Archivi categoria: MOSTRE D’ARTE

mostra d’arte, arte, art, art from Italy,

Mostre a Roma – Galleria d’Arte Moderna – Amin Gulgee

Amin Gulgee, uno dei più importanti artisti pakistani
alla Galleria d’Arte Moderna

Amin Gulgee (1969) artista e performer di fama internazionale. Laureato in “Storia dell’Arte ed Economia” presso la Yale University (U.S.A.),

Per la prima volta a Roma l’installazione “7” di Amin Gulgee, artista
che ha fatto della laicità e della poesia una forma d’arte

Galleria d’Arte Moderna
31 maggio – 23 settembre 2018

“7”, dell’artista pakistano Amin Gulgee, che ha fatto della laicità e della poesia una forma d’arte. 

Alla pace  i popoli e all’amore umano …

 – Nuovo concept espositivo del progetto “From La Biennale di Venezia & OPEN to Rome. International Perspectives”

Il progetto generale, attivato dal 2016, è dedicato alla presentazione negli spazi espositivi capitolini di alcune installazioni internazionali provenienti dall’Esposizione Internazionale d’Arte – La Biennale di Venezia e da OPEN Esposizione Internazionale di Sculture ed Installazioni, collegato alla Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia, ricomposte e rimodellate site-specific appositamente per la capitale. 

Lo scopo è quello di fare convergere insieme le “prospettive” d’arte di due città che lavorano per far viaggiare le esperienze dell’arte internazionale sul territorio nazionale. Dalla città lagunare, appunto, alla capitale.

In occasione di questo nuovo appuntamento, realizzato in collaborazione con PDG Arte Communications e l’Ambasciata della Repubblica del Pakistan in Italia, è presentata l’installazione, dal titolo “7”, dell’artista pakistano Amin Gulgee, che ha fatto della laicità e della poesia una forma d’arte.

L’artista parte da una frase in arabo, trascritta nella scrittura nakshi, intraducibile ma dal significato universale, dato che il riferimento è alla pace  i popoli e all’amore umano. Gulgee divide la frase in sette parti, quelle del titolo, mediante delle leggerissime installazioni in bronzo, posate nel chiostro/giardino della GAM di via Crispi.

La frase risulterà quindi scomposta e ripetuta più volte nell’installazione, come in una meditazione spirituale, senza essere però leggibile e diventando quindi segno universale.

Al di sotto della frase/segno sarà creato un tappeto di lettere di ghiaia e rame, non calpestabile, che ripete, sempre scomposta, la stessa frase, creando quindi una struttura metafisica di confronto fra verticali delle opere e orizzontale del tappeto, come metafora dell’alto e del basso, del cielo e della terra. Il giorno dell’inaugurazione in questo “spazio artistico” prenderà forma la performance ideata dallo stesso artista e il reading di poeti invitati dall’artista stesso a leggere loro poesie e scritti ispirati dal tema dell’opera.

poeti – Lucianna Argentino, Italo Benedetti, Stella Cacciamani, Antonella Maria Carfora, Patrizia Chianese, Laura Colombo, Rossana Coratella, Francesco Del Ferro, Stefania Di Lino, Camelia Mirescu, Daniela Monosi, Angelo Palombini e Maria Grazia Savino –  e il pubblico presente saranno invitati a scrivere, sempre partendo dalla frase in nakshi, dichiarazioni di pace e d’amore come segno potenziale di libertà degli spiriti uniti da uno stesso pensiero che diventa azione. Arte per tutti, quindi, e non solo privilegio di spiriti eletti.

Le frasi ideate saranno inserite in appositi contenitori e portate a Karachi, dove verranno lette dall’artista durante una grande performance pubblica: un collegamento ideale fra Europa e Asia, Roma e Karachi, città unite dal lavoro concettuale di Amin e dalle parole dei partecipanti dedicate all’amore e alla pace.

