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Arte a Roma – DOPPIO SOGNO – Palazzo Madama

ELISA SIGHICELLI

DOPPIO SOGNO

Palazzo Madama

Piazza Castello, Torino

 

Dal 1 novembre 2017 al 29 gennaio 2018

Inaugurazione a inviti: sabato 4 novembre 2017 ore 17.00

Elisa SIghicelli, Uno, trentasei e sei, 2017, fotografia stampata su raso

Palazzo Madama presenta dal 1 novembre 2017 al 29 gennaio 2018, in occasione di Artissima e di Contemporary 2017, un nuovo progetto che mette in dialogo l’arte antica con quella contemporanea.

La mostraDoppio Sogno – a cura di Clelia Arnaldi, conservatore del museo – si snoda in un percorso tra le sale del Barocco, per le quali l’artista Elisa Sighicelli ha concepito delle opere inedite e specifiche, ispirate all’architettura di Palazzo Madama. Al centro di questa ricerca, la relazione tra l’architettura e la luce.

Attraverso il suo lavoro Elisa Sighicelli compieun’indagine intorno al linguaggio artistico e fotografico, alle modalità di rappresentazione e di percezione della realtà. Le finestre della Veranda juvarriana, affacciata sullo Scalone d’onore, diventano il soggetto di due grandi trittici e di alcune opere singole in un’esplorazione dell’idea di riflesso e trasparenza. Al centro delle opere il vetro, elemento che con i suoi effetti ottici destabilizza e dissolve il soggetto degli scatti fotografici e al contempo fornisce all’artista un filtro attraverso il quale osservare l’architettura del Palazzo. La scelta accurata del supporto di stampa, un leggero tessuto serico, e la modalità di presentazione, che lascia liberi i teli di muoversi sulla parete accrescendo l’ambiguità tra il reale e il rappresentato, creano una tensione tra la fotografia come oggetto e l’immagine reale. Le fotografie sembrano così fluire, come specchi d’acqua increspati, suggerendo una visione onirica.

Il trittico Riflettente trasparente esposto in Sala Quattro Stagioni presenta la finestra della Veranda Sud fotografata con la stessa inquadratura a diverse ore del giorno. La modulazione della luce, con il passaggio graduale nelle tre fotografie dai toni freddi a quelli caldi, indica lo scorrere del tempo e contribuisce a definire la profondità degli spazi.

 

Nel trittico Uno, trentasei e sei presentato in Camera di Madama Reale l’artista gioca con la nozione di scala e il rapporto tra le diverse dimensioni del soggetto fotografato. L’ingrandimento di un dettaglio a dimensioni monumentali suggerisce l’idea di ritrovare un universo in un particolare.

Sighicelli ha inoltre approfondito la ricerca di una corrispondenza tra il soggetto della fotografia e il supporto su cui viene stampata realizzando due opere stampate direttamente su cartongesso nel Gabinetto Cinese e nella Camera Nuova. L’immagine rappresenta una porzione di parete della Veranda juvarriana ed è stampata su materiale edile. Nelle fotografie la geometria barocca della parete e delle decorazioni si sovrappone alla geometria delle ombre e dei colpi di sole prodotti dalla finestra. L’effetto luminoso risulta accentuato grazie al trattamento pittorico del supporto con pigmenti opalescenti.

Nata a Torino nel 1968, Elisa Sighicelli ha studiato arte a Londra dove ha risieduto per diciassette anni. Attualmente vive tra Torino e New York. Ha esposto con mostre personali alla Gagosian Gallery di Londra, Los Angeles, New York e Ginevra. A Londra ha esposto inoltre con MOT Interantional e Laure Genillard Gallery. In Italia con Giò Marconi a Milano e Guido Carbone a Torino. Ha avuto mostre personali in musei italiani e internazionali: GAM, Torino; Palazzo delle Papesse, Siena,  Centro Galego de Arte Contemporánea, Santiago di Compostela; Centro de Fotografia, Università di Salamanca; Fondation Salomon, Annecy. Ha inoltre preso parte a mostre collettive in istituzioni pubbliche italiane e internazionali tra cui: MAMbo, Bologna; MAXXI, Roma; PAC, Palazzo Reale, Poldi Pezzoli, Milano; Mart, Trento; MCA, Sidney; FACT, Liverpool; Herzliya Museum of Modern Art, Herzliya ; ETH, Zurigo; ICA, Londra; National Museum of Women in the Arts, Washington D.C. e recentemente a Palazzo Fortuny, Venezia.

 

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Palazzo Madama – Museo Civico d’Arte Antica

Fondato nel 1863, il museo è oggi ospitato in uno dei più antichi e affascinanti palazzi della città, con testimonianze architettoniche e di storia dall’età romana al Barocco di Filippo Juvarra. Le raccolte contano oltre 60.000 opere di pittura, scultura e arti decorative dal periodo bizantino all’Ottocento. www.palazzomadamatorino.it

Piazza Castello, Torino

Orario: lun-dom 10.00-18.00, chiuso il martedì. La biglietteria chiude 1 ora prima

Tariffe: intero 12 euro, ridotto 10 euro. Gratuito minori 18 anni, possessori di Abbonamento Musei Torino Piemonte e Torino + Piemonte Card.

Fondazione Torino Musei. 150.000 opere d’arte, 2000 anni di storia, 4 musei.

Nata nel 2002, ne fanno parte GAM – Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea, Palazzo Madama – Museo Civico d’Arte Antica, Borgo Medievale e MAO Museo d’Arte Orientale. Lo straordinario patrimonio, tra collezioni, raccolte e strutture, rende l’offerta culturale torinese una delle prime in Italia, anche grazie a collaborazioni attive con i più importanti musei e fondazioni nazionali e internazionali.www.fondazionetorinomusei.it

Arte a Milano da PRADA – Arte a Chicago

Abbiamo visitato la mostra per voi e ne siamo entusiasti, una mostra fuori dagli schemi; dove trovano posto anche bravissimi artisti che non sono tra i soliti noti.

Una mostra per riflettere sulle violenze nel mondo, ma anche con aspetti divertenti e ironici.

Da passarci un’ intera giornata.

FONDAZIONE PRADA PRESENTA UN PROGETTO DI

RICERCA SULLA SCENA ARTISTICA DI CHICAGO

DAL 20 OTTOBRE 2017 AL 15 GENNAIO 2018 A MILANO

Fondazione Prada presenterà nella sede di Milano dal 20 ottobre 2017 al 15 gennaio 2018 un programma di ricerca e di informazione sull’arte sviluppatasi a Chicago nel secondo dopoguerra.

