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Arte – Tim Walker THE GARDEN OF EARTHTY DELIGHTS

Tim Walker

THE GARDEN OF EARTHTY DELIGHTS
Il giardino delle delizie terrene

Un fotografo di moda vede Bosch

Sino al 25 febbraio 2018

Het Noordbrabants Museum

Il museo Noordbrabants

Verwersstraat 41
‘S-Hertogenbosch

L’ossessione di Walker con il Maestro del Netherland del XV secolo, Hieronymus Bosch, lo portò a creare la sua personale interpretazione del famoso Garden of Earthly Delights .

Il Museo Het Noordbrabants è il primo e al momento l’unico museo a mostrare la serie completa di 26 fotografie di dimensioni esagerate.

La mostra è stata progettata da Shona Heath, scenografo permanente di Tim Walker.

Nel gennaio 2015, il fotografo di fama internazionale Tim Walker (Guilford, 1970) ha ricevuto l’incarico dalla Collezione Nicola Erni per creare una serie di opere a sua scelta.

Ottiene carta bianca e un budget illimitato.

Per questo progetto di sogno, Tim Walker decide di farsi ispirare da un artista che lo affascina fin dall’infanzia, il maestro olandese del XV secolo Jheronimus Bosch. Lavora per un anno sulla serie, che è una risposta fotografica a The Garden of Delights (c.1495-1505, Museo Nacional del Prado, Madrid).

Tim Walker, noto per aver lavorato per molti anni come fotografo commerciale per Vogue britannica, americana e italiana, ha esposto i suoi lavori a mostre personali per diversi anni, in spazi come Somerset House (2012), Design Museum (2008) ) e il museo di Bowes (2013). Ha anche ricevuto numerosi riconoscimenti durante la sua carriera, tra cui l’Infinity Award per l’International Center for Photography e una Honorary Fellowship della Royal Photographic Society.

Tariffe

Adulti € 12
I bambini fino a 18 anni gratis

Foto di copertina: Tim Wolker Mateen Convens in pink castle fatasy 2015

Arte a Los Angeles – Mike Kelley – Kandors 1999-2011

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Sino al 21 gennaio 2018

Mike Kelley – Kandors 1999-2011

Hauser & Wirth Los Angeles

Città illuminate e bottiglie soffiate a mano e la serie ‘monumentale’ Kandor 10B (Exploded Fortress of Solitude, Kelley e il santuario post-apocalittico sanctum di Superman …

“Mike Kelley: Kandors 1999 – 2011” è il primo sondaggio completo della serie Kandors.

Numerose rappresentazioni del luogo di nascita di Superman, la città di Kandor.

Il gusto è decisamente americano, ma può affascinare anche un europeo.

Sculture visivamente opulente, tecnicamente ambiziose, insieme a video e installazioni su larga scala, rielaborano l’immaginario e la mitologia del famoso supereroe dei fumetti americani Superman in una meditazione su perdita, potere e memoria.

Una serie di città illuminate e bottiglie soffiate a mano; e la serie ‘monumentale’ Kandor 10B (Exploded Fortress of Solitude, la presa di Kelley sul santuario post-apocalittico sanctum di Superman.

A proposito di Kandors

Iniziata da Kelley nel 1999, la serie Kandors che comprende numerose rappresentazioni del luogo di nascita di Superman, la città di Kandor.

La famosa storia di Superman racconta le avventure di un alieno mandato sulla Terra da bambino per sfuggire alla distruzione totale del suo pianeta natale, Krypton.

Tuttavia, si scopre che Kandor non è stato, infatti, distrutto.

Ridotto e imbottigliato dal malvagio Braniac, la città futuristica fu in seguito salvata da Superman.

Kandor e i suoi cittadini in miniatura sopravvissero nelle cure di Superman, sostenuti da carri armati di atmosfera kriptonica; un costante ricordo del suo passato perduto e una metafora della sua disconnessione psichica dal suo pianeta adottato.

KELLEY

Alla fine degli anni ’90, Kelley è stata invitata a far parte di una mostra collettiva in Germania, che si è concentrata sull’imminente millennio esibendo arte contemporanea e oggetti storici con “un’enfasi speciale sui” nuovi media “del passato.

Come ha scritto l’artista, “in risposta a questi temi, ho deciso di creare un progetto incentrato su un’immagine obsoleta del futuro ripresentato attraverso i recenti sviluppi tecnologici. Ho scelto di concentrarmi sulla città immaginaria di Kandor dalla serie di fumetti di Superman.

Originariamente Kelley aveva concepito che “Kandor-Con 2000” fosse uno spazio per le conferenze interattivo e un forum online per gli appassionati di Superman, ma a causa della mancanza di fondi, le porzioni pubbliche dei nuovi media non furono mai realizzate.

Arte a Ostenda – The Raft, Art is (not)LONELY

Bruna Esposito La zattera di Lampedusa – 2017 – ferro – vetro …
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Vi proponiamo questa mostra, perché ci ha attratto la presenza di un autore, che seguiamo con interesse da molto tempo, e secondo noi ben rappresenta le varie anime più serie, dell’arte contemporanea. Sigalit Landau (Gerusalemme, 1969). Abbiamo scoperto, poi, che si tratta di una mostra che merita, in tutto il suo insieme, di essere segnalata.

The Raft, Art is (not)LONELY

“La zattera. Art is (not) Lonely “

Sigalit Landau

curatori della mostra, Jan Fabre e Joanna De Vos

La mostra si svolge in 22 sedi di Ostenda fino al 15 aprile 2018 e presenta  una selezione di 73 artisti, tra cui artisti (giovani) e artisti internazionali.

Jan Fabre e Joanna De Vos hanno chiesto agli artisti  di dare la propria interpretazione del tema della zattera.

La sede principale e il punto di partenza della mostra si trovano a Mu.ZEE, ma vi sono stati inclusi anche luoghi meno ovvi come: De Peperbusse, i tribunali, il centro Europa, la cripta della chiesa di San Giuseppe e molti altri in città .

Le 52 opere sono state create appositamente per The Raft. Art is ( not) Lonely.

La visita alla mostra dovrebbe iniziare al  Mu.ZEE, con un’approfondita esplorazione di The Raft of the Medusa(1818) di Théodore Géricault e della zattera utopiana di Jan Fabre, Art is (not) Lonely (1986).

La zattera utopica di Jan Fabre è un veicolo, un dispositivo salvavita, un luogo di isolamento, riflessione, incertezza, intuizione e unione. Simboleggia un viaggio con una destinazione chiara o una ricerca avventurosa priva di direzione. Una zattera può essere intesa come un simbolo per molteplici interpretazioni. Puoi anche chiamarlo metafora dell’estasi che l’arte può instillare.

Una tempesta, un naufragio, una zattera in mare. Una manciata di sopravvissuti si aggrappano alla vita. per sopravvivere. Un’ immagine teatrale e semi-romantica che ha ispirato molti artisti del diciottesimo e diciannovesimo secolo; lo stesso Turner, si gettò sull’albero di una nave a vela per ottenere l’esperienza di prima mano della ferocia delle tempeste oceaniche.

