un antico album di fotografia vernacolare che documenta la repentina edificazione di una citt\u00e0 mineraria e di un impianto industriale tra le lussureggianti montagne del Kentucky orientale, mettendo in luce gli straordinari cambiamenti subiti da questo idilliaco paesaggio rurale americano.<\/p>\n

Elemento centrale dell\u2019esposizione sono dodici fotografie a colori di grande formato appartenenti alla celebre serie documentaria di Mitch Epstein American Power (2003-2009), cronaca della produzione e del consumo di energia in Nord America.<\/p>\n

THE MAKING OF LYNCH<\/p>\n

Questo album, toccante e unico, presenta attraverso semplici fotografie in bianco e nero una vallata carbonifera della contea di Harlan, in Kentucky, prima e dopo la trasformazione. Le immagini, realizzate da un fotografo professionista, rappresentano una preziosa testimonianza dell\u2019edificazione della citt\u00e0 di Lynch, completata nell\u2019arco di due anni e dotata anche anche di una scuola, un ospedale, un ufficio delle poste e alloggi per i minatori, oltre alle infrastrutture minerarie necessarie a estrarre il carbone dalle montagne circostanti. Questa documentazione della rapidissima costruzione di una citt\u00e0 \u00e8 presentata accanto alle immagini dei rozzi alloggi rurali e del bucolico paesaggio montano che l\u2019insediamento and\u00f2 a sostituire. (Fran\u00e7ois H\u00e9bel)<\/p>\n

MITCH EPSTEIN: AMERICAN POWER<\/p>\n

\u201cLa serie ha cominciato a prendere forma nel 2003, quando Epstein \u00e8 stato incaricato di eseguire un servizio fotografico a Cheshire, Ohio, citt\u00e0 irrimediabilmente inquinata dalla American Electric Power Company. L\u2019azienda, per evitare un\u2019enorme bonifica e probabili cause legali, aveva deciso di acquistare l\u2019intera citt\u00e0 per una somma forfettaria di venti milioni di dollari,<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n

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quindi aveva provveduto a demolire le case e a trasferire gli abitanti. Dopo aver assistito a questi fatti, il fotografo ha intrapreso un viaggio di ben cinque anni da un capo all\u2019altro del paese, visitando 26 stati alla ricerca delle fonti e delle conseguenze della produzione energetica: dalle centrali nucleari alle dighe delle centrali idroelettriche, dai pannelli solari agli impianti eolici.\u201d(Brian Wallis)<\/p>\n

\u201cAmerican Power ha avuto inizio quando sono andato a Cheshire, in Ohio, per fotografare una citt\u00e0 che era stata acquistata dalla American Electric Power. Gli abitanti, dopo avere denunciato l\u2019inquinamento causato dalla locale centrale elettrica a carbone, avevano accettato di trasferirsi, di non parlare della vicenda e di non fare causa all\u2019AEP. Ma una donna di ottant\u2019anni, Boots Hern, rifiut\u00f2 di vendere la sua propriet\u00e0. Piazz\u00f2 delle telecamere di sorveglianza alla finestra e nascose un fucile sotto la poltrona per tenere lontani certi tipacci dell\u2019azienda che, cos\u00ec mi disse, erano stati mandati a farle pressione. Solo dopo essere tornato a casa mia a New York, visto che non riuscivo a togliermi dalla testa Boots, decisi di avviare il progetto American Power, allo scopo di capire meglio come funziona l\u2019energia: chi ne \u00e8 proprietario, chi ne paga il prezzo, chi ci guadagna e come tutto questo si riflette sul futuro dell\u2019America.
\nQueste fotografie sono provocazioni formali e politiche, ma anche testimonianze molto personali. Ho parlato con americani che hanno subito personalmente gli effetti negativi della produzione energetica, con gente che si guadagna la vita lavorando nel settore e nell\u2019indotto, con imprenditori dell\u2019energia pulita, con contestatori irriducibili e con il Pentagono. Ho fotografato l\u2019energia usata per la stretta sopravvivenza e quella che serve a illuminare Las Vegas. Questo lavoro, realizzato in ventisei stati, s\u2019interroga sulla psicologia dell\u2019essere americani, oggi ma anche nel passato, quando la gente si avventurava a Ovest animata da un\u2019incrollabile fede nella teoria del \u201cdestino manifesto\u201d. La fotografia della diga di Hoover, per esempio, d\u00e0 un\u2019idea delle monumentali realizzazioni del passato; allo stesso tempo, il livello sempre pi\u00f9 basso delle acque nel lago Mead ci rende consapevoli del fatto che le risorse non sono inesauribili. Il paesaggio \u00e8 il risultato delle imprese umane e ne porta i segni, in maniera spesso terribile.
\nNel corso dei cinque anni in cui ho lavorato a questa serie sono stato preso di mira dalla polizia locale e federale perch\u00e9 fotografavo impianti energetici privati e governativi, anche se mi tenevo alla distanza regolamentare, restando sul suolo pubblico. Queste immagini mostrano tutta la tensione e la paura che ho provato nel confrontarmi con le rigidissime misure di sicurezza imposte dall\u2019amministrazione Bush-Cheney dopo l\u201911 settembre. Un progetto cominciato nel segno dell\u2019energia si \u00e8 cos\u00ec trasformato in un progetto sul potere in tutte le sue dimensioni.\u201d (Mitch Epstein)<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n