La Fondazione prosegue nella sua strategia di rilettura di momenti della storia dell’arte contemporanea che, anche se non riconosciuti completamente dalla critica, hanno segnato l’attualità delle nuove generazioni artistiche, dai graffitisti ai neo-tecnologici. L’operazione di attraversamento di una pittura caratterizzata dall’impegno politico, dalla narrazione figurativa e dalla radicalità grafica, e per questo rifiutata dalla cultura dominante newyorkese più interessata alla dimensione astratta e impersonale dell’arte, è articolata in tre approfondimenti tematici concepiti e curati da Germano Celant come un unicum – “Leon Golub”, “H. C. Westermann” e “Famous Artists from Chicago. 1965-1975” – e dedicati a due generazioni di artisti formatesi a Chicago tra gli anni Cinquanta e Sessanta.

Questo progetto contribuisce a indagare la produzione artistica nei due decenni fuori dai principali centri di diffusione dell’arte, da Parigi a New York, per focalizzarsi sullo sviluppo di scene alternative nate intorno a scuole e accademie d’arte, in questo caso la School of the Art Institute of Chicago, e in competizione o in posizione critica rispetto al discorso industriale e riduttivo della Minimal Art.

“Leon Golub”, la prima parte del percorso espositivo, si sviluppa nelle gallerie Nord e Sud della Fondazione e affronta due aspetti complementari della produzione dell’artista, presentando 27 acrilici su tela, di spettacolari dimensioni, realizzati dalla fine degli Sessanta agli anni Ottanta e più di 50 fotografie stampate su carta trasparente negli anni Novanta. Golub (Chicago, 1922 – New York, 2004), fin dalla sua formazione a Chicago, esplora un personale approccio alla figurazione, discostandosi dallo stile dominante dell’Action Painting e dell’Espressionismo astratto della New York School. L’esposizione si concentra sulle componenti politiche del suo lavoro che affronta apertamente la durezza della guerra, del razzismo, della tortura e della violenza. Nel corso degli anni, i suoi soggetti sono sempre più estremi, come i riferimenti diretti alla guerra in Vietnam che, trasportati sulle grandi tele – nella serie Mercenaries, ad esempio – diventano simboli della condizione para-militare della vita contemporanea. Nelle trasparenze fotografiche Golub manipola e altera immagini esistenti degli stessi soggetti drammatici e tragici e, dopo averli fotocopiati o fotografati, li trasferisce su grandi fogli trasparenti che enfatizzano il crudo realismo della sua opera.

L’approfondimento dedicato a H. C. Westermann raccoglie nel primo piano del Podium più di 50 sculture di grandi e piccole dimensioni realizzate tra gli anni Cinquanta e gli anni Ottanta e una selezione di opere su carta. Westermann (Los Angeles, 1922 – Danbury, 1981) inizia la sua carriera a Chicago dove, dopo l’esperienza nell’esercito, all’interno del corpo dei Marines, studia arti applicate alla School of the Art Institute. La mostra esplora il suo particolare e intenso approccio alla lavorazione del legno che gli deriva dalle tradizionali tecniche di carpenteria. Il rifiuto per il formalismo e la predilezione per i materiali di recupero, così come la visione nostalgica verso un’America scomparsa e lo sguardo critico sulla brutalità del presente, sono diventati elementi d’ispirazione per le successive generazioni di artisti attivi a Chicago e non, da Jeff Koons a KAWS (Brian Donnelly).

L’ultimo momento espositivo, “Famous Artists from Chicago. 1965-1975”, ospitato al piano terra del Podium, è concepito come un approfondimento dell’opera di artisti attivi negli anni Sessanta e Settanta e protagonisti di mostre che mettevano in discussione le tradizionali convenzioni espositive, di presentazione e fruizione dell’opera d’arte, come “Hairy Who” (1966-‘67), “False Image” (1968-‘69), “Nonplussed Some” (1968-’69), organizzate all’Hyde Park Art Center di Chicago, e l’esposizione itinerante “Made in Chicago”, presentata per la prima volta alla Biennale di San Paolo nel 1973. Il titolo della mostra alla Fondazione riprende la necessità, espressa dall’allora curatore e insegnante Don Baum, di proiettare gli artisti di Chicago sulla scena nazionale e internazionale. “Famous Artists from Chicago. 1965-1975” dimostra la vivacità dell’ambiente culturale della città americana come centro di produzione figurativa e l’eterogeneità dei contributi di alcuni degli artisti noti come Chicago Imagists (Roger Brown, Ed Flood, Art Green, Gladys Nilsson, Jim Nutt, Ed Paschke, Christina Ramberg, Suellen Rocca e Karl Wirsum), che avevano individuato nel Surrealismo e nell’Art Brut le radici delle loro ricerche, così da anticipare le nuove espressioni degli anni Ottanta e Novanta, dal Graffitismo alla Street Art, dai cartoons selvaggi ai murales urbani.

Il progetto sarà accompagnato da tre pubblicazioni della serie dei Quaderni della Fondazione che, attraverso testi e materiali inediti, ne approfondiranno i temi.

fondazioneprada.org

Arte a Ferrara – Palazzo dei Diamanti – Carlo Bononi

Palazzo dei Diamanti

 Carlo Bononi

“l’ultimo sognatore dell’Officina ferrarese”

Sino al 7 febbraio 2018

 Carlo Bononi,  fu uno dei grandi protagonisti della pittura del Seicento.

Anche Guido Reni, che lo apprezzò per la “sapienza grande nel disegno e nella forza del colorito”, paragonò il Bononi a Caravaggio e Zurbarán.

La mostra, è a cura di Giovanni Sassu e Francesca Cappelletti.

Bonomi è famoso per le sue scene mitologiche, ma anche per i grandi cicli decorativi sacri, le pale d’altare e come capace naturalista.

Martiri e santi sono dipinti con ambiziosa perfezione.

ORGANIZZAZIONE DELLA MOSTRA: Fondazione Ferrara Arte e dalle Gallerie d’Arte Moderna e Contemporanea di Ferrara

CARLO BONONI
L’ultimo sognatore dell’Officina ferrarese
Ferrara, Palazzo dei Diamanti
14 ottobre 2017 – 7 gennaio 2018
Informazioni
tel. 0532 244949 | diamanti@comune.fe.it
www.palazzodiamanti.it

Arte a Mendrisio – Museo d’arte “il paradiso di Cuno Amiet da Gauguin a Hodler …

Museo d’arte Mendrisio,

“il paradiso di Cuno Amiet

da Gauguin a Hodler, da Kirchner a Matisse”

 

sabato 21 ottobre alle ore 17:00;  inaugurazione

La rassegna del Museo d’arte di Mendrisio, la prima in Ticino e in area italiana, composta da circa settanta dipinti e una sessantina di opere su carta, ricostruisce il lungo e ricchissimo percorso pittorico di Amiet.