Théodore Géricault fu profondamente sconvolto dal naufragio della Medusa; una fregata francese affondata nel 1816, e rappresentò i pochi sopravvissuti aggrappati alla loro zattera in numerosi schizzi a matita e un grande dipinto ad olio.

La zattera della Medusa provocò un furore intellettuale ed emotivo quando fu esposta per la prima volta da Théodore Géricault. La composizione sofisticata, in cui si concentrava sul dramma umano e sullo status mutevole dell’artista, rimane impressa nella memoria come un’accusa acuta della famiglia reale e un rimprovero nascosto di schiavitù; tema più attuale di quanto la maggioranza di noi si renda conto.

La zattera di Géricault rappresenta la desolazione dell’artista dopo l’Ancien Régime, che si trovò alla deriva, per così dire, a causa della graduale scomparsa dei mecenati tradizionali. Molte generazioni hanno percepito e anelato alla “libertà creativa totale”; che però è risultata sia una minaccia che un dono.

Da un lato, l’artista ha bisogno di solitudine e introspezione per trovare una direzione; d’altra parte, la zattera dell’artista è sospinta dal desiderio di connessione e spettacolo. E, comunque, l’artista non può vivere solo dello stare isolato; deve vendere per mangiare e quindi farsi conoscere e conoscere cosa succede intornoa lui per trovare ispirazione.

Jan Fabre e Joanna De Vos hanno chiesto a un certo numero di artisti contemporanei di dare la propria interpretazione del tema della zattera, all’interno di questo quadro tematico e della composizione drammatica di questa mostra.

Foto di copertina: Arte Sigalit Landau Dead See 2005 videoa Ostenda – particolare.

Arte a Reggio Emilia – Luisa Rabbia – Ingresso gratuito  “Love”

Luisa-Rabbia-Everione-particolare-libro-d’artista-2013
Luisa Rabbia
 “Love”
presso la Collezione Maramotti di Reggio Emilia
Sino al 18 Febbraio 2018
 Luisa Rabbia il segno, realizzato con matite colorate
Luisa Rabbia è torinese e vive a New York.
 In mostra 10 opere, compreso un raffinato libro d’artista e un’opera murale; site specific.
I suoi lavori sono dominati dal blu e ci raccontano di un importante passaggio della ricerca artistica dell’artista.

La mostra di Luisa Rabbia, Love, accoglie un corpo di dieci opere realizzate dal 2009 al 2017, tutti lavori acquisiti dalla Collezione Maramotti che da molti anni segue la sua ricerca.

Love include interventi su carta e su tela – che rappresentano un passaggio significativo del suo lavoro dal disegno alla pittura – un libro d’artista e un’importante opera site-specific, realizzata direttamente sulla parete dello spazio espositivo durante la sua residenza in Collezione.

La mostra prende il titolo da un grande dipinto, mai esposto in precedenza, che fa parte della trilogia Love-Birth-Death, l’ultimo progetto dell’artista.

Accompagna l’esposizione una pubblicazione, realizzata per l’occasione, con un contributo di Mario Diacono.

Nella sua opera Rabbia riflette sulla condizione esistenziale, sulla connessione fra gli esseri umani e l’ambiente che li circonda.

I suoi lavori evocano membrane composte da ragnatele di segni leggeri che convivono con improvvise amputazioni e rotture, con linee decise, con impronte che ci conducono all’interno di una nebulosa, di una fluida struttura organica al contempo intima e sociale.

L’impiego del colore blu rimanda a mondi interiori, al sangue nelle vene e alla linfa che scorre in radici profonde, ma il blu è anche il colore di una pelle universale che si estende fino a diventare un sottile e fragile paesaggio.

Impronte digitali, ripetute su ampie superfici, conferiscono e rafforzano un movimento, uno spostamento ondivago di energia fisica all’interno dell’opera, un corpo a corpo con la pittura.

Rimandano ad un’umanità non classificabile attraverso sesso o etnia, ma pur sempre composta di molteplici singolarità.

Cellule del corpo o tracce umane, le impronte nei quadri dell’artista invitano l’osservatore a cercare parallelismi fra un paesaggio interiore ed esteriore, fra storie e memorie personali e collettive.

Per Luisa Rabbia il segno, realizzato con matite colorate, rappresenta una scelta d’elezione, capace di costruire istintive narrazioni.

La continuità del suo gesto fisico nello spazio della carta o della tela, nutre il ritmo della creazione attraverso un’accumulazione di tracce capaci di restituirci una dimensione che va oltre al tempo, in una prospettiva di crescita infinita.

Orario
Giovedì e venerdì 14.30 – 18.30 Sabato e domenica 10.30 – 18.30 Chiuso: 1° novembre, 25–26 dicembre, 1 e 6 gennaio

Dal 15 Ottobre 2017 al 18 Febbraio 2018

REGGIO EMILIA

LUOGO: Collezione Maramotti

COSTO DEL BIGLIETTO: ingresso gratuito

TELEFONO PER INFORMAZIONI: +39 0522 382484

E-MAIL INFO: info@collezionemaramotti.org

SITO UFFICIALE: http://www.collezionemaramotti.org

Arte – evento a Milano – Da non perdere Ingresso gratuito Hangar Bicocca

Take me (I’m yours)

50 artisti internazionali – tra i quali 15 italiani

ingresso alla mostra sempre gratuito

 non capita facilmente di poter acquistare o prendere gratuitamente una delle migliaia di copie di ciascun lavoro in mostra

Parola d’ordine toccare, modificare, usare, intervenire sull’opera d’arte per prelevarne addirittura delle parti, lasciando eventualmente in cambio cimeli personali.

D’altronde è il titolo stesso, Take me (I’m yours) a suggerire ai visitatori del Pirelli Hangar Bicocca come comportarsi davanti alle installazioni dei circa 50 artisti internazionali – tra i quali 15 italiani – in mostra a Milano fino al 14 gennaio.

Perché non capita, certo, tutti i giorni al pubblico di un museo di poter usare o indossare le opere esposte, di acquistare o prendere gratuitamente una delle migliaia di copie di ciascun lavoro in mostra, contribuendo a svuotare fisicamente e a trasformare lo spazio espositivo.

Allestita per la prima volta nel 1995 alla Serpentine Gallery di Londra – e a partire dal 2015, in versioni ogni volta diverse, in istituzioni a Parigi, Copenhagen, New York e Buenos Aires – la mostra prende spunto da una serie di conversazioni e riflessioni tra il curatore Hans Ulrich Obrist e il pittore francese (come ama definirsi), Christian Boltanski, sulla necessità di ripensare i modi in cui un’opera d’arte viene esposta.

In particolare, l’idea per il progetto è iniziata con Quai de la Gare (1991), un lavoro di Boltanski costituito da montagne di vestiti di seconda mano che il pubblico poteva portare via in una busta con la scritta Dispersion.