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Mitch Epstein \u00e8 nato nel 1952 a Holyoke, Massachusetts. Negli anni Settanta \u00e8 stato fra i pionieri della fotografia d\u2019arte a colori. Le sue opere sono presenti in importanti musei e collezioni, fra cui il MoMA di New York, il MOMA di San Francisco e la Tate Modern di Londra. Nel 2017 ha esposto la serie \u201cRocks and Clouds\u201d nelle gallerie Thomas Zander di Colonia, Les Filles du Calvaire di Parigi e Yancey Richardson di New York. Ha presentato inoltre la mostra \u201cMitch Epstein: Free of Charge\u201d presso Andreas Murkudis a Berlino. Fra le personali organizzate da musei, si ricordano quelle della Fondation A Stichting di Bruxelles (2013) e del Kunstmuseum di Bonn (2011). Nel 2013 il Walker Art Center ha commissionato e prodotto una versione teatrale di American Power, a cura di Epstein e dal violoncellista Erik Friedlander, con proiezioni di fotografie, video, narrazioni e musiche originali.<\/p>\n

Tra i suoi libri, Rocks and Clouds (2017); New York Arbor (2013); American Power (2009); Recreation: American Photographs 1973-1988 (2005); Family Business (2003), tutti pubblicati da Steidl. Ha ottenuto il Prix Pictet nel 2011 e il Berlin Prize nel 2008.<\/p>\n

LA COLLEZIONE WALTHER<\/p>\n

La Collezione Walther \u00e8 un\u2019istituzione dedicata alla ricerca, alla raccolta, all\u2019esposizione e alla pubblicazione di opere fotografiche e video. Aperta al pubblico nel 2010, \u00e8 diventata uno dei pi\u00f9 importanti archivi al mondo di fotografia e videoarte africana e asiatica, iconografia vernacolare americana e fotografia e libri del diciannovesimo secolo dall\u2019Europa e dell\u2019Africa. Nella sua sede composta da tre edifici a Neu-Ulm, Germania, e nel Project Space di New York, la Collezione organizza esposizioni e programmi per il pubblico.<\/p>\n

Le mostre, realizzate con la collaborazione di importanti curatori internazionali, intendono creare giustapposizioni dinamiche tra artisti il cui lavoro arricchisce in modo significativo la storia del mezzo fotografico. La consolidata attivit\u00e0 editoriale della Collezione, in collaborazione con l\u2019editore Steidl, completa il programma espositivo con cataloghi e monografie, e si giova di approfonditi lavori di ricerca da parte di noti scrittori, critici e storici dell\u2019arte. Istituzione di punta nello studio e nella divulgazione della fotografia africana, la Collezione Walther, allestisce a New York progetti tematici e monografici, esposizioni annuali di grandi dimensioni in Germania e mostre itineranti in tutto il mondo.<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n

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JOHN MYERS, UK<\/p>\n

LA FINE DELLE MANIFATTURE<\/p>\n

Istituzione Bologna Musei
\nMuseo internazionale e biblioteca della Musica Strada Maggiore, 34<\/p>\n