Amiet era senza dubbio, con Hodler, una delle figure di riferimento in ambito confederato, non solo per i suoi contemporanei, ma pure per artisti di una o due generazioni più giovani.

All’interno del percorso il ruolo centrale occupato da Amiet nella storia artistica svizzera sarà testimoniato da una decina di puntuali confronti con artisti del panorama contemporaneo europeo

da Paul Gauguin e Emile Bernard a Henri Matisse, da Giovanni Giacometti e Ferdinand Hodler a Ernst Ludwig Kirchner, da Alexej von Jawslensky

e Marianne Werefkin a August Macke, da Gabriele Münter a ErnstMorgenthaler, così da poter ricreare nelle sale il clima nel quale si è mossa l’intera carriera di Amiet.

Museo d’arte Mendrisio Città di Mendrisio

Piazzetta dei Serviti 1

CH-6850 Mendrisio

T. +41 58 688 33 50

museo@mendrisio.ch

www.mendrisio.ch/museo

Arte a Milano – Tosi e Sironi: due maestri – Inaugurazione 9 novembre 2017

VS Arte
via Appiani 1 – Milano
Tosi e Sironi: due maestri, due amici
a cura di Elena Pontiggia
10 novembre 2017 – 20 gennaio 2018
inaugurazione giovedì 9 novembre, ore 18.30

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Arturo Tosi, Tre alberi con casolare , anni ’30

Si inaugura giovedì 9 novembre la mostra “Tosi e Sironi: due maestri, due amici”, a cura di Elena Pontiggia , ospitata dalla galleria VS Arte . L’esposizione aperta dal 10 novembre al 20 gennaio presenta un corpus di lavori dei due grandi artisti fra cui opere pittoriche , acquerelli , carte , inchiostri e illustrazioni .
La rassegna, la prima dopo vari anni che Milano dedica ad Arturo Tosi , comprende alcune opere fondamentali del percorso dell’artista, provenienti dalla Associazione Arturo Tosi di Rovetta e da collezioni private. Il percorso espositivo muove dalla pittura giovanile di Tosi e, attraverso gli sbalorditivi nudi “alcoolici” del 1895 (vero esempio di informale ante litteram), giunge alle opere degli anni venti e trenta, come i famosi Paesaggi e le altrettanto celebri Nature morte. Sono inoltre esposti alcuni preziosi acquerelli, tra i pochi superstiti dall’incendio vandalico dello studio dell’artista, avvenuto nel 1944.
Affianca l’opera di Tosi quella di Sironi , amico e compagno di strada del pittore varesino, con cui condivise l’esperienza del Novecento Italiano. Di Sironi sono esposte tra l’altro una serie di carte e inchiostri, che vanno dalle famose tavole per la rivista di trincea “Il Montello”, dipinte al fronte nel 1918, alle illustrazioni per “Il Popolo d’Italia” del 1920-21, fino alle maestose figure degli anni venti.
Accompagna la mostra un catalogo con un testo di Elena Pontiggia.
Nel corso della rassegna verrà presentato il libro “Arturo Tosi e il Novecento. Lettere dall’archivio di Rovetta”, a cura di Elena Pontiggia, che pubblica importanti documenti inediti su Tosi e sugli artisti e intellettuali che lo hanno frequentato.
Arturo Tosi (Busto Arsizio, 1871 – Milano, 1956) è stato uno dei protagonisti della pittura italiana del Novecento. Dopo aver attraversato, durante la giovinezza, una stagione caratterizzata da una originale componente segnica e materica che lui stesso definiva “periodo alcoolico”, aderisce al Novecento Italiano, fondato nel 1922 da Sironi, Funi e altri artisti, riuniti intorno al critico Margherita Sarfatti. La sua pennellata fluida e pastosa si riallaccia a una scuola pittorica che dal Fontanesi e dal Piccio giunge alla Scapigliatura e a Gola, mentre con il gruppo sarfattiano condivide il senso della sintesi e di una salda struttura architettonica, nel suo caso mutuata da Cézanne. Nel 1931 vince il Premio di Pittura alla Quadriennale di Roma. Di lui si interessano i maggiori critici, da Waldemar George (che nel 1933 pubblica a Parigi una sua importante monografia) ad Argan, da Carrieri a Savinio.
Mario Sironi nasce a Sassari nel 1885 e nel 1886 si trasferisce con la famiglia a Roma. Nel 1898 gli muore il padre. Intorno al 1903-4 frequenta Balla, diventando amico di Boccioni, Severini e altri. Nel 1913 aderisce in seguito al futurismo. Allo scoppio della guerra combatte al fronte. Nel 1919 si trasferisce a Milano e dipinge i primi paesaggi urbani: forme potenti e sintetiche, di ispirazione classica, segnate però da una drammaticità moderna. Si avvicina intanto al fascismo. Nel 1922 è tra i fondatori del Novecento Italiano, intorno a Margherita Sarfatti. Negli anni Trenta Sironi si concentra soprattutto sulla grande pittura murale, eseguendo numerose opere monumentali. Nel 1943 aderisce alla Repubblica di Salò e il 25 aprile si salva dall’essere fucilato grazie all’intervento di Gianni Rodari. Nel 1948 perde la figlia Rossana, che si uccide diciottenne. Mario Sironi muore a Milano nel 1961.
VS Arte nasce nel 2017 dalla passione per l’arte e il collezionismo dei due fondatori, Vincenzo Panza e Samantha Ceccardi. Vincenzo Panza, vanta una trentennale esperienza nel management di aziende multinazionali e Samantha Ceccardi è attiva da oltre vent’anni nell’organizzazione di eventi e grandi manifestazioni.
VS Arte è una nuova realtà che unisce arte e dinamiche dell’economia in uno spazio unico, quello di Appiani Arte per Immagini, il cui prestigio è legato al nome del noto gallerista e mecenate Alfredo Paglione , la cui galleria è stata il punto di riferimento per tutti i più grandi artisti del panorama nazionale e internazionale del ‘900. Ha ospitato maestri affermati tra cui Guttuso, Sassu, Manzù, Fontana, De Chirico e grandi figure dell’arte internazionale come Picasso, Rauschenberg, Grosz, Gropper e Levin. I suoi spazi sono stati un cenacolo dinamico e fertile per letterati, musicisti e intellettuali di grande spessore, tra cui Raffaele Carrieri, Carlo Levi, Dino Buzzati, Salvatore Quasimodo, Leonardo Sciascia, Mario Luzi e Giuseppe Ungaretti. Un’osmosi, quella creatasi in questo luogo, tra arte e poesia che ha dato vita a una atmosfera rara, fruttuosa e creativa che VS Arte intende proseguire, coadiuvata da Alfredo Paglione, attraverso esposizioni ed eventi di grande richiamo sia per far emergere nuovi artisti che per dare lustro alle opere dei grandi maestri.
Al centro delle attività di VS Arte emergono la tutela, la gestione e la valorizzazione di opere d’arte, la promozione e la diffusione dell’arte contemporanea e il suo sviluppo in Italia e all’estero .
Coordinate mostra
Titolo Tosi e Sironi: due maestri, due amici
A cura di Elena Pontiggia
Sede VS Arte, via Appiani 1 – 20121 Milano
Date 10 novembre 2017 – 20 gennaio 2018
Inaugurazione giovedì 9 novembre, ore 18.30
Orari dal martedì al sabato, ore 15.30 – 19.30
Ingresso libero
Info pubblico Tel. +39 335 8004220 – info@vsarte.it – www.vsarte.it

Da non perdere – ARTISSIMA 24 – Artissima goes digital !