Un’opera destinata quindi, per sua natura, a disperdersi e a scomparire. E d’altra parte il tema dell’assenza, al pari della morte e della memoria, è una costante delle opere dell’artista.

A Milano, accanto alla Dispersion di Boltanski, nella grande “arena” dei circa mille metri quadri dello Shed, ci si imbatte nelle tracce audio registrate nei quartieri di Beirut da Mohamed Bourouissa – caricate su un sito da lui creato e disponibili al download, che si combinano con testi poetici scritti dall’artista – o ancora anche nelle migliaia di copie del poster che Maurizio Cattelan ha ricevuto in dono da Boetti nel 1990 e che ha ristampato in occasione dell’Alighiero e Boetti Day nel 2011.

Nell’atrio verrete accolti dall’installazione dell’artista giapponese Yoko Ono, Wish Trees, ovvero due alberi di limone sui quali potrete lasciare i biglietti con i vostri desideri.

Ci sono poi le opere di Ian Cheng e Rachel Rose – che affondano le radici nelle scienze naturali e nella fantascienza – e le stampe raffiguranti fotografie vintage di giovani attrici e cantanti, che i visitatori possono ovviamente staccare e portare con sé.

Il progetto Street Museum di Yona Friedman mette invece a disposizione del pubblico uno spazio in cui lasciare gli oggetti che ricoprono per gli ospiti un particolare significato e che diventano, a pieno titolo, opere d’arte che gli altri visitatori possono prelevare, trasformando in questo modo la struttura originale dell’architetto ungherese.

Nel suo omaggio a Boetti, e in particolare alle sue sperimentazioni con la fotocopiatrice, García Torres invita il pubblico a usare questo strumento presente in mostra in modo creativo e non convenzionale, così come avrebbe fatto lo stesso artista.

Gli effetti del tempo, della distanza e della tecnologia sulla comunicazione tra esseri umani sono al centro del lavoro dell’artista David Horvitz, che per Take Me (I’m Yours) ha ideato un’esperienza a due, nel corso della quale viene offerto al visitatore il “dono di un nuovo minuto” – che non si conforma però al sistema standardizzato per la misurazione del tempo – trascorso il quale, ciascuno riceve dal performer una pietra del fiume Po. Un piccolo pegno di questa esperienza che riconnette il tempo umano al tempo geologico.

Francesco Vezzoli interviene invece con un’opera performativa, nella quale un artista di strada esegue i ritratti dei visitatori che diventano, a loro volta, protagonisti di un immaginario di finzione.

Nonostante l’ingresso alla mostra sia sempre gratuito, per avere la possibilità di prendere e collezionare le opere è necessario acquistare la borsa creata dall’artista Christian Boltanski, in vendita presso l’Info Point o al Bookshop al costo di 10 euro e i cui introiti contribuiscono a supportare la produzione delle opere distribuite in mostra.

MOSTRE D’ ARTE 2017 – Italia ed Europa


2017 – Mostre e novità le nostre preferite  in Italia e all’estero

Mostre  a Milano 2017 autunno

Milano, Palazzo Reale: Caravaggio e  Toulouse-Lautrec

Dentro Caravaggio aprirà il 29 settembre, giorno di nascita del Merisi; mostra evento che scaverà nell’interiorità dell’artista.

 La mostra Il mondo fluttuante di Toulouse-Lautrec,  verrà inaugurata ad ottobre; sarà messo in evidenza il talento dell’eccentrico artista francese (più particolari più sotto).

Milano; dal 14 ottobre  al Museo della Permanente Chagall. Sogno di una notte d’estate, mostra-spettacolo unica nel suo genere.

 MUDEC , il 13 settembre prenderà il via EGITTO – La straordinaria scoperta del Faraone Amenofi II. 

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Brescia, Museo di Santa Giulia, MOCA e altre sedi
7 – – 12 marzo. Grandi mostre sino al 3 settembre 2017

Mostra

Magnum’s First

Brescia, Museo di Santa Giulia
7 marzo – – 3 settembre 2017

Altre info al link https://www.donnecultura.eu/?p=42572https://www.donnecultura.eu/?p=42572

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MOSTRA “I MACCHIAIOLI. CAPOLAVORI DA COLLEZIONI LOMBARDE”

Milano, Gammanzoni – via Manzoni 45
Dal 20 ottobre 2017 al 25 febbraio 2018

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MILANO HANGAR BICOCCA

Take me (I’m yours)

50 artisti internazionali – tra i quali 15 italiani

non capita facilmente di poter acquistare o prendere gratuitamente una delle migliaia di copie di ciascun lavoro in mostra

Parola d’ordine toccare, modificare, usare, intervenire sull’opera d’arte per prelevarne addirittura delle parti, lasciando eventualmente in cambio cimeli personali.

D’altronde è il titolo stesso, Take me (I’m yours) a suggerire ai visitatori del Pirelli Hangar Bicocca come comportarsi davanti alle installazioni dei circa 50 artisti internazionali – tra i quali 15 italiani – in mostra a Milano fino al 14 gennaio.

Perché non capita, certo, tutti i giorni al pubblico di un museo di poter usare o indossare le opere esposte, di acquistare o prendere gratuitamente una delle migliaia di copie di ciascun lavoro in mostra, contribuendo a svuotare fisicamente e a trasformare lo spazio espositivo.

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BOLOGNA: 
Anime. Di Luogo in LuogoChristian Boltanski a  Bologna fino al 12 novembre 2017 con installazioni poste in luoghi chiave della città.
Il nucleo centrale è il MAMBo, che raccoglie alcune opere dell’artista esposte per la prima volta in Europa.
In autunno a Bologna: Duchamp, Magritte, Dalì… I rivoluzionari del Novecento, ospitata dal 16 ottobre 2017 dal Palazzo Albergati.
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MIRÓ! Sogno e colore, a Bologna,  dal 4 ottobre 2017 passerà al Palazzo Chiablese di Torino.
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TORINO
Appuntamento con Giovanni Boildini alla Reggia di Venaria (TO), la cui mostra sarà il 29 luglio e durerà fino al gennaio 2018.
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La mostra Van Gogh. Tra il grano e il cielo, dal 7 ottobre sino al 8 aprile 2018; la più grande esposizione monografica sull’artista mai realizzata in Italia, con oltre 120 opere tra dipinti e disegni provenienti da tutto il mondo.
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Rovigo: Palazzo Roverella il 23 settembre 2017
Secessione. Monaco Vienna Praga Roma. L’onda della modernità: quattro città europee Capitali delle Secessioni  raccontate attraverso opere artistiche, comprese quelle di Klimt e Schiele.
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Autunno 2017
Ferrara;  mostra monografica Carlo Bononi, L’ultimo sognatore dell’officina ferrareseOccasione per far conoscere  al grande pubblico uno dei più grandi maestri dell’arte ferrarese.
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NAPOLI

MANN Museo Archeologico Nazionale di Napoli

ARTE DEL FUTURO ?