Queste fotografie sono state scattate fra il 1981 e il 1988 nella regione dell\u2019Inghilterra che viene chiamata black country. Note come \u201cl\u2019officina del mondo\u201d, le cittadine di Lye, Brierley Hill, Cradley Heath e l\u2019area intorno alle acciaierie Round Oak hanno avuto rinomanza mondiale per le lavorazioni metalmeccaniche.
\nAll\u2019inizio degli anni ottanta sono avvenuti cambiamenti che hanno avuto pesanti ripercussioni sull\u2019industria metallurgica. Numerosi stabilimenti hanno cessato la produzione e la disoccupazione ha raggiunto livelli elevatissimi. I cambiamenti sono stati rapidi e irreversibili. Molte fabbriche hanno chiuso completamente i battenti, e quelle che non lo hanno fatto hanno dovuto riconvertire il loro modello di business verso l\u2019immagazzinamento e la vendita al dettaglio di componenti prodotti all\u2019estero. Il paesaggio industriale, che in quella regione della Gran Bretagna era stato plasmato dalla rivoluzione industriale fin dall\u2019Ottocento, \u00e8 scomparso. Fonderie, fucine e acciaierie che non sono state subito riconvertite in edifici industriali o in spazi per uffici si sono trasformate in breve tempo in aree residenziali, zone destinate a nuove attivit\u00e0 imprenditoriali o centri commerciali.
\nLe acciaierie Round Oak, chiuse nel 1984, sono diventate sede del centro commerciale Merry Hill. Gran parte dell\u2019area circostante \u00e8 stata trasformata in una delle prime Enterprise Zones del Regno Unito, vale a dire una zona sottoposta a un particolare regime di protezione fiscale, con l\u2019obiettivo del rilancio socio-economico. Sia allora sia in seguito questa scelta \u00e8 stata molto criticata, perch\u00e9 ha avuto come conseguenza la sostituzione della manodopera altamente specializzata dell\u2019industria del metallo con lavoratori relativamente non qualificati e di costo pi\u00f9 basso nei settori della distribuzione e della vendita al dettaglio.
\nNon ricordo perch\u00e9 abbia cominciato a fare queste fotografie. Certo, il malessere, l\u2019agitazione e il caos economico dei primi anni ottanta sarebbero stati una ragione sufficiente; ma solo da poco, da quando ho fatto finalmente digitalizzare gli oltre 600 negativi di quegli anni, ho cominciato a capire che, sia pure in modo modesto e incompleto, queste fotografie colgono uno dei pi\u00f9 grandi cambiamenti subiti nella seconda parte del Novecento dal paesaggio e dalla societ\u00e0 inglesi: la fine della manifattura e l\u2019affermarsi del mondo dei magazzini, della logistica, della vendita al dettaglio e delle distese d\u2019asfalto. (John Myers)<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n

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John Myers \u00e8 nato nel 1944 a Bradford ed \u00e8 noto soprattutto per i ritratti della piccola borghesia inglese, presentati nella mostra \u201cSerpentine 73\u201d di Londra nel 1973.
\nDopo la formazione alla scuola di Belle Arti, Myers comincia a fotografare nel 1972. Nei sedici anni successivi documenta la vita della sua citt\u00e0, in cui vive tuttora. Le sue fotografie di televisori, sottostazioni elettriche e panorami urbani (note come Boring Photographs, cio\u00e8 \u201cfotografie noiose\u201d) risalgono ai primi anni settanta e hanno conosciuto un rinnovato successo dopo una mostra alla Ikon Gallery di Birmingham nel 2011-2012. Questa parte del suo lavoro, insieme ai ritratti realizzati nello stesso periodo, viene esposta in due personali organizzate rispettivamente dalla Gallery of Photography di Dublino nel 2014 e dalla University of Hertfordshire nel 2016- 2017.<\/p>\n

La fotografia industriale impegna Myers dal 1980 al 1988. Solo un numero limitato di questi negativi, scattati con un banco ottico Gandolfi 5×4, sono stati stampati negli anni ottanta. Tutto il resto, quasi seicento negativi in formato 12×10 cm, \u00e8 stato digitalizzato nel marzo 2016. Si tratta di fotografie che catturano la fine della realt\u00e0 manifatturiera nel cuore industriale delle West Midlands e la nascita di un paesaggio nuovo.
\nNel 1974, Myers vince la prima edizione del Premio dell\u2019Arts Council of Great Britain per la pubblicazione di Middle England. Nel 1975 cura \u201cSeeing the Unseen: The High Speed Photography of Dr. Harold E. Edgerton\u201d, la prima mostra in Europa interamente dedicata all\u2019opera dell\u2019inventore della fotografia stroboscopica a flash singolo e multiplo.
\nFra le sue altre pubblicazioni, John Myers Middle England (2011) e The World is not Beautiful (2017).<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n

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MICHELE BORZONI, ITALIA<\/p>\n

FORZA LAVORO<\/p>\n

Palazzo Pepoli Campogrande<\/p>\n

Via Castiglione, 7<\/p>\n

Forza lavoro \u00e8 un ambizioso progetto documentario che intende tracciare un quadro composito dell\u2019attuale panorama del lavoro in Italia alla luce della recente recessione economica globale. L\u2019Italia, a causa delle sue debolezze strutturali, fra gli stati membri dell\u2019Unione Europea \u00e8 uno di quelli che ha pi\u00f9 risentito della crisi. Dopo la grave contrazione del 2009, l\u2019economia italiana non ha ancora dato segni certi di ripresa. Si calcola che dal 2008 siano 3,5 i milioni di posti di lavoro perduti, mentre il tasso di disoccupazione \u00e8 salito dal 6,7 all\u201911,9 per cento.<\/p>\n