Amin Gulgee (1969) artista e performer di fama internazionale. Laureato in “Storia dell’Arte ed Economia” presso la Yale University (U.S.A.), inizia la sua carriera artistica realizzando ed esponendo le sue opere, oltre che in Pakistan, negli Stati Uniti, in Europa e nel Medio Oriente.

Per quanto riguarda l’Italia non ha mai esposto a Roma, ha partecipato, nel 1998 e nel 2017, a “OPEN – XX Esposizione Internazionale di Sculture e Installazioni”, collegato alla “Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia” e rappresenterà il Pakistan alla prossima “Esposizione Internazionale d’Arte – La Biennale di Venezia”.

Leggendarie le sue performances realizzate in molte città mondiali (Karachi, Lahore, Dubai, Nagoya, New York, Philadelphia, Dresda, Londra, ecc.). In questeperformance, basate principalmente sulla parola, il segno e la fonetica, vengono spesso coinvolti altri artisti oltre che il pubblico, fra Oriente e Occidente. Il principale critico d’arte del “Washington Times”, Joanna Shaw-Eagle ha scritto nella sua recensione alla mostra personale al FMI nel 1999: “Amin Gulgee è un artista da guardare sia per l’originalità delle sue idee sia per la qualità sensuale e affascinante del suo lavoro.” Nel 1987 Amin Gulgee ha vinto il “Conger B. Goodyear Fine Arts Award”. Nel 2005 ha ricevuto il prestigioso “President’s Pride of Performance”, che viene conferito solo ad esponenti che hanno raggiunto una statura iconica nel loro campo di eccellenza, dal Presidente del Pakistan. È stato incaricato dal governo pakistano di creare numerose sculture pubbliche, tra cui: Messaggio, per la Presidenza di Islamabad; Minar per l’aeroporto internazionale Quaid-e-Azam di Karachi; Forgotten Text, di 40 mt di altezza, per una rotonda importante a Karachi. Ha partecipato a numerose collettive internazionali, fra le quali: “Pakistan: Another Vision,” Brunei Gallery, Londra, UK (2000); Beijing Biennial (2003); “Beyond Borders,” National Gallery of Modern Art, Mumbai, India (2005); “Paradise Lost,” WAH Center, Brooklyn, NY, USA (2008); “Rites of Passage,” Ostrale, Dresden, Germany (2010) e “New Pathways: Contemporary Art from Pakistan,” UN Headquarters, New York, NY, USA (2016). Ha inoltre realizzato oltre trenta mostre personali in Pakistan, Malesia, Singapore, UAE, India, UK, Portogallo e US. Nel 2017, sulla scia dei grandi artisti/curatori internazionali ha ideato, progettato e curato la “I Biennale Karachi 17”.

Ufficio Stampa Zètema Progetto Cultura
Gabriella Gnetti +39 06 82077305; +39 348 2696259; g.gnetti@zetema.it

INFO

Mostra:  “AMIN GULGEE / 7”

Dove: 
Galleria d’Arte Moderna di Roma;  Via Francesco Crispi, 24

Quando: 
31 maggio – 23 settembre 2018

Anteprima stampa: 
30 maggio 2018, ore 11.30

Inaugurazione: 
30 maggio 2018, ore 18.30-21.00

Orari: 
Da martedì a domenica ore 10.00 – 18.30
L’ingresso è consentito fino a mezz’ora prima dell’orario di chiusura.

Biglietti: 
Biglietto di ingresso alla Galleria d’Arte Moderna: € 7,50 intero e € 6,50 ridotto, per i non residenti; € 6,50 intero e di € 5,50 ridotto, per i residenti; gratuito per le categorie previste dalla tariffazione vigente.