BRUNO DI BELLO

#DIGITALE #ARCHEOLOGICO

Sino al 17 Dicembre 2017

Archeologia, tecnologie digitali e arte contemporanea si uniscono in un connubio perfetto nella mostra di Bruno Di Bello “#digitale #archeologico” al MANN Museo Archeologico Nazionale di Napoli.Con l’aiuto del campionario internazionale dei colori PANTONE, Di Bello (Torre del Greco (NA), 1938, vive e lavora a Milano) ha rilevato con precisione i colori usati dagli artisti pompeiani, autori degli affreschi conservati al Museo, per comporre la palette con cui ha poi realizzato tre grandi polittici – di 6 metri ciascuno – di geometria digitale esposti sulle tre pareti della Sala del Cielo Stellato.

Gli antichi colori degli affreschi conservati negli spazi del Museo Archeologico non sono che il punto di partenza di un progetto che si basa interamente sull’utilizzo delle tecnologie digitali.
Le tele, stampate a inkjet, di Di Bello sono frutto dell’elaborazione di pattern matematici nei quali egli introduce alcuni segni reali generativi di nuove forme astratte.
In Archeo Uno è evidente il rapporto con l’architettura dello spazio espositivo, infatti le forme degli incavi della volta della sala si rintracciano nelle forme frattaliche dell’opera.
In Archeo Due dominante è la texture verde individuata in un vaso di vetro semifuso dal fuoco della lava che travolse Pompei, scoperto durante una delle visite dell’artista al Museo.
Infine, in Archeo Tre il fondo rosso è un vero e proprio omaggio ai tanti rossi pompeiani rilevati attraverso il riferimento PANTONE.

“Immagini di un’estrema sensualità quelle di Di Bello, il quale guarda al passato della nostra terra usando lo sguardo del futuro” scrive la curatrice Maria Savarese nel suo testo in catalogo.

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ESTERO 

Monet  al Detroit Institute of Arts (dal 21 settembre al 4 marzo 2018).
MET dal 31 ottobre si terrà un’esposizione monografica dedicata a Munch.
Tate Modern di Londra; opere di Modigliani, in mostra dal 23 novembre al 2 aprile 2018.
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ROMA

Complesso del Vittoriano; dal 19 ottobre 2017 esposizione dedicata a Monet. 60 le opere, provenienti dal Musée Marmottan Monet, dalle celebri caricature  alle  monumentali Ninfee.
Complesso del Vittoriano; da novembre partirà Foto. 100 Anni di fotografia Leica: a cura di Hans-Michael Koetzle,  omaggio alla rivoluzione fotografica iniziata dalla Leica.
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MOSTRA NON DI QUADRI, MA DI GRANDI IMMAGINI DI QUADRI:

dal 26 Luglio 2017 al 07 Gennaio 2018

MILANO

LUOGO: MUDEC – Museo delle Culture di Milano

ENTI PROMOTORI:

  • Comune di Milano
  • 24 Ore Cultura
  • Gruppo 24Ore

COSTO DEL BIGLIETTO: intero € 12, ridotto € 10

TELEFONO PER PREVENDITA: +39 02 54917

La vita, le figure e i paesaggi di Gustav Klimt, ma anche la pittura e l’architettura, le arti applicate, il design e la moda della Vienna secessionista di fine ‘800-inizi ‘900: ecco i protagonisti assoluti di quest’estate 2017 al MUDEC – Museo delle Culture di Milano, che da mercoledì 26 luglio aprirà il proprio palinsesto estivo con l’evento espositivo Klimt Experience, una rappresentazione multimediale totalmente immersiva dedicata al padre fondatore della Secessione Viennese curata da Crossmedia Group.
Con la direzione scientifica di Sergio Risaliti, il progetto ospitato al MUDEC intende anticipare le celebrazioni per il centenario della morte dell’artista, che sarà festeggiato a Vienna nel 2018 dai principali musei della città.
Prodotta da 24 ORE Cultura, Klimt Experience accompagnerà i visitatori del Museo delle Culture fino al 7 gennaio 2018, e si propone come un vero e proprio excursus multisensoriale che racconta attraverso immagini, suoni, musiche, evocazioni l’universo pittorico, culturale e sociale in cui visse e operò Klimt e in cui il pittore austriaco fu assoluto protagonista.

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Dal 01 Luglio 2017 al 07 Gennaio 2018

BARD | AOSTA

LUOGO: Forte di Bard

CURATORI: Vittorio Sgarbi, Francesco Moschini, Gabriele Accornero

ENTI PROMOTORI:

  • Associazione Forte di Bard
  • Accademia Nazionale di San Luca

COSTO DEL BIGLIETTO: Intero 8 euro, Ridotto 6 euro. Audioguide: 3 euro (coppia 5 euro). Cumulativo con mostra Steve McCurry. Mountain Men Intero 14 euro, Ridotto 11 euro

TELEFONO PER INFORMAZIONI: +39 0125 833811

E-MAIL INFO:info@fortedibard.it

SITO UFFICIALE:http://www.fortedibard.it

Dal 1° luglio 2017 al 7 gennaio 2018 il Forte di Bard ospita la mostra ICapolavori dell’Accademia Nazionale di San Luca. Da Raffaello a Balla. L’evento espositivo nasce dalla collaborazione tra l’Associazione Forte di Bard e l’Accademia Nazionale di San Luca, una delle più antiche e importanti istituzioni culturali italiane attive a livello nazionale e internazionale nel campo dell’arte. In occasione della mostra è concessa in prestito una selezione ampia e rappresentativa della preziosa collezione dell’Accademia, costituitasi a partire dal Seicento principalmente grazie ai doni e ai lasciti di accademici o di collezionisti privati o attraverso i concorsi banditi dall’Accademia stessa.
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Miró! Sogno e colore
4 ottobre 2017 – 14 gennaio 2018
Palazzo Chiablese
Torino

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Eternal melody of chubby lady
di Xu Hong Fei
22 settembre – 22 ottobre 2017
Complesso del Vittoriano –
Ala Brasini
Roma
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The timeless dance.
Beyond the mountains
13 al 26 settembre 2017
Complesso del Vittoriano –
Ala Brasini
Roma

ARTE A MILANO PALAZZO REALE ” KEITH HARING – ABOUT ART ” – CURATA DA GIANNI MERCURIO
24 FEBBRAIO 2017

Keith Haring a Milano:

-opere inedite o mai esposte in Italia

Palazzo Reale di Milano fino al 18 giugno.

110 opere, molte in dimensioni monumentali, sono presenti alla mostra Keith Haring, About Art, curata da Gianni Mercurio, promossa e prodotta dal Comune di Milano-Cultura e 24 ORE Cultura – Gruppo 24 ORE.

La mostra propone i lavori di Haring, ma anche le sue fonti di ispirazione:

–archeologia classica, arti precolombiane, figure archetipe delle religioni, creazioni dei nativi americani e i maestri del Novecento.

“Dipingo immagini che sono il risultato delle mie esplorazioni personali- scrive Haring – e lascio ad altri il compito di decifrarle, di capirne i simbolismi e le implicazioni. Io sono il tramite.