Il futuro si presenta molto incerto per una popolazione cos\u00ec impoverita, dal momento che le garanzie sono diminuite, il costo del lavoro rimane molto alto mentre aumenta il lavoro nero e non regolamentato. Intento dell\u2019autore \u00e8 proporre l\u2019Italia come esempio per illustrare non solo gli effetti della recessione sul lavoro, ma anche come la crisi abbia notevolmente accelerato una serie di cambiamenti che gi\u00e0 da molti anni erano riconoscibili in tutti i paesi dell\u2019Unione Europea. Fra questi cambiamenti: l\u2019insicurezza del posto di lavoro, il deterioramento del tradizionale settore manifatturiero, l\u2019ascesa costante del settore dei servizi, l\u2019automazione dei processi di produzione e dei servizi, le sfide che un\u2019economia globalizzata pone alle produzioni locali e l\u2019impatto di intensi flussi migratori provenienti da paesi in via di sviluppo. (Valentina Tordoni)<\/p>\n

il progetto Forza Lavoro \u00e8 realizzato grazie al supporto di Zona. _________________________________________________________<\/p>\n

Michele Borzoni \u00e8 nato a Firenze nel 1979. Nel 2006 si diploma in Fotografia documentaria e Fotogiornalismo presso l\u2019International Center of Photography di New York. Nello stesso anno partecipa al workshop Barnstorm XIX di Eddie Adams.
\nNel 2007 il suo lavoro Srebrenica, sete di giustizia ottiene il primo premio al Yann Geffroy Award. Ha vinto la New York Times Scholarship for ICP students e nel 2009 ha ricevuto la Tierney Fellowship.<\/p>\n

\u00c8 uno dei fondatori del collettivo di fotografia documentaria TerraProject Photographers, di cui fa parte dal 2006. Nel 2010 ha ricevuto il Primo premio foto singole nella categoria People in the News del World Press Photo Award e nel 2012 \u00e8 stato selezionato da \u201cPhoto District News\u201d fra i \u201ctrenta fotografi emergenti da tenere d\u2019occhio\u201d. Collabora dal 2006 con numerose riviste italiane e internazionali, fra cui \u201cTime\u201d, \u201cInternational Herald Tribune\u201d, \u201cNewsweek\u201d, \u201cM<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n

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Magazine\u201d, \u201cD\u201d, \u201cVanity Fair\u201d, \u201cElle\u201d, \u201cIo Donna\u201d, \u201cMarie Claire France\u201d, \u201cInternazionale\u201d, \u201cL\u2019Espresso\u201d, \u201cFinancial Times Magazine\u201d, \u201cMonocle\u201d, \u201cGeo\u201d e altre.<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n

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M\u00c5RTEN LANGE, SVEZIA<\/p>\n

MACHINA & MECHANISM<\/p>\n

AngelicA – Centro di Ricerca Musicale | Teatro San Leonardo<\/p>\n

Via San Vitale, 63<\/p>\n

Il lavoro di M\u00e5rten Lange si articola per serie. Ogni serie sviluppa un linguaggio specifico e conduce il pubblico attraverso la grammatica visiva dell\u2019artista. Per Foto\/Industria 2017 sono state selezionate due serie: Machina e Mechanism.
\nMachina (2007) raccoglie immagini provenienti da laboratori di ricerca di fisica nucleare, microscopia e nanotecnologia. In questa serie, Lange porta alla luce il sublime della tecnologia e trascende la scienza per approdare alla poesia. Affascinato dalla sofisticazione e dall\u2019ingegnosit\u00e0 delle macchine, Lange mostra come la loro crescente complessit\u00e0 le trasformi talvolta in caotiche assurdit\u00e0. La sequenza, assemblata secondo un complesso progetto, mostra spesso un aspetto organico, evocando la vegetazione di una giungla di metallo.<\/p>\n

Mechanism (2017) \u00e8 una malinconica serie di fotografie in bianco e nero che vanno a formare un racconto fantascientifico sulla vita contemporanea. Assemblando immagini scattate in diverse citt\u00e0, l\u2019opera affronta i temi della tecnologia, della sorveglianza e della societ\u00e0 urbana begli ambiti professionali. Lange vuole rintracciare gli effetti dei progressi tecnologici sulle esperienze umane e lo fa con l\u2019uso di tropi architettonici, per costruire una narrazione carica delle minacce e delle promesse del futuro. In un serrato alternarsi di primissimi piani e paesaggi urbani, Mechanism offre una sequenza filmica di fotografie che \u00e8 al tempo stesso toccante e straniante. (Fran\u00e7ois H\u00e9bel)<\/p>\n

M\u00e5rten Lange \u00e8 rappresentato da Robert Morat Galerie, Berlino. _____________________________________________________________<\/p>\n

M\u00e5rten Lange \u00e8 nato a G\u00f6teborg, in Svezia, nel 1984. Ha studiato fotografia all\u2019Universit\u00e0 di Gothenburg e alla University for the Creative Arts di Farnham, in Gran Bretagna. Fra le sue pubblicazioni vi sono The Mechanism (MACK, 2017), Citizen (\u00c9tudes Books, 2015) e Another Language (MACK, 2012) e diverse auto-pubblicazioni, fra cui Chicxulub (2016) e Machina (2014; 2007).<\/p>\n