ARTISSIMA 24

Ricercata e innovativa

Edizione 2017 

Artissima goes digital!

È ora online la versione completa

del catalogo digitale Artissima.art.

Artissima 2017
Oval, Lingotto Fiere Torino
2 novembre 2017
|Presentazione alla stampa, preview, vernissage
3-4-5 novembre 2017 |Apertura al pubblico

Artissima, Internazionale d’Arte Contemporanea, apre la sua 24esima edizione a Torino dal 3 al 5 novembre 2017 e lancia oggi la piattaforma digitale  artissima.art, dove collezionisti, professionisti del settore, appassionati e nativi digitali potranno esplorare in anteprima le gallerie, gli artisti e le opere della fiera.

Fedele alla sua identità sperimentale, ricercata e innovativa che la rende un evento d’eccellenza nel panorama fieristico internazionale, Artissima 2017 intercetta le tendenze del mondo dell’arte attraverso un modello alternativo di diffusione e fruizione della cultura.

A due settimane dall’inaugurazione dell’evento viene lanciata la piattaforma  Artissima Digital, un progetto sviluppato con il sostegno di Compagnia di San Paolo per trasformare la fiera in un  ecosistema digitale, vivo e partecipato anche dopo l’evento.

Il catalogo della fiera diventa digitale: ogni visitatore potrà esplorare la fiera virtualmente e studiarne i contenuti. Registrandosi poi potrà attivare una propria area dedicata in cui salvare le opere, le gallerie e gli artisti che più lo affascinano, creando così la sua personale ‘collezione virtuale’.

Questo nuovo ecosistema viene arricchito da un’  agenda online che, interagendo con la wishlist, consente agli utenti registrati di archiviare anche gli eventi favoriti: talk, visite guidate, premiazioni e incontri.

Per poter programmare la propria visita all’Oval, navigando la fiera in modo più approfondito e immediato durante e dopo la settimana dell’arte contemporanea torinese.

Artissima Digital offre inoltre alla fiera la possibilità di dialogare e coinvolgere audience diverse anche attraverso rubriche social che accompagneranno il pubblico tutto l’anno ( #ArtissimaRewind) e con una completa offerta editoriale.

Il blog della fiera, sempre vivo di contenuti aggiornati, rende l’esperienza ‘Artissima’ unica ospitando i contributi della redazione di  #ArtissimaLive, una piattaforma condivisa dove riviste on-line, blogger, siti web di settore collaborano alla creazione di contenuti prodotti in diretta nei giorni dell’evento. Quest’anno la rosa dei partecipanti – coordinati da Elena Bordignon – comprende: ATPdiary (Milano); Art Dependence (Anversa); Aujourd’hui Magazine (Lisbona); Fruit of the forest (Miami e Milano); Kabul Magazine (Milano); The Exhibitionist (USA).

Infine, accanto all’area dedicata ai blogger e in continuità con essa, Artissima introduce per la prima volta nel 2017 anche la  #SocialRoom, spazio fisico in cui il pubblico digitale della fiera potrà ricaricare i propri dispositivi, trovando un ambiente ricco di stimoli e suggestioni.

Tutto l’ecosistema digitale sarà consultabile in fiera grazie a due postazioni dedicate poste all’ingresso del padiglione che consentiranno di sfogliare non solo il catalogo online per informazioni last-minute, ma anche il ricco calendario di eventi.

ARTISSIMA 2017 Internazionale d’Arte Contemporanea

3-4-5 novembre 2017

OVAL – Lingotto Fiere

T +39 011 19744106

www.artissima.it | info@artissima.it

Facebook: Artissima Fair

Twitter: @ArtissimaFair

Instagram: ARTISSIMAFAIR

Pinterest: Artissima

Youtube: Artissima Fair

Artissima è un marchio di Regione Piemonte, Città Metropolitana di Torino e Città di Torino; per incarico dei tre Enti, afferisce alla Fondazione Torino Musei. La ventiquattresima edizione di Artissima viene realizzata attraverso il sostegno dei tre Enti proprietari del marchio, congiuntamente a Fondazione per l’Arte Moderna e Contemporanea CRT, Compagnia di San Paolo e Camera di commercio di Torino. L’organizzazione di Artissima è curata da Artissima srl, società costituita nel 2008 per gestire i rapporti artistici e commerciali della fiera. L’immagine e il progetto grafico di Artissima sono a cura dello Studio Sonnoli.

PARTNERS & FRIENDS

Main Partner UniCredit

Partner Art Defender, Edit, Gruppo Campari, illycaffè, Irinox, K-Way, Lancia, Lauretana, Montblanc, Nino Franco Prosecco, QC Termetorino, Fondazione Sardi per l’Arte, Torino Outlet Village, Tosetti Value

In-kind partner Artek, Cappellini, Carioca, Cassina, Dedar, Driade, Edra, F/ART, Gebrüder Thonet Vienna, GL Events Italia – Lingotto Fiere, Golran, Gufram, Guido Gobino, Lago Design, Magis, Marrone, Metalsistem, Moroso, Nemo Lighting, Pastiglie Leone, Torino Airport | Sagat, Trenitalia, Vitra

Official Carrier Arterìa

Official Insurance Art Defender Insurance

Media Partner La Stampa, Artsy

Media Coverage Sky Arte HD

 

Arte a Milano – Apre oggi Toulouse-Lautrec

Grande mostra  dal 17 ottobre 2017 al 18 febbraio 2018 al Palazzo Reale a Milano

Henri de Toulouse-Lautrec, uno dei più affascinanti protagonisti dell’Ottocento francese

Dal Musée Toulouse-Lautrec di Albi :

35 dipinti, litografie, acquaforti, oltre a tutti i 22 manifesti realizzati dall’artista.