Altre info al link: https://www.donnecultura.eu/?p=42562https://www.donnecultura.eu/?p=42562


 MANET A MILANO
2 MARZO 2017

MANET E LA PARIGI MODERNA

aperta al piano nobile di Palazzo Reale di Milano

dall’8 marzo al 2 luglio 2017

La mostra, si presenta con oltre 50 capolavori di Manet, Renoir, Degas e altri maestri della Parigi di fine Ottocento.

CHI ERA MANET ?

Edouard Manet nacque in una ricca famiglia che lo ostacola nel suo divenire artista, ma che fu poi costretta a cedere davanti all’ostinazione e al talento del giovane figlio.

Manet si distingue per lo stile assolutamente originale e moderno, provocatorio, in anticipo sui propri tempi; lontano dalle regole dell’epoca.

Altre info al link: https://www.donnecultura.eu/?p=40011https://www.donnecultura.eu/?p=40011


 

Arte a Torino – BRUNO MUNARI ARTISTA TOTALE – Museo Ettore Fico –


Arte a Milano – “VS Arte” apre a Milano nella storica sede “Appiani Arte” inaugurazione giovedì 9 marzo 2017


Arte a Venezia – Jheronimus Bosch e Venezia


Arte a Milano – MUDEC-Museo delle Culture di Milano – Mostra “Kandinskij

Arte a Milano – Conferenza aperta al pubblico per la MOSTRA “Jean-Michel Basquiat” MUDEC – Museo delle Culture di Milano Domenica 26 febbraio ore 11.00 appuntamento al MUDEC

ARTE – Imperdibile evento a Milano miart 2017 – 31 MARZO – 2 APRILE

 

ARTE A BOLOGNA

 

Dal 25 Gennaio 2017 al 17 Aprile 2017

Il MAMbo – Museo d’Arte Moderna di Bologna

Prima personale in Italia dell’artista tedesco Jonas Burgert.

Lotsucht / Scandagliodipendenza, curata da Laura Carlini Fanfogna rende visibili negli ampi spazi della Sala delle Ciminiere 38 dipinti, prevalentemente di grandi dimensioni, creati nell’ultimo decennio.

Jonas Burgert, con ogni composizione, con ogni singola pennellata, dipinge veri e propri scenari.

Le sue opere raffigurano la sua visione della rappresentazione teatrale che costituisce l’esistenza umana, dell’inesauribile bisogno dell’uomo di dare un senso, una direzione e uno scopo alla propria vita.

Laura Carlini Fanfogna, curatrice della mostra ” … turbanti michelangioleschi e i colori manieristici reinterpretati in chiave postmoderna… Le opere in mostra al MAMbo utilizzano sia ampie superfici di grande impatto visivo,”.

David Anfam, autore di uno dei testi critici inclusi nel ricco catalogo Edizioni MAMbo che accompagna la mostra, “(…) Burgert sfida la logica delle immagini realistiche in un modo che lo colloca in un contesto molto (più) attuale.

Da un punto di vista poetico molti dei titoli di Burgert evitano i luoghi comuni e tendono ad essere elusivi/allusivi invece che esplicativi”.


Palazzo Albergati – Bologna

Sino al 26 marzo 2017

La collezione Gelman. Arte messicana del XX secolo

Bologna presenta la Collezione Gelman, importante raccolta di opere d’arte messicana ben rappresentata da: Siqueiros, Zàrraga, Isquierdo, Tamayo e dai grandi: Diego Rivera e Frida Kahlo.

Mantra di Frida Kahlo potrebbe essere “Viva la vida”; la sua arte è un’irruente cascata di colori e figure che rappresentano sempre la gioia del vivere.

L’artista Diego Rivera, vero e proprio bambino prodigio di Città del Messico e attivista politico, fu definito da Frida uno dei due più gravi incidenti della sua vita.

Frida, pur essendo lei un simbolo di femminilità deciso ed esuberante, quando parlava di Diego Rivera dimenticava il suo orgoglio e faceva parlare solo il sentimento.

Per la maggior parte della sua vita Frida è solo la signora Rivera, che ammira i successi, soprattutto in America, ma sarà lei, grazie ad Andrè Breton nel 1939 ad esporre le sue opere a Parigi,

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Arte a Torino INGRESSO LIBERO – Opening giovedì 2 marzo 2017 – Silvio Cocco CONTEMPORARY ARISTOCRACY | Constantly Connected

Arte a Prato – Centro per l’Arte Contemporanea Luigi Pecci


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A CATANIA APRE LA SEZIONE STACCATA DEL MUSEO EGIZIO DI TORINO:

In aprile, i reperti del Museo Egizio di Torino e destinati ai depositi (solo per mancanza di spazio), saranno in mostra a Catania nel nuovo Museo Egizio in 1.000 mq. di esposizione.

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BOLOGNA

NEL 2017, APRIRA’ IL NUOVO CENTRO ARTE E SCIENZE FINDAZIONE GOLINELLI:

-progettatto da Mario cucinalla studio.

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A FINE 2017 INIZIERANNO I LAVORI PER IL MUSEO ETRUSCO  DI MILANO:

-nel palazzo bocconi-rizzoli-carraro.

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DA NON PERDERE, SE AMATE L’ARTE CONTEMPORANEA:

-documenta 14 (2017): si festeggia la quattordicesima edizione: sessant’anni di storia e coinvolgerà per la prima volta anche Atene (8 aprile-16 luglio), oltre alla storica Kassel (10 giugno-17 settembre). L’artista turca Ayse Erkemen, costruirà un ponte appena sotto il pelo dell’acqua, i visitatori camminandoci sopra, evidenzieranno la struttura. La compagnia aerea Aegean Airlines, che ha annunciato l’intenzione di programmare due voli diretti settimanali tra le due città, a aprtire da aprile 2017, per favorire i viaggi dei visitatori di documenta 14. L’Ente Nazionale Greco per il Turismo, la Città di Atene, la Città di Kassel, l’Aeroporto di Kassel, e in particolare l’Athens Development and Destination Management Agency, insieme a the City of Athens Convention & Visitors Bureau, si stanno occupando di creare pacchetti turistici e informazioni personalizzate . https://translate.google.it/translate?hl=it&sl=en&u=http://www.documenta14.de/&prev=search

BIENNALE DI VENEZIA “Viva arte viva” dall’interiorità all’infinito …: dal 13 maggio 2017. Un Partenone di 100mila libri  censurati, sarà costruito dall’artista Marta Minujin.

Altre info :

BIENNALE di VENEZIA 2017 – Una Biennale che guarda all’” Arte ” con Christine Macel

INFORMAZIONI PER IL PUBBLICO SULLA BIENNALE DI VENEZIA 2017 al link https://www.donnecultura.eu/?p=42337

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-SKULPTUR PROJECTE A MUENSTER10 giugno – 1 ottobre il 2017
Nell’estate 2017, Münster sarà, per la quinta volta, sede per lo “Skulptur Projekte”. Si tratta ormai di una grande mostra  in scena ad intervalli regolari di dieci anni. Il team di curatori comprende: Kasper König, Britta Peters e Marianne Wagne. https://www.skulptur-projekte.de/#/

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LA MOSTRA PIU’ IMPORTANTE ALL’ESTERO:

Il MoMA di New York festeggia i 150 dalla nascita dell’architetto Frank Lloyd Wright.