Nel 2015 ha ricevuto la Hasselblad Victor Fellowship. Ha esposto di recente alla galleria Robert Morat di Berlino, al Museo di Landskrona e alla galleria Charlotte Lund di Stoccolma.<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n

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VINCENT FOURNIER, FRANCIA<\/p>\n

FUTURO PASSATO<\/p>\n

Istituzione Bologna Musei
\nMAMbo – Museo d’Arte Moderna di Bologna Via Don Minzoni, 14<\/p>\n

Alternando tra stile documentario e immagini evocative di situazioni particolari, Vincent Fournier esplora la finzione come se fosse una realt\u00e0 parallela. La sua opera propone un viaggio tra le utopie pi\u00f9 rappresentative del XX e XXI secolo: l\u2019avventura spaziale, l\u2019architettura del futuro e l\u2019intelligenza artificiale. In questi archivi immaginari, la memoria \u00e8 attiva in entrambe le direzioni, o meglio, per usare le parole della Regina Bianca in Alice nel Paese delle meraviglie, \u201cnel passato, ma anche nel futuro\u201d. Quello di Fournier \u00e8 un mondo in cui si pu\u00f2 ricordare ci\u00f2 che non \u00e8 ancora avvenuto, ci\u00f2 che avverr\u00e0 domani.<\/p>\n

Il lavoro pi\u00f9 significativo dell\u2019opera di Fournier \u00e8 Space Project, un viaggio nel mondo dei pi\u00f9 emblematici centri di ricerca spaziale, che hanno evocato i fantasmi e stimolato le speranze pi\u00f9 ardenti di una generazione intera. Altri campi d\u2019azione del fotografo sono l\u2019intelligenza artificiale e la robotica, con un\u2019interessante focus sui robot antropomorfi e su spiritosi dialoghi fra l\u2019uomo e il suo doppio cibernetico. Queste fotografie, risultato di una grande preparazione e di un certo gusto per le contrapposizioni, sono meticolose e poetiche, sommessamente pervase di ispirazioni cinematografiche e letterarie. \u201cCerco di non definire troppo il significato delle mie fotografie; voglio che l\u2019interpretazione resti aperta, sospesa fra due poli spesso opposti: documentario e fiction, senso e non-senso, naturale e artificiale\u201d. (Fran\u00e7ois H\u00e9bel)<\/p>\n

Mostra organizzata con il sostegno di New Square Gallery, Lilla. _________________________________________________________<\/p>\n

Vincent Fournier \u00e8 nato nel 1970 a Ouagadougou, in Burkina Faso. Oggi vive e lavora a Parigi. Le sue opere esplorano la fantascienza e le narrazioni delle grandi utopie. Dopo una laurea in sociologia e una in arti visive, ha studiato all\u2019\u00c9cole nationale sup\u00e9rieure de la photographie di Arles, diplomandosi nel 1997. Ha partecipato a numerose mostre internazionali, personali e collettive, fra cui \u201cPrint the Alive\u201d, Centre Pompidou, Parigi, 2017; \u201cThe Universe and Art\u201d, The Mori Art Museum, Tokyo e Art Science Museum, Singapore, 2016-2017; \u201cHello, Robot\u201d, Vitra Museum, Weil-am-Rhein e MAK Museum, Vienna; \u201cBio-Design\u201d, The Netherlands Architecture Institute, Rotterdam, 2014; \u201cAlive\u201d , Foundation EDF, Paris, 2014; \u201cSpace Odyssey 2.0\u201d, Z33 Contemporary Art, Hasselt; \u201cPast Forward\u201d, Les Rencontres d\u2019Arles, 2012. Molte sue opere si<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n

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trovano in raccolte private e pubbliche, quali Metropolitan Museum of Modern Art (New York), LVMH Contemporary Art Collection (Parigi), Fondazione MAST (Bologna), Science Gallery (Dublino), Domaine des Etangs, Primat\/Schlumberger (Massignac).<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n

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CARLO VALSECCHI, ITALIA<\/p>\n