Dal 17 ottobre 2017 al 18 febbraio 2018, Palazzo Reale di Milano celebrerà Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901) con una grande mostra monografica che ne evidenzierà l’intero percorso artistico e i tratti di straordinaria modernità.

La mostra, a cura di Danièle Devynck (direttrice del Museo Toulouse-Lautrec di Albi) e Claudia Zevi, è promossa e prodotta da Comune di Milano-Cultura, da Palazzo Reale, da Giunti Arte Mostre Musei e da Electa, con il Musée Toulouse-Lautrec di Albi el’Institut national d’histoire de l’art (INHA) di Parigi.

Il progetto espositivo, articolato in sezioni tematiche, condurrà il visitatore a comprendere il fascino e l’importanza artistica del pittore bohémien che, senza aderire mai a una scuola,  seppe costruire un nuovo e provocatorio realismo, sintesi estrema di forma, colore e movimento.
L’evoluzione stilistica dell’autore, di origine aristocratica ma testimone della Parigi dei bassifondi e delle case chiuse, verrà delineata in tutte le sue fasi di maturazione, dalla pittura alla grafica, con particolare riguardo per la sua profonda conoscenza delle stampe giapponesi e per la passione verso la fotografia.

In mostra saranno esposte oltre 250 opere di Toulouse-Lautrec, con ben 35 dipinti, oltre a litografie, acqueforti e la serie completa di tutti i 22 manifesti realizzati dall’artista ‘maledetto’, provenienti dal Musée Toulouse-Lautrec di Albi e da importanti musei e collezioni internazionali come la Tate Modern di Londra, la National Gallery of Art di Washington, il Museo Puškin di Mosca, il Museum of Fine Arts di Houston, il MASP (Museu de Arte di San Paolo), ela Bibliotheque Nationale de France di Parigi, per non citare che i principali prestatori, e da diverse storiche collezioni private.

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Dal 17 Ottobre 2017 al 18 Febbraio 2018

MILANO

LUOGO: Palazzo Reale

CURATORI: Danièle Devynck, Claudia Zevi

ENTI PROMOTORI:

  • Comune di Milano-Cultura
  • Palazzo Reale
  • Giunti Arte Mostre Musei
  • Electa
  • Musée Toulouse-Lautrec di Albi
  • Institut national d’histoire de l’art (INHA) di Parigi

SITO UFFICIALE: http://www.palazzorealemilano.it

Arte a TORINO – ARTWEEK

TORINO ARTWEEK

31.10 / 5.11

In occasione dell’artweek torinese viadellafucina16 – primo esperimento internazionale dcondominio-museo – apre le sue porte alla città per restituire i risultati dei primi intensi mesi di incubazione, divenuti rapidamente modello e ispirazione per altre progettualità che stanno fiorendo in varie parti d’Italia.

Il condominio, luogo di intersezione tra dominio pubblico e privato, della democrazia come del conflitto, apre i suoi spazi per promuovere un nuovo modello di condivisione, scambio e apertura alla differenza e per avviare un processo di trasformazione e conoscenza collettiva, mediato dal potere dell’arte, della bellezza e della cura.

Quattro le iniziative in programma dal 31 Ottobre negli spazi comuni dello stabile.

Al piano terra, nello Spazio Idiòt, trova posto la collettiva “I ragazzi di via della Fucina” con opere di 24 artisti internazionali under35, trai 442 partecipanti al bando di residenza.
Grazie alla collaborazione con NESXT, il festival degli spazi indipendenti diretto da Olga Gambari, già dal 26 Ottobre sarà presente “THERE IS NO PLACE LIKE HOME” con una galleria di manifesti allestiti nell’atrio del condominio-museo.

Il gruppo ha anche invitato gli artisti Calixto Ramirez e Josè Angelino a realizzare un intervento site specific all’interno del Laboratorio Fucina16, sul grande giardino condominiale.
Al primo piano, infine, si potrà assistere dal vivo alla realizzazione dell’intervento pittorico “Assemblea di Condominio” di Francesco Maluta, già da alcune settimane in residenza a viadellafucina16.

L’opening sarà martedì 31 Ottobre alle ore 17.30

Domenica 5 Novembre alle ore 18, viadellaFucina16 si trasferisce all’interno di ARTISSIMA per un momento di dibattito e riflessione insieme ai membri del Comitato Scientifico:

Luisa Perlo (A.Titolo), Ilaria BonacossaMario CristianiIlda CurtiAlessandra PioselliAnna PirontiPier Luigi SaccoCatterina Seia oltre a Brice Coniglio (ConiglioViola), ideatore e direttore artistico del progetto.

Non dimenticate di seguire la pagina facebook del progetto.

viadellafucina16 è un progetto di Kaninchen-Haus
da un’idea di Brice Coniglio

con il sostegno di SIAE e MiBACT
nell’ambito di “Sillumina – Copia privata per i giovani e la cultura”
e del Programma Housing di Compagnia di San Paolo
nell’ambito del bando “Abitare una casa, vivere un luogo”.

Con il Patrocinio della Regione Piemonte, della Città di Torino e del GAI Giovani Artisti Italiani.

sponsor tecnico: SIKKENS ITALIA
 

con la collaborazione dell’Assessorato alla Cultura della Città di Torino, del Dipartimento Educazione del Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea, del Dipartimento Culture Politica Società dell’Università degli Studi di Torino,  a.titolo, Liberitutti, Progetto The Gate Porta Palazzo.

ENGLISH

For this year Turin’s ARTWEEK, viadellafucina16 – the first international experiment of condominium-museum – opens its doors to the city showing the results of the first intense months of incubation, which already became an inspiring model for other projects that are coming to life in Turin and other parts of Italy.

The condominium, meeting point between the public and the private domain, place of democracy and conflict, opens its spaces to promote a new model for sharing, exchange and openness towards diversity, starting a process of transformation and collective knowledge, mediated by the power of art, beauty and care.

There are four initiatives in the programme taking place from October 31st in the building’s common spaces.

At the ground floor, in the space Idiòt, it will take place the group exhibition “I ragazzi di via della Fucina”, with works by 24 international artists under35, selected in between the 442 participants of the residency open call.

Thanks to the collaboration with NESXT, the festival of independent spaces directed by Olga Gambari, from October 26th it will be on show “THERE IS NO PLACE LIKE HOME”, a collection of posters in the hall of the condominium-museum.

The same group invited the artists Calixto Ramirez e Josè Angelino to create a site-specific intervention inside the workshop Fucina16, in front of the condominium’s big garden.
To end, on the first floor it will be possible to attend at the making of “Assemblea di Condominio” by Francesco Maluta, artist in residence at viadellafucina16 since a few weeks already.

The opening will be on Tuesday 31st of October, at 5:30 pm.