060608 (tutti i giorni ore 9:00 – 19:00)
www.museiincomune.it; www.galleriaartemodernaroma.it

Promossa da: Assessorato alla Crescita culturale di Roma –Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali

In collaborazione con:
 PDG Arte Communications e Ambasciata della Repubblica
del Pakistan in Italia

Ideazione e cura di: Paolo De Grandis e Claudio Crescentini, co-curato da Carlotta Scarpa

Servizi museali: 
Zètema Progetto Cultura
 
SPONSOR SISTEMA MUSEI CIVICI

Con il contributo tecnico di   Ferrovie dello Stato Italiane

promosso da Roma Capitale, Assessorato alla Crescita culturale – Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali, ideato e curato da Paolo De Grandis e Claudio Crescentini, co-curato da Carlotta Scarpa. Servizi museali di Zètema Progetto Cultura.

 

Como – Cernobbio – VERNISSAGE VILLA BERNASCONI – MOSTRA Matteo Galvano

VILLA BERNASCINI – Cernobbio (Co)

UNA SLPENDIDA CORNICE LIBRTY DEL LAGO DI COMO

Cernobbio Villa Bernasconi

Foto: Grazia Seregni

architAMORfosi
MOSTRA PERSONALE dell’artista Matteo Galvano
VILLA BERNASCONI Largo Campanini, 2 CERNOBBIO (CO)

VERNISSAGE: 8 GIUGNO dalle ore 20:30 Ingresso Libero
9-10 GIUGNO mostra aperta
10:00 – 12:00
14:00 – 18:00

VILLA BERNASCONI eccoci tornati qui da Te

concepita come abitazione privata dell’ingegner Davide Bernasconi, per poi vederti, dopo qualche anno dalla sua morte, nelle mani di molti tra cui un Comando della Guardia di Finanza e diventare, negli anni a seguire, fruibile al Pubblico grazie all’acquisto da parte del Comune di Cernobbio che tutt’oggi tiene cura di ogni aspetto che ti riguardi.

Da poco hai aperto le tue porte al Pubblico in una Nuova Veste: ora sei MUSEO !

Coloro i quali hanno avuto l’opportunità di “VIVERTI” ed “ABITARTI” fino ad oggi, per la prima volta sentono la tua Voce nel percorso di visita.

Specialmente i protagonisti degli eventi organizzati nelle tue Sale certamente si saranno domandati: “Chi sa cosa lei avrà pensato di Noi ?!”

Questo il pensiero che si è scatenato nell’artista Matteo Galvano, il quale ha scelto di Donare il tuo “ritratto” al Museo, in segno di Ringraziamento per la Calorosa Accoglienza in occasione di un Progetto che l’ha visto Partecipe nel 2014, “La Chiave Contemporanea del Liberty”, che ha portato curatrici ed artisti ad approfondire il tema del periodo storico in questione, con passione ed attenzione ad ogni dettaglio.

Alle prime notizie riguardanti il Nuovo Utilizzo della Villa,
l’artista Galvano insieme alla Curatrice (Dott.ssa Roberta Macchia) dell’evento sopra citatomhanno ipotizzato la donazione dell’opera [vedi immagine e didascalia in allegato] che, con approvazione della Responsabile Ufficio Cultura Claudia Taibez,ha trovato posto nel percorso di visita e da oggi segna il
Respiro di una Contemporaneità nel Pieno Rispetto delle Stratificazioni del Passato.

Unitamente alla donazione nasce la proposta di realizzare una MOSTRA PERSONALE, volta a sintetizzare
in un unico ambiente ( la Torretta ) ed in un unico termine ( architAMORfosi )  sia il passato di questa affascinante Location sia il futuro dell’artista, il quale proporrà al pubblico per la prima volta la serie da cui è tratto il titolo dell’esposizione.