SVILUPPARE IL FUTURO<\/p>\n

Ex Ospedale degli Innocenti<\/p>\n

Via D\u2019Azeglio, 41<\/p>\n

Bologna vive la realt\u00e0 di uno dei pi\u00f9 importanti stabilimenti sul territorio, trainando l\u2019Emilia- Romagna nella competizione tra le regioni pi\u00f9 produttive e innovative d\u2019Europa. Qui le imprese manifatturiere crescono e si trasformano, conquistando nuovi mercati con tecnologie di ultima generazione. In quest\u2019area, nel cuore del settore meccanico pi\u00f9 avanzato, da pochi mesi \u00e8 in funzione un sito produttivo che rappresenta un\u2019eccellenza negli ultimi vent\u2019anni per il nostro paese. Tuttavia non sono solo le dimensioni e il grado di innovazione a sorprendere, ma anche una ricerca tecnologica che mira a rivoluzionare la vita di molte persone, creando un futuro migliore. Per raccontare questo luogo e questa nuova avventura imprenditoriale, Philip Morris ha chiesto a Carlo Valsecchi di prestare il suo sguardo peculiare. Il fotografo si \u00e8 confrontato con due sfide: la grandezza e la segretezza.<\/p>\n

Valsecchi ha scelto di rappresentare questo luogo con immagini vicine al disegno tecnico. Le sue fotografie catturano il formato di questa fabbrica innovativa attraverso linee infinite, costituite da pilastri d\u2019acciaio che strutturano gli edifici a perdita d\u2019occhio. Di giorno e di notte, gli edifici sembrano tendere verso il firmamento e intrecciarsi, come in una danza acquatica, in un gioco di prospettive. Le sue immagini colgono particolari delle macchine, invariabilmente geometrici, non potendo mostrarle in modo esplicito. Il risultato evoca il tempio o il minimalismo pi\u00f9 radicale, non lontano dalla pittura di Robert Ryman. Il fotografo, che in passato ha dedicato un lavoro agli spazi sconfinati e ai territori incolti dell\u2019Argentina, ha scelto qui una grammatica diversa. Emerge da questo progetto una sorta di energia, che si sprigiona dalla presenza del metallo e delle forti luci di cui sono inondate le immagini. Il suo lavoro ha dato vita a stampe di grandissimo formato, che proiettano il visitatore in un infinito corrispondente a una dimensione cosmica e insieme a uno spazio dallo sviluppo vertiginoso. (Fondazione MAST) __________________________________________________________<\/p>\n

Carlo Valsecchi \u00e8 nato a Brescia nel 1965. Vive a lavora a Milano. Nel 1992 il suo lavoro \u00e8 stato selezionato per la Biennale d\u2019architettura di Venezia; in seguito ha cominciato a tenere mostre in Italia e all\u2019estero. Le sue fotografie sono state esposte in molte istituzioni di tutta Europa: Italian Cultural Institute, New York, 1999; Fondazione Peggy Guggenheim, Venezia, 2000; Galerie 213, Parigi, 2001; Studio Casoli, Milano, 2001; Semaines europ\u00e9ennes de l\u2019image \u2013 Le b\u00e2ti, le vivant, Luxembourg, 2002; GAMeC, Bergamo, 2003; \u201cA ferro e fuoco\u201d, Triennale, Milano, 2006; Paris<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n

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Photo, Statements, Parigi, 2007; \u201cPast, Present, Future\u201d, dalla raccolta del gruppo UniCredit, Bank Austria Kunstforum, Vienna, 2009; \u201cLumen\u201d, una retrospettiva di mezza carriera, Mus\u00e9e de l\u2019Elys\u00e9e, Losanna, 2009. Mostre alla Walter Keller Gallery, Zurigo, 2009; Galleria Carla Sozzani, Milano, 2011; \u201cSan Luis\u201d, Museo MART, Rovereto, 2011; 54\u00b0 Biennale di Venezia, padiglione Italia, selezione di Norman Foster, Venezia, 2011. \u201cSubverted\u201d, Ivorypress, Madrid, 2012. \u201cLandmark: the Fields of Photography\u201d, Somerset House, Londra, 2013. \u201cMare Nostrum\u201d, Walter Keller Gallery, Zurigo, 2013. Roberto Coda Zabetta e Carlo Valsecchi, Case Chiuse di Paola Clerico, garage Soccol, Milano, 2015.<\/p>\n

Al libro Lumen, Hatje Cantz, 2009, \u00e8 stato attribuito nel 2010 il premio German PhotoBook of the Year.<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n

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MATHIEU BERNARD-REYMOND, FRANCIA<\/p>\n

TRANSFORM<\/p>\n

Spazio Carbonesi<\/p>\n

Via de\u2019 Carbonesi, 11<\/p>\n

Transform nasce dalle fotografie che Mathieu Bernard-Reymond ha scattato nelle centrali idroelettriche francesi lungo il Reno e nella centrale nucleare di Fessenheim. I concetti di produzione e trasformazione regolano sia la funzionalit\u00e0 dei luoghi fotografati sia il processo di creazione delle immagini. Gli scatti effettuati in loco sono stati oggetto di molteplici elaborazioni: nati come elementi di documentazione architettonica, hanno subito una modificazione dei negativi in post-produzione, per trasformarsi in immagini astratte. In questo stadio finale della loro evoluzione, l\u2019origine fotografica delle immagini non \u00e8 mai incerta, tuttavia la loro particolare natura va ricondotta a una fusione di elementi illustrativi e digitali.<\/p>\n