Dal 12 giugno al primo ottobre 2017

Sarà evidenziata la sua passione per il paesaggio e il suo impatto sull’uomo; un messaggio attualissimo.

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TATE BRITAIN: Londra

David Hockney festeggia 80 anni.

Dal 9 febbraio 2017 al 29 maggio.

160 opere della sua produzione.

La mostra si sposterà poi al Centro Pompidou di Parigi e poi al Metropolitan di New York.

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OPERAZIONE DA 650 MILIONI DI DOLLARI

Chi poteva se non gli arabi ?

Ecco il nuovissimo LOUVRE

Sarà inaugurato ad Abu Dhabi nel 2017; in data da decidere.

Al nuovo LOUVRE, verrà affiancato anche un nuovo: GUGGENHEIM di Frank Frank Gehry.

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Chi è la nuova Vanessa Beecroft ?

Si chiama Anne Imhof, 38enne di Francoforte, ed è la nuovissima supermusa dell’arte contemporanea internazionale.

Nel 2017 sarà protagonista del Padiglione tedesco alla Biennale di Venezia.

ESTERO MOSTRE

SVIZZERA – Canton Ticino

Arte a Lugano – Museo Lac – Oppenheim – La mostra al femminile da non perdere

Arte a Mendrisio – Rancate – Quattro mostre da non perdere – ALLA PINACOTECA GIOVANNI ZÜST

ARTE a BASILEA 

Il padre dell’Impressionismo a Basilea

dal 22 gennaio al 28 maggio 2017

Claude Monet. Light, Shadow and reflexion

Fondazione Beyeler – Basilea

Luci e colori di sessantadue capolavori del grande maestro dell’Impressionismo:

-paesaggi mediterranei, ninfee, cattedrali, la Senna in tutte le stagioni, i ponti nella nebbia.

Le opere provengono dalla collezione della Fondazione Beyeler, dai maggiori musei del mondo come il Musée d’Orsay di Parigi, il Metropolitan Museum di New York e l’Art Institute di Chicago; 15 dipinti arrivano da collezioni private.

Una sala della mostra è dedicata ai dipinti che raffigurano La Senna.

Una sezione è dedicata a Londra, città in cui l’artista si rifugiò durante la guerra franco-prussiana del 1870-71.


Londra 

MOSTRA A LONDRA

REVOLUTION: RUSSIAN ART 1917 – 1932

Pittura, scultura, fotografia e film negli anni delle avangiardie di tutto l’Occidente.

sino al 7 aprile 2017

presso la Royal Accademy.

Da Marc Chagall a Kazimir Malevich, da Vasily Kandisky a Vladimir Tatlin ed i meno conosciuti del realismo socialista come: Kuzma Petrov-Vodkin e Alexander Deineka.

Il sogno di un cambiamento radicale politico e artistico,

www.royalaccademy.org.uk


Wolfang-Tillmans-Iguazu-2010-particolare.

Wolfang-Tillmans-Astro crusto-2012-particolare.

MOSTRE A LONDRA Tate Modern

Nature morte e ritratti, di immagini; per affrontare questioni politiche fondamentali.

Cosa ce ne facciamo del mondo in cui ci troviamo oggi?

Wolfgang Tillmans alla Tate Modern – Londra

FINO AL 11 GIUGNO 2017

Prima mostra di Wolfgang Tillmans alla Tate Modern, che riunisce lavori utilizzando un’entusiasmante varietà di media: fotografie, video, proiezioni di diapositive digitali, pubblicazioni, progetti curatoriali e musica registrata.

L’artista rivela tutto il suo caratteristico e innovativo stile.

Ritrattistica, paesaggio e nature morte; Tillmans spinge i confini della forma fotografica in opere d’arte astratta che spaziano sino alla scultura.

 

Arte a l’Aia – MONDRIAN – Grandi mostre

Arte a Parigi al Louvre – ” Vermeer e i maestri della pittura di genere ” – Mostre da non perdere

Arte ad Amsterdam – Enrico Baj – Play as protest

GERMANIA COLONIA 

Foto: particolare; 2016.

GERHARD RICHTER. NEW PAINTINGS (nuove immagini)

9 Febbraio – 1 maggio il 2017

Curatore: Rita Kersting

Le immagini astratte dominano l’opera di Gerhard Richter.

Richter è tra i più famosi artisti del nostro tempo, affascinato dalla tensione, tra figurazione e astrazione, tra significato e banalità.

Il museo Ludwig presenta i primi 26 quadri astratti: colori vivaci e sofisticati e composizioni stratificate. Con pennello, spatola, coltello e lama, l’artista vi ha lavorato in diversi strati composti; usando la pittura ad olio.

Nella mostra sono presenti TUTTI i lavori pionieristici di Gerhard Richter.

Gerhard Richter è nato il 9 febbraio 1932 a Dresda e vive a Colonia dal 1983,


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GERMANIA DUSSERDORF

Otto Dix – The Evil Eye
Febbraio 11 – 14 maggio 2017

K20 Grabbeplatz – Düsseldorf

Per la prima volta, il Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen presenta, con la mostra di Otto Dix – The Evil Eye, una mostra monografica che si concentra negli anni cruciali (1922-1925) per lo sviluppo artistico di Dix.

Successivamente la mostra sarà esposta alla Tate Liverpool.

Dal 1922 al ’24, spinto da singolare ambizione e grande perseveranza, Dix si è evoluto da un artista Dada espressivo-realista in ritrattista che rappresentava la Neue Sachlichkeit (Nuova Oggettività) senza pietà, fissando le caratteristiche dei suoi contemporanei su tela.

Quando nel 1925 si trasferì a Berlino, era già maturato come uomo e come artista, infatti venne preceduto dalla sua fama di duro critico della società.

Otto Dix (1891 – 1969)

Pittore e enfant terrible, trascorse gli anni più creativi, dal 1922-1925, a Düsseldorf.

Durante questo periodo, come membro del gruppo del pittore rivoluzionario Das Junge Rheinland (Young Rhineland), ha sviluppato la scrittura critica che lo ha reso una figura inconfondibile all’interno dell’arte del 20 ° secolo.

Otto Dix visse settantotto anni e dipinse per oltre sessanta.

Per tutta la vita Dix, figlio di un operaio fonditore, ebbe il culto degli antichi maestri tedeschi, ma anche fiamminghi e italiani del ‘500.

Nel suo tempo, più d’ ogni altro, ebbe modo di vivere e vedere movimenti e tendenze molto diversi tra loro, ma lui rimase sempre se stesso.