architAMORfosi nasce dall’esigenza dell’artista di non fermarsi a ciò che ognuno di noi è capace di vedere attraverso l’occhio umano, viaggiando, navigando in rete o semplicemente sfogliando le pagine di un Libro. Matteo Galvano ama l’architettura e la interpreta a suo piacimento come a voler riappropriarsi della città ideale. Ecco che, attraverso le sue più recenti opere, due città geograficamente distanti tra loro si fondono immaginando di vivere condividendo lo stesso spazio, utile a ottenere silenziosi momenti nel turbinio dei suoni urbani tradotti nel continuo ripetersi di tratti della sua biro. [si veda in allegato una tra le opere, appartenenti alla serie, realizzate che ha girato l’Europa per due anni con l’evento JEUNE CREATION EUROPEENNE]

Perché proprio questo Titolo ?
architAMORfosi richiama il termine Metamorfosi e quest’ultimo può essere l’estrema sintesi di quanto Villa Bernasconi fino ad oggi ha vissuto: più immediato il richiamo con le decorazioni esterne del baco da seta ricomposto ora come bruco ora come farfalla, più riflessivo il richiamo ai cambiamenti morfologici, fisiologici indicati nelle prime righe di questo testo, implicanti ogni volta un diverso rapporto con l’ambiente circostante.

TU, Gioiello del Liberty, ci hai accolto DUE VOLTE
In veste di Location nel 2014
In veste di Museo OGGI
e di questo te ne saremo Sempre Grati.

Foto dell’Opera
DONATA AL MUSEO

VILLA BERNASCONI – CERNOBBIO
Bozzetto di Studio
Biro nera su carta e Tecnica Mista
21x30cm – 2014

https://matteogalvano.wixsite.com/artist

Foto dell’Opera

Appartenente alla serie
architAMORfosi

ESPOSTA INDIVERSE CITTA’ EUROPEE
CON LA PARTECIPAZIONE ALLA MOSTRA JEUNE CREATION EUROPEENNE

TORRE PENDENTE (PISA) – TURNING TORSO (MALMO)
Biro nera su carta cotone
50×100 cm – 2015

https://matteogalvano.wixsite.com/artist

Arte – Reggia di Caserta – Marco Lodola – Giovanna Fra Tempus – Time

REGGIA DI CASERTA
Caserta, via Douhet 2/A
Marco Lodola – Giovanna Fra
Tempus – Time
a cura di Luca Beatrice
14 giugno – 15 settembre 2018
conferenza stampa mercoledì 13 giugno, ore 18
inaugurazione su invito

https://webmail32a.pc.tim.it/cp/ps/Mail/Downloader?dhid=attachmentDownloader&pct=d26d90d22d67109&uid=91100&disposition=inline&c=yes&d=alice.it&u=cucina2009&contentSeed=37d355040d45585&fp=INBOX&l=it&an=DefaultMailAccount&ai=3

Marco Lodola, Pegaso Viola , 2018

Unione tra passato e contemporaneo è la mostra “Marco Lodola – Giovanna Fra. Tempus – Time” a cura di Luca Beatrice, esposta presso la Reggia di Caserta dal 14 giugno al 15 settembre.
L’esposizione, organizzata da Mary Farina, anche ideatrice del progetto, e da Augusto Ozzella, con la collaborazione della galleria Deodato Arte, gode del patrocinio del Comune di Caserta, del Madre – fondazione donnaregina per le arti contemporanee e di Confindustria Caserta.
Il titolo della mostra è un voluto riferimento al trait d’union che Marco Lodola e Giovanna Fra, grazie alle loro opere, creano fra il Tempus, la dimensione temporale legata all’antichità, al classico, alla storica sede espositiva e il Time , sintesi del mondo contemporaneo.
La Reggia di Caserta, la residenza reale più grande del mondo, accoglie il percorso espositivo composto da una selezione di opere dei due artisti, che dall’ingresso si snoda negli spazi interni, nel parco reale, fino ad arrivare agli appartamenti del piano nobile. L’immenso parco della sontuosa villa, nel raggio di un chilometro, è punteggiato da oltre venti monumentali sculture luminose di Marco Lodola che rappresentano alcuni dei suoi soggetti tipici, uomini e donne, ballerini, danzatrici