Il processo creativo diventa dunque una sorta di \u201cmacchina produttrice\u201d di opere astratte e le fotografie rappresentano la materia prima che alimenta il processo di produzione.
\nQuesti spazi industriali, che per il pubblico restano sempre un mistero, uscendo dalle mani dell\u2019autore assumono la forma di opere d\u2019arte sconcertanti, in cui appaiono regolarmente elementi figurativi identificabili. L\u2019originalit\u00e0 della mostra \u00e8 nel suo rivelare i vari stadi della creazione attraverso una presentazione fatta di sovrapposizioni. (Fran\u00e7ois H\u00e9bel)<\/p>\n

Campagna fotografica realizzata a partire da un\u2019idea di Emeline Dufrennoy, co-produzione La Chambre, Mus\u00e9e EDF Electropolis, con il sostegno di EDF Foundation. Mathieu Bernard-Reymond \u00e8 rappresentato dalla Galerie Heinzer Reszler, Losanna, e dalla Galerie Baudoin Lebon, Parigi. ___________________________________________________________<\/p>\n

Mathieu Bernard-Reymond \u00e8 nato nel 1976 a Gap, in Francia. Si \u00e8 laureato all\u2019Institut d\u2019\u00e9tudes politiques di Grenoble e alla Scuola di fotografia di Vevey, in Svizzera. Nella sua opera, paesaggi, architetture e dati sono utilizzati come elementi costitutivi di un linguaggio poetico in costante rinnovamento. Per Bernard-Reymond la fotografia \u00e8 strumento per creare realt\u00e0 bizzarre, per dare vita a mondi possibili. Il suo approccio digitale gli permette di mettere in scena sia i dati che il mondo tangibile. Ha ricevuto numerosi riconoscimenti (Fondation HSBC for Photography 2003, Rencontres d\u2019Arles 2005, Paris-Photo 2006, Arcimboldo 2009) e ha pubblicato finora due libri: Vous-\u00eates ici (Actes-Sud, 2003) e TV (Hatje Cantz, 2008). Le sue fotografie fanno parte di numerose collezioni pubbliche e private, tra cui nel Mus\u00e9e Nic\u00e9phore Ni\u00e9pce (Francia), Mus\u00e9e de l\u2019Elys\u00e9e e Fonds National pour l\u2019Art Contemporain (Francia). \u00c8 membro del collettivo europeo Piece of Cake.<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n

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YUKICHI WATABE, GIAPPONE<\/span><\/strong><\/p>\n

DIARIO DI UN\u2019INDAGINE<\/p>\n

Museo di Palazzo Poggi<\/strong>
\n SMA – Sistema Museale d\u2019 Ateneo Via Zamboni, 33<\/strong><\/p>\n

Yukichi Watabe \u00e8 stato il primo fotografo giapponese a ottenere il permesso di accompagnare la polizia per documentare un\u2019indagine, \u201cil caso del cadavere a pezzi\u201d.
\nIl 13 gennaio 1958, non lontano dal lago Sembako, furono ritrovati in una cisterna di petrolio dei resti umani (due falangi, un naso, un pene). Il giorno dopo la polizia trov\u00f2 un cadavere corroso dall\u2019acido. Il caso, che sulle prime era sembrato di facile soluzione, si aren\u00f2 presto. Ad assistere la polizia locale arrivarono da Tokyo due poliziotti. Nel suo lavoro Watabe, invitato a seguire l\u2019ispettore capo Tsumotu Mukaida, porta l\u2019osservatore dietro le scene di un servizio di cronaca nera e solleva il velo su un universo che ha l\u2019impronta estetica di un film noir. Materia del servizio fotogiornalistico non \u00e8 l\u2019omicidio, ma l\u2019investigazione, in cui l\u2019ispettore Mukaida, pedinato dal fotografo nelle sue peregrinazioni quotidiane, ha il ruolo di protagonista.<\/p>\n

La Tokyo degli anni cinquanta era stata raffigurata di rado fino a quel momento. L\u2019osservatore scopre un paesaggio devastato, distrutto dai traumi della sconfitta bellica e della successiva occupazione. Malgrado la crescita economica, i giapponesi portavano addosso le ferite della Seconda guerra mondiale. Molti versavano in uno stato di assoluta miseria fisica e morale. Attraverso le fotografie di Watabe scopriamo un periodo segnato da un elevatissimo numero di crimini efferati e sequestri di bambini. Queste immagini tuttavia, pi\u00f9 che una semplice finestra sulle indagini, rappresentano un documento di straordinario valore che getta luce sulla vita quotidiana nel Giappone del dopoguerra. (Fran\u00e7ois H\u00e9bel)<\/p>\n