Nessun artista tedesco del suo secolo, neppure Beckmann, Grosz o Schad, può meglio rappresentare la Germania fra le due guerre; comprese tutte le tensioni, contraddizioni, violenze, rifiuti, lacerazioni e sofferenze.

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MOSTRA TERMINATA

2017- LA MOSTRA AL FEMMINILE CHE PIU’ HA SUSCITATO LA NOSTRA CURIOSITÀ  

JOANA VASCONCELOS – REXTURES OF LIFE

Joana Vasconcelos è un’artista che merita tutta la nostra attenzione per la particolarità, l’ironia e la giocosità dei suoi lavori.

Energia al femminile
Un bombardamento dei sensi
Bombardamento giocoso
Artigianato e il processo creativo

Esplosione di colori, linguaggio esuberante

Stravaganza visiva con richiamo popolare

Così è stato definito il lavoro dell’artista potoghese Joana Vasconcelos; un’artista che ci ha sempre entusiasmato.

Tra le cose da segnalare in questa mostra: l’elicottero ricoperto di piume rosa, un elegante lampadario gigante costruito con assorbenti interni ecc…

Ironia e riflessione, energia al femminile per restituire dignità anche a materiali e processi artigianali come uncinetto e cucito; tipiche occupazioni femminili di un passato non poi così tanto lontano.

TERMINATA il 19 febbraio 2017

Aartus (Danimarca)

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Arte a Napoli – Bruno di Bello #DIGITALE #ARCHEOLOGICO

ARTE DEL FUTURO ?

BRUNO DI BELLO

#DIGITALE #ARCHEOLOGICO

Sino al 17 Dicembre 2017

Archeologia, tecnologie digitali e arte contemporanea si uniscono in un connubio perfetto nella mostra di Bruno Di Bello “#digitale #archeologico” al MANN Museo Archeologico Nazionale di Napoli.Con l’aiuto del campionario internazionale dei colori PANTONE, Di Bello (Torre del Greco (NA), 1938, vive e lavora a Milano) ha rilevato con precisione i colori usati dagli artisti pompeiani, autori degli affreschi conservati al Museo, per comporre la palette con cui ha poi realizzato tre grandi polittici – di 6 metri ciascuno – di geometria digitale esposti sulle tre pareti della Sala del Cielo Stellato.

Gli antichi colori degli affreschi conservati negli spazi del Museo Archeologico non sono che il punto di partenza di un progetto che si basa interamente sull’utilizzo delle tecnologie digitali.
Le tele, stampate a inkjet, di Di Bello sono frutto dell’elaborazione di pattern matematici nei quali egli introduce alcuni segni reali generativi di nuove forme astratte.
In Archeo Uno è evidente il rapporto con l’architettura dello spazio espositivo, infatti le forme degli incavi della volta della sala si rintracciano nelle forme frattaliche dell’opera.
In Archeo Due dominante è la texture verde individuata in un vaso di vetro semifuso dal fuoco della lava che travolse Pompei, scoperto durante una delle visite dell’artista al Museo.
Infine, in Archeo Tre il fondo rosso è un vero e proprio omaggio ai tanti rossi pompeiani rilevati attraverso il riferimento PANTONE.

“Immagini di un’estrema sensualità quelle di Di Bello, il quale guarda al passato della nostra terra usando lo sguardo del futuro” scrive la curatrice Maria Savarese nel suo testo in catalogo.

“Sono convinto che riusciremo a trovare un linguaggio veramente di avanguardia solo attraverso un uso competente ed esperto delle tecnologie digitali afferma Di Bello nel 2000 quando, dopo oltre un decennio di ricerca imperniata sulla conoscenza e sull’approfondimento della fotografia digitale e dei sistemi informatici e telematici, inaugura una nuova fase incentrata sull’immagine ottenuta mediante la tecnologia digitale.

Dopo duemilacinquecento anni in cui architettura e arte hanno impostato i loro canoni sulle geometrie pitagorica, euclidea e non-euclidea, l’avvento del calcolatore ha consentito di visualizzare nuove geometrie derivate da nuove teorie matematiche: un universo di forme cui l’artista ha attinto per dare vita a nuove immagini astratte che avessero però radici nei processi naturali di crescita della forma, dall’infinitamente piccolo delle cellule, alla frastagliatura delle coste, all’infinitamente grande delle galassie.

Il progetto è completato da un video di Roberto Paci Dalò, vincitore del Premio Napoli 2015, visibile per tutta la durata della mostra accanto alle opere di Di Bello, e dal catalogo edito da Skira che contiene la riproduzione delle opere esposte, una selezione di immagini di repertorio, i testi critici di Maria Savarese, Bruno Corà, Raffella Perna, una conversazione tra l’artista e Marco Biraghi, storico dell’architettura, e una poesia di Nanni Balestrini.

Bruno Di Bello è nato a Torre del Greco nel 1938. Dopo gli studi all’Accademia di Belle Arti di Napoli inizia a esporre e dà vita al Gruppo ʼ58 con Biasi, Del Pezzo, Fergola, Luca e Persico. Tra i meriti di questa giovane formazione c’è quello di aver stabilito un contatto diretto con le coeve vicende milanesi, grazie soprattutto al periodico “Documento Sud”, ideale corrispettivo di “Azimuth”. Nel ʼ65 inizia a inserire la fotografia nei suoi lavori, nel ʼ66 ha la prima personale alla Modern Art Agency di Lucio Amelio, nel 1967 comincia a usare direttamente la tela fotosensibile e si trasferisce a Milano. L’anno seguente espone con il gruppo della Mec-Art, teorizzata da Pierre Restany. Di Bello indaga sulle possibilità di scomposizione dell’immagine, sulle icone dei protagonisti delle avanguardie storiche e dei propri miti artistici (Klee, Duchamp, Man Ray, Mondrian e i costruttivisti russi) sviluppando così un’idea di arte come riflessione sulla storia dell’arte moderna. Espone per la prima volta a Milano da Toselli nel ʼ69 e nel ʼ70 alla Galleria Kuchels, Bochum, alla Galleria Wspòlczesna, Varsavia, alla Galleria Bertesca di Genova e alla Biennale di Venezia. Dal 1971 inizia la collaborazione con lo Studio Marconi: un’installazione composta da 26 tele fotografiche con la scomposizione dell’intero alfabeto. Vi esporrà ancora nel ʼ74, nel ʼ76, nel ʼ78 e nellʼ81. Dai primi anni Settanta sulle sue tele fotografiche compaiono parole e concetti che, scomponendosi e ricomponendosi, animano un gioco di perdita e di ritrovamento del significato. Nel ʼ74 espone alla Galleria Art in Progress a Monaco e alla Kunsthalle di Berna, nel ʼ75 alla Galleria Müller di Stoccarda e allʼI.C.C. di Anversa, nel ʼ77 alla Galleria Lucio Amelio di Napoli e al Museum Boijmans Van Beuningen di Rotterdam. Espone nel ʼ78 alla Galleria Rondanini di Roma e nell’estate 1980 realizza un grande lavoro per il Festival di Spoleto. Altri lavori degli anni Settanta/Ottanta sono eseguiti disegnando sulla tela sensibile direttamente con il raggio di luce di una torcia elettrica, e negli anni Ottanta Di Bello sperimenta un nuovo modo di usare la tecnica fotografica, giustapponendo tra la fonte luminosa e la tela figure umane e oggetti che proiettano su quest’ultima le loro ombre, sviluppando poi la tela fotosensibile con larghe pennellate di rivelatore come in Apollo e Dafne nel terremoto, eseguito per la collezione Terrae motus allestita da Lucio Amelio nel 1987 ed esposta a Parigi – Grand Palais, ora in permanenza presso la Reggia di Caserta. A partire dagli anni Novanta Di Bello si dedica allo studio di nuove tecnologie operando ricerche sulle immagini sintetiche, la fotografia digitale e le nuove geometrie visualizzabili al computer. Espone i nuovi lavori alla Galleria Giò Marconi nel 2003, nel 2004 alla Plurima di Udine, nel 2005 a Napoli alla Fondazione Morra e nel 2008 alla Galleria Elleni di Bergamo. Nel 2010 la Fondazione Marconi gli dedica una grande antologica. Per l’occasione esce la monografia Bruno Di Bello – Antologia, edita da Silvana Editoriale per la VAF-Stiftung di Francoforte, a cura di Volker Feierabend con testi di Michele Bonuomo, Mario Costa, Marco Meneguzzo e Angela Tecce. Nel 2011 ha una personale al Museo MAC di Niteroi a Rio de Janeiro, mostra che ha avuto un esordio al Museo della Certosa di Capri e un seguito al PAN – Palazzo delle Arti, a Napoli. Nel 2011 tiene una “lectio magistralis” al Politecnico di Milano nel corso di Alberto Aschieri ed espone il suo Grande vetro 2 del ʼ75 alla mostra dei lavori del corso di “Progettazione Architettonica 3” nel patio del Politecnico. Nel novembre 2015 mostra personale alla Fondazione Marconi, Milano con testo introduttivo di Bruno Corà. Nel novembre 2016 “Là dove interviene il disegno-la fotografia” alla Fondazione Bottari Lattes-Torino a cura di Luca Panaro.
Bruno Di Bello vive e lavora a Milano.

Dal 11 Novembre 2017 al 17 Dicembre 2017

NAPOLI

LUOGO: MANN Museo Archeologico Nazionale di Napoli

CURATORI: Maria Savarese

ENTI PROMOTORI:

  • Patrocinio Morale del Comune di Napoli
  • Matronato della Fondazione Donnaregina per le arti contemporanee – Napoli

COSTO DEL BIGLIETTO: il biglietto d’ingresso al museo comprende la visita alla mostra: intero € 12, ridotto € 6

TELEFONO PER INFORMAZIONI: +39 081 442 2149

SITO UFFICIALE: http://www.museoarcheologiconapoli.it

Milano Triennale – Piantato il seme

IL SEME DELL’ALTISSIMO ALLA TRIENNALE DI MILANO

La scultura è alta sette metri, ed è stata realizzata in marmo Bianco dell’Altissimo della Cava Cervaiole di Henraux.

L’opera rappresenta un seme d’arancia ingrandito un miliardo e cinquecento milioni di volte.

Durante Expo, Il Seme dell’Altissimo, fu collocato di fronte all’accesso principale dell’Expo Center.

L’opera Il Seme dell’Altissimo di Emilio Isgrò, ora si trova negli spazi adiacenti alla Triennale di Milano, in viale Emilio Zola nel Parco Sempione.

L’opera fu realizzata da Henraux S.p.A., azienda leader nell’escavazione e nella lavorazione del marmo, in occasione di Expo 2015, e poi donata alla Città di Milano

Arte a Bologna – MAMbo  – REVOLUTIJA

Marc Chagall Promenade  1917 particolare

Dal 12 Dicembre 2017 al 13 Maggio 2018

MAMbo

REVOLUTIJA

Cubofuturismo – Suprematismo – Costruttivismo

La stagine artistica che ci arriva dalla Rivoluzione d’Ottobre; cento anni fa.

Una grande mostra realizzata grazie alla collaborazione in esclusiva con il Museo di Stato Russo di San Pietroburgo, prodotta e organizzata da CMS.Cultura in partnership con il Comune di Bologna | Istituzione Bologna Musei e curata da Evgenia Petrova e Joseph Kiblitsky.

Oltre 70 opere – capolavori assoluti provenienti dall’istituzione museale russa – racconteranno gli stili e le dinamiche di sviluppo di artisti tra cui Nathan AltmanNatalia Goncharova, Kazimir MalevichWassily Kandinsky, Marc ChagallValentin SerovAlexandr Rodchenko e molti altri per dar conto della straordinaria modernità dei movimenti culturali della Russia d’inizio Novecento: dal primitivismo al cubo-futurismo, fino al suprematismo, costruendo contemporaneamente un parallelo cronologico tra l’espressionismo figurativo e il puro astrattismo.

Dal 12 Dicembre 2017 al 13 Maggio 2018

BOLOGNA

LUOGO: MAMbo – Museo di Arte Moderna di Bologna

CURATORI: Evgenia Petrova, Joseph Kiblitsky

ENTI PROMOTORI:

  • Museo di Stato Russo di San Pietroburgo
  • CMS.Cultura
  • Comune di Bologna | Istituzione Bologna Musei

TELEFONO PER INFORMAZIONI: +39 051.71.68.808

E-MAIL INFO: info@mostrarevolutija.it

SITO UFFICIALE: http://https://mostrarevolutija.it/it/

Arte a Madrid – Omaggio al pirotecnico Cai Gou-Quiang

‘Spirit of paiting’, in corso al Museo del Prado 
sino al 4 marzo 2018

Le opere dell’artista Cai Guo-Quiang sono, a volte, veri e propri spettacoli pirotecnici

Spirit of paiting’, focalizza la sua attenzione sul  percorso pittorico dell’artista cinese; attualmente residente a New York.

A Madrid, Cai Guo-Qiang ha lavorato per oltre un mese con un’equipe di giovani assistenti cinesi e spagnoli nel Salón de Reinos; ex Museo dell’esercito che sarà ristrutturato prossimamente, dall’architetto Norman Foster, e diverrà parte del Museo del Prado.

Cai Guo-Quiang, da trent’anni racconta il mondo e le sue contraddizioni con gli esplosivi.

L’artista crea, riuscendo a produrre enormi dipinti con tanti particolari; frequentemente   citando i grandi maestri del passato.

Cai Guo-Quiang, ha creato otto dipinti ispirandosi alla collezione madrilena e in particolare a El Greco, l’artista che più lo appassiona.

Cai Guo-Quiang non usa solo polvere da sparo, ma anche una vasta rosa di medium espressivi; installazioni, video, performance, per realizzare opere spettacolari.

L’artista, nel 1999 fu premiato  con  il leone d’oro alla Biennale di Venezia.