Sunday November 5th, at 6 pm, viadellafucina16 will be inside ARTISSIMA bringing a public moment of debate and reflection with the members of the Scientific Committee: Luisa Perlo (A.Titolo), Ilaria Bonacossa, Mario Cristiani, Ilda Curti, Alessandra Pioselli, Anna Pironti, Pier Luigi Sacco, Catterina Seia and Brice Coniglio (ConiglioViola), creator and artistic director of the project.

We also invite you to take a look at the pages dedicated to KaninchenHaus by Artribune Magazine 39 that enrich the press of the project. You can find it here: http://viadellafucina16.kaninchenhaus.org/press

More important news are to come, we will reveal them on day by day basis on the http://facebook.com/viadellafucina16.

 

Arte al femmminile a Rancate – DIVINA CREATURA

DIVINA CREATURA
La donna e la moda nelle arti del secondo Ottocento

Sede: Pinacoteca cantonale Giovanni Züst, Rancate (Mendrisio), Canton Ticino, Svizzera; piccolo museo-gioiello, famoso per le sue mostre, sempre raffinate e sorprendenti.

Date: 15 ottobre 2017 – 28 gennaio 2018

A cura di: Mariangela Agliati Ruggia, Sergio Rebora e Marialuisa Rizzini.

Sessanta sculture e dipinti assolutamente affascinanti.

E, per corredo, una sequenza di ventagli d’autoredipinti cioè da grandi artisti, spesso i medesimi che ritraevano le “belle Signore” – e un nucleo di preziosi abiti d’epoca.

Se il tutto si volesse proprio ancorare ad una data, si potrebbe individuarla nel 1858, l’anno in cui a Parigi esplose l’Haute Couture di Worth, subito amplificata e diffusa dai primi Grand Magasins che spopolano nelle principali metropoli europee.

Veicolano offerte molto differenziate per il pubblico femminile e fanno si che l’”essere alla moda” diventi l’imperativo condiviso nella seconda metà dell’Ottocento dalle donne di pressoché tutti i ceti sociali.

La circolazione di figurini e di molte riviste illustrate, tra cui la celebre “Margherita”, l’irrompere della fotografia, specie nel formato carte de visite, i celebri affiches di Sartorie e Grandi Magazzini, portano a diffondere la moda, in modo molto capillare.

Sono anni in cui si consolida il ruolo della donna, ora anche protagonista al di fuori delle pareti domestiche.

Attentissima al proprio ruolo sociale e alla immagine che contribuiva a veicolarlo.

Pur presentando alcuni favolosi abiti d’epoca e un nucleo di ventagli firmati da Giovanni Segantini, Gaetano Previati, Federico Zandomeneghi, Giuseppe De Nittis, Pompeo Mariani e Pietro Fragiacomo, la Pinacoteca Züst sceglie di illustrare questo felice momento storico ricorrendo alle testimonianze che i grandi artisti ci tramandano attraverso le loro magnifiche opere.

Ed è soprattutto attraverso il ritratto su commissione che è possibile seguire le rapide e sorprendenti evoluzioni dell’abbigliamento femminile: i personaggi effigiati, sia che appartengano all’aristocrazia, ancora assai influente anche come esempio di gusto, o alla borghesia, posano per i pittori e gli scultori vestiti e acconciati con attenzione nei confronti dei dettami imposti dalla moda ma anche, assecondando sottili strategie comportamentali, in modo da mostrarsi in sintonia con il proprio preciso ruolo sociale.

Spesso i modelli sono rappresentati da donne simbolo, a cominciare dalla regina d’Italia, Margherita di Savoia, o da figure appartenenti all’aristocrazia internazionale distinte grazie alla propria eleganza, come, per restare nel Cantone Ticino, la contessa Carolina Maraini Sommaruga (1869-1959). Alla sua personalità emblematica verrà dedicata una sezione apposita, ponendo un’attenzione particolare alle attività filantropiche della contessa, che la portarono ad esempio a donare la sua villa romana alla Confederazione, oggi sede dell’Istituto Svizzero, che presterà il suo ritratto realizzato da Vittorio Corcos.

E’ la prima volta che la figura di Carolina Maraini viene ampiamente trattata e presentata in una mostra: in questa occasione si ricostruirà anche nei dettagli l’ambiente in cui viveva (abiti, accessori, mobilio, ma anche opere di celebri artisti che la ritrassero come Marino Marini e Giovanni Boldini).

Negli anni del realismo, accanto a Bertini – caposcuola il cui ruolo appare oggi non ancora pienamente riconosciuto – tra i ritrattisti più significativi in tal senso si ricordano almeno Domenico e Gerolamo Induno, Eleuterio Pagliano, Mosè Bianchi, Antonio Ciseri, Tranquillo Cremona, Ernesto Fontana, in una mappa che attraversa le regioni d’Italia e travalica il confine elvetico.

Negli anni che scivolano verso la fine del secolo non si parla ormai più di fenomeno di moda solo attraverso l’abbigliamento, ma anche attraverso la gestualità, le movenze, la dizione, in una parola: lo stile.

Sono interpreti di questo rinnovato ritratto mondano maestri celebrati anche Oltralpe, come Giovanni Boldini, Paul Troubetzkoy, Vincenzo Vela, Vittorio Corcos, Giacomo Grosso, oltre ai ticinesi Pietro Chiesa, Luigi Rossi e Adolfo Feragutti Visconti.

Accanto al ritratto, negli anni del realismo è la pittura di genere a documentare con efficacia iconografica ed esemplare obbiettività l’evoluzione della moda femminile, ma anche le più diffuse tipizzazioni dei ruoli.

Dopo il 1860 in pittura si moltiplicano le scene di ambientazione quotidiana e borghese, ispirate a momenti di vita familiare in cui è protagonista, come si diceva, la donna. Si tratta di composizioni che sullo sfondo di interni domestici o di strade cittadine o di paese rappresentano figure femminili impegnate nei lavori ad ago, nella lettura, nella conversazione, nel passeggio, in riposo, con i figli.

Di ciascuna, molto spesso, gli artisti restituiscono l’abbigliamento con dettagliata cura perfino negli accessori, in modo da permettere allo spettatore di seguire, di anno in anno, le minime mutazioni di gusto, trasformando la moda in uno degli elementi che determinano la modernità dell’opera.

Questo filone, che si ispira alla pittura internazionale lanciata dalla Casa d’Arte Goupil e che trova i suoi vertici in maestri quali Ernest Meissonier e Mariano Fortuny, accomuna la sperimentazione degli artisti di tutte le scuole regionalistiche italiane e di quella del Cantone, dai Macchiaioli – tra cui Antonio Puccinelli e Odoardo Borrani – ai cosiddetti italiani a Parigi come Giovanni Boldini.

Come detto, sarà per la prima volta studiato e proposto un genere specifico, quello dei ventagli eseguiti da artisti: accessori femminili di primissimo piano per tutto il diciannovesimo secolo, alcuni dei quali portano firme illustri.
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Informazioni:
Pinacoteca cantonale Giovanni Züst

ENTRATA 10 franchi

Chiuso il lunedì;  nel giorni di apertura sempre chiuso dalle ore 12 alle 14.
CH-6862 Rancate (Mendrisio), Canton Ticino, Svizzera
Tel. +41 (0)91 816 47 91; decs-pinacoteca.zuest@ti.ch; www.ti.ch/zuest

 

“Divina creatura, … grazie al suo focus sulla contessa di origini ticinesi, si aggiunge un nuovo tassello al tema trasversale, quasi un fil rouge, che caratterizza negli anni il programma espositivo della Pinacoteca: la donna nell’arte, presentata o come soggetto o essa stessa artista.

Ricordiamo La donna ticinese nel ritratto, Doni d’amore. Donne e rituali nel Rinascimento e Leggere, leggere, leggere!, dove molte erano le figure femminili ritratte, anche da Albert Anker nella sezione a lui dedicata, mentre, per le donne artiste, possiamo citare le mostre sulla pittrice Rosetta Leins e sulla ceramista Raffaella Columberg, o la recente donazione di opere di Valeria Pasta Morelli, che confluiranno in una mostra nel 2018.
Un contributo essenziale, quello della Pinacoteca Züst, sulle presenze femminili nel mondo dell’arte, ancora oggi purtroppo poco rappresentate”. RAFFAELLA CASTAGNOLA ROSSINI

PRESENTAZIONE DI RAFFAELLA CASTAGNOLA ROSSINI
Direttrice della Divisione della cultura e degli studi universitari (DCSU)

Ritratti femminili

Il 2016 è stato un anno indubbiamente significativo per la Pinacoteca cantonale Giovanni Züst, caratterizzato dalle celebrazioni per il cinquantesimo anniversario della donazione al Cantone Ticino della collezione di dipinti da parte del mecenate basilese, che ha portato alla nascita dell’istituto museale cantonale.

La ricorrenza ha offerto lo spunto per valorizzare relazioni e scambi con altri due musei elvetici (l’Antikenmuseum und Sammlung Ludwig di Basilea e l’Historisches und Völkerkundemuseum di San Gallo), anch’essi beneficiari di un lascito di Giovanni Züst.

È stato un momento importante per il Dipartimento dell’educazione, della cultura e dello sport, che ha voluto promuovere la ricerca sulla figura del donatore e sostenerne il giubileo con un volume monografico e una giornata di studio.

Già da tempo l’attività espositiva della Pinacoteca si è distinta per l’affermarsi di interessanti collaborazioni al di là dei confini cantonali e per la contestualizzazione delle ricerche e delle mostre in un più ampio raggio territoriale: la costante e intelligente volontà di ampliare lo sguardo oltre la cultura locale – a partire dal prezioso nucleo della sua collezione – ha fatto dell’ubicazione della Pinacoteca nel Mendrisiotto il punto di forza per i contatti con l’Italia, senza trascurare di tessere anche quelli a settentrione.

La Pinacoteca ha sovente presentato tematiche regionali quale aggancio per far conoscere e approfondire quelle internazionali. Viceversa, prendendo spunto da correnti e vicende artistiche internazionali, o dal settore del collezionismo, ha permesso di scoprire o rileggere artisti e creazioni del territorio ticinese.

Tale caratteristica apertura dal Ticino lungo i tracciati europei è confermata, anzi, addirittura estesa con originalità, nella mostra Divina creatura, dove nel contesto più ampio del tema della moda nell’Ottocento lo sguardo si spinge nella Roma novecentesca, seguendo il percorso di una nobildonna ticinese, Carolina Maraini-Sommaruga. L’esposizione avvicina indirettamente il pubblico alla storia di un’altra istituzione elvetica, internazionale e di grande importanza per il Ticino: l’Istituto Svizzero di Roma con sede a villa Maraini, donata alla Confederazione proprio dalla contessa, che con la sua attività l’aveva già resa un centro intellettuale e sociale. L’Istituto figura anche tra i prestatori di opere, con il ritratto di Carolina.

È interessante pensare che, parallelamente ai ritratti d’artista ancora molto richiesti nell’Ottocento, soprattutto in ambito pittorico, nello stesso periodo nasceva la fotografia.

Questa nuova arte, utilizzata in funzione rappresentativa, avrà uno sviluppo e una diffusione capillare fra tutti i ceti sociali, anche meno abbienti di quelli in mostra a Rancate. A differenza del ritratto pittorico, in declino.

Nel Ticino si conservano alcuni archivi fotografici a testimonianza di questa evoluzione.

Ricordiamo, ad esempio, il recupero e la valorizzazione dell’Archivio Donetta di Corzoneso, che in altre occasioni ha già collaborato con la Züst ed è stato ospitato nel 2015-2016 dall’allora Museo cantonale d’arte: anche in queste fotografie, l’abito e l’accessorio, ancorché di più modesta fattura rispetto a quelli in mostra, assurgono a protagonisti e testimoni di un’epoca, quasi più eloquenti e disinvolti degli stessi soggetti ritratti.
Per la mostra Divina creatura è stato invece coinvolto un altro archivio ticinese: l’approfondimento della figura della contessa Carolina Maraini-Sommaruga è stato infatti possibile grazie al lavoro dell’Associazione Archivi Riuniti delle Donne Ticino (AADRT), che raccoglie, cataloga e promuove i documenti riguardanti personalità femminili ticinesi, attive in diversi settori (culturali, sociali, pedagogici, politici).
Sempre nell’ambito della promozione di fondi d’archivio, la Divisione della cultura e degli studi universitari, tramite il Sistema per la valorizzazione del patrimonio culturale, ha realizzato nel 2015 il portale “Sàmara”, una piattaforma online di ricerca unificata nelle banche dati di istituti culturali. Dopo una prima fase di collaborazione con il Sistema bibliotecario ticinese, nel 2016 vi hanno aderito la Pinacoteca Züst con il catalogo della sua collezione, la Fonoteca nazionale svizzera, il Dizionario storico svizzero e l’Archivio di Stato con i suoi fondi fotografici. Altri istituti sono ormai pronti per condividere la propria documentazione.
Tornando alla mostra Divina creatura, è utile sottolineare come, anche grazie al suo focus sulla contessa di origini ticinesi, si aggiunge un nuovo tassello al tema trasversale, quasi un fil rouge, che caratterizza negli anni il programma espositivo della Pinacoteca: la donna nell’arte, presentata o come soggetto o essa stessa artista. Ricordiamo La donna ticinese nel ritratto, Doni d’amore. Donne e rituali nel Rinascimento e Leggere, leggere, leggere!, dove molte erano le figure femminili ritratte, anche da Albert Anker nella sezione a lui dedicata, mentre, per le donne artiste, possiamo citare le mostre sulla pittrice Rosetta Leins e sulla ceramista Raffaella Columberg, o la recente donazione di opere di Valeria Pasta Morelli, che confluiranno in una mostra nel 2018.
Un contributo essenziale, quello della Pinacoteca Züst, sulle presenze femminili nel mondo dell’arte, ancora oggi purtroppo poco rappresentate.

Arte a Vienna – If it’s too long-make it longer

Thomas-Bayrle-$ cartone-con-automobiline-1980
Thomas-Bayle-Eurocheque-1973 – particolare

Thomas Bayrle

If it’s too long-make it longer

Curatori:   Nicolaus Schafhausen, Bärbel Vischer.

Nella sua mostra personale che riflette la collezione MAK, Thomas Bayrle (nato a Berlino nel 1937) unisce le tecniche artigianali tradizionali con l’arte generata dal computer; esplorando l’ambivalenza dell’arte, dell’artigianato e dell’industria e generando sue proprie forme caleidoscopiche.

Con il progetto di Bayrle, il MAK diventa l’arena per una nuova interazione tra arte e artigianato, artista e tessitore.

La mostra è accompagnata dalla pubblicazione Musterzeichner , curata da Christoph Thun-Hohenstein, Nicolaus Schafhausen e Bärbel Vischer, con testi di Spyros Papapetros, Nicolaus Schafhau-sen, Christoph Thun-Hohenstein e Bärbel Vischer (tedesco / inglese).
 
Questa mostra è stata prodotta in collaborazione con Phileas – Un Fondo per l’Arte Contemporanea .

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Dal 25.10.2017- al 02.04.2018

GALLERIA MAK – Vienna – Austria.

UN MUSEO APERTO ANCHE A BAMBINI E FAMIGLIE CON UN RICCO PROGRAMMA; QUI SOTTO ILLUSTRATO

 

Apertura

Mar, 24.10.2017, ore 19.00
Sulla mostra
Christoph Thun-Hohenstein , Direttore Generale, MAK
Nicolaus Schafhausen , curatore
Bärbel Vischer , curatore

L’artista sarà presente

Apertura
Thomas Drozda , Ministro federale per le arti e la cultura, la Costituzione e i media

Visita guidata

Visite guidate regolari
fino al 10.12.2017: sabato, ore 14 e dom, ore 15.00
dal 16.12.2017: Sab, ore 14.00

Visita della MAK e della mostra
Mar, ore 18.00

Dialogo Tour

Mar, 14.11., Ore 20.00
con Thomas Bayrle ei curatori Nicolaus Schafhausen e Bärbel Vischer

Curatori COME GUIDE

Gio, 25.1.2018, ore 16.00
Tue, 6.2.2018, ore 19.00
Sab, 27.2.2018, ore 19.00
con il curatore Nicolaus Schafhausen

Gio, 9.11, 16.00
Gio, 7.12., 16.00
Mar, 19.12., Ore 19.00
Ven, 9.3.2018, ore 16.00
con curatore Bärbel Vischer

 MAK Design Kids
Laboratorio da 8 a 12 anni (non accompagnati)
Commissione di partecipazione: € 8
Numero limitato di partecipanti
Sab, 04.11.2017, 14.00 – 16.00 Si prega di registrarsi
Sab, 16.12.2017, 14.00 – 16.00 Si prega di registrarsi
Sab, 31.03.2018, 14.00 – 16.00 Si prega di registrarsi
Sab, 03.03.2018, 14.00 – 16.00 Si prega di registrarsi
Thomas e le mele digitali
L’artista Thomas Bayrle utilizza un numero infinito di immagini in miniatura per costruire i suoi collage impressionanti, che egli definisce “superformi”. Nel laboratorio esploreremo queste immagini, costituite da smartphone, autostrade e mele. Poi ogni bambino farà la propria superforme: dotata di iPads, cercheremo i MAK per gli oggetti, le fotografiamo, e poi usiamo una app speciale per disegnare un ornamento unico e personale con loro. Il risultato: un’opera d’arte e un foglio di carta da imballaggio che puoi portare a casa con te!

MAK4FAMILY

Laboratorio per tutta la famiglia (età 4 anni e più)
Tassa di partecipazione: € 4,50 per bambino
Ammissione ridotta per gli adulti che accompagnano
Sab, 11.11.2017, 14.00 – 16.00 Si prega di registrarsi
comprare comprare BAYRLE
Tutto in abbondanza – nel lavoro di Thomas, tutto appare più di una volta. Molte mele, un sacco di automobili, un sacco di autostrade, un sacco di coppe. MINI MAK vi mostrerà un sacco di opere dell’artista Thomas Bayrle nella speranza che vi daranno un sacco di ispirazione per le tue opere.
Sab, 24.03.2018, 14.00 – 16.00 Si prega di registrarsi
JAM TRAFFICO ALTA PASSATA
Che si tratti di automobili o dati, sta scorre e cresce – e tutto si intreccia. Dopo un tour guidato della mostra Thomas Bayrle, tesseremo strutture e campi da cartone, carta e corda.

GIOVEDI AL MAK

Mer, 15.11.2017, ore 15.00 Si prega di registrarsi
THOMAS BAYRLE Se è troppo lungo, farlo più a lungo
Tour attraverso la mostra, seguita da un’ulteriore discussione al ristorante Salonplafond.

Tour MINI MAK

Visita guidata per tutta la famiglia (età 4 anni e più)
Tassa di partecipazione: € 3,50 per bambino
Ammissione ridotta degli adulti che accompagnano
Dom, 19.11.2017, ore 11.00 Si prega di registrarsi
Motif Matrix Money
Visita guidata attraverso tutto il museo in cerca di motivi e matrice.
Dom, 21.01.2018, ore 11.00 Si prega di registrarsi
Un sacco di un po ‘fa qualcosa di grande!
Mele, sedie, strade e intersezioni che seguono Thomas Bayrle per tutto il MAK

MINI MAK in Avvento

Laboratorio per tutta la famiglia (età 4 anni e più)
Tariffa per i materiali € 2,00 per bambino e giorno
Ammissione ridotta per gli adulti che accompagnano
Sab, 02.12.2017, 14.00 – 16.00 Si prega di registrarsi
Sab, 09.12.2017, 14.00 – 16.00 Si prega di registrarsi
Sab, 16.12.2017, 14.00 – 16.00 Si prega di registrarsi

DonnE…Cultura