Yukichi Watabe \u00e8 rappresentato da in Between Gallery, Parigi. _____________________________________________________________<\/p>\n

Yukichi Watabe nasce nel 1924 a Sakata (prefettura di Yamagata), nel Nord del Giappone. Nel 1941 \u00e8 a Tokyo, dove lavora come operaio alla Bell, addetto all\u2019assemblaggio dei proiettori a 16 mm. Impara il mestiere di fotografo presso l\u2019editore Koga-sha di Tokyo, noto per la raffinatezza dei libri e delle riviste illustrate. Durante la Seconda guerra mondiale segue per due mesi l\u2019aviazione militare e nel 1946 pubblica sul \u201cSun Photo News\u201d la sua prima serie di fotografie, Repatriate Train, documentando il ritorno dei veterani di guerra e degli sfollati giapponesi a Sakata, la sua citt\u00e0 natale. In seguito lavora come assistente del celebre fotografo Tamura<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n

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Shigeru e pubblica fotografie su varie riviste, tra cui \u201cFujin Gaho\u201d e \u201cSekai Gaho\u201d. Intraprende la carriera fotogiornalistica nel 1950, coprendo quasi tutti i pi\u00f9 importanti eventi civili e politici a Tokyo. Le sue fotografie appaiono su riviste specializzate come \u201cGendai\u201d, \u201cBungei Shunju\u201d e \u201cChuo Koron\u201d.<\/p>\n

Nel 1958 ottiene l\u2019autorizzazione di seguire la polizia impegnata in un\u2019indagine criminale. Questa circostanza \u00e8 all\u2019origine del reportage Stakeout Diary. Watabe pubblica sulla rivista \u201cNippon\u201d una selezione di queste fotografie, incluse in seguito nella raccolta di immagini di Tokyo pubblicata dall\u2019Associazione dei fotografi professionisti giapponesi (Nihon Shashinka Kyokai).<\/p>\n

Negli anni sessanta il suo lavoro a colori \u00e8 influenzato da frequenti viaggi in Africa e in Europa. Nel 1989 riceve il premio Higashikawa, il riconoscimento fotografico pi\u00f9 prestigioso del Giappone. Nel 1992 il governo gli conferisce la Medaglia con Nastro Viola per l\u2019insieme della sua opera.<\/p>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n<\/div>\n

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Yukichi Watabe   Mimmo-Jodice_Napoli – particolare Alexandre-Rodch BIENNALE FOTO\/INDUSTRIA BOLOGNA, TERZA EDIZIONE 12 OTTOBRE – 19 NOVEMBRE 2017 ETICA ED ESTETICA AL LAVORO FOTO\/INDUSTRIA 2017<\/p>\n","protected":false},"author":1,"featured_media":51152,"comment_status":"open","ping_status":"open","sticky":false,"template":"","format":"standard","meta":[],"categories":[1916,15],"tags":[13217],"_links":{"self":[{"href":"https:\/\/www.donnecultura.eu\/index.php?rest_route=\/wp\/v2\/posts\/51147"}],"collection":[{"href":"https:\/\/www.donnecultura.eu\/index.php?rest_route=\/wp\/v2\/posts"}],"about":[{"href":"https:\/\/www.donnecultura.eu\/index.php?rest_route=\/wp\/v2\/types\/post"}],"author":[{"embeddable":true,"href":"https:\/\/www.donnecultura.eu\/index.php?rest_route=\/wp\/v2\/users\/1"}],"replies":[{"embeddable":true,"href":"https:\/\/www.donnecultura.eu\/index.php?rest_route=%2Fwp%2Fv2%2Fcomments&post=51147"}],"version-history":[{"count":3,"href":"https:\/\/www.donnecultura.eu\/index.php?rest_route=\/wp\/v2\/posts\/51147\/revisions"}],"predecessor-version":[{"id":51154,"href":"https:\/\/www.donnecultura.eu\/index.php?rest_route=\/wp\/v2\/posts\/51147\/revisions\/51154"}],"wp:featuredmedia":[{"embeddable":true,"href":"https:\/\/www.donnecultura.eu\/index.php?rest_route=\/wp\/v2\/media\/51152"}],"wp:attachment":[{"href":"https:\/\/www.donnecultura.eu\/index.php?rest_route=%2Fwp%2Fv2%2Fmedia&parent=51147"}],"wp:term":[{"taxonomy":"category","embeddable":true,"href":"https:\/\/www.donnecultura.eu\/index.php?rest_route=%2Fwp%2Fv2%2Fcategories&post=51147"},{"taxonomy":"post_tag","embeddable":true,"href":"https:\/\/www.donnecultura.eu\/index.php?rest_route=%2Fwp%2Fv2%2Ftags&post=51147"}],"curies":[{"name":"wp","href":"https:\/\/api.w.org\/{rel}","templated":true}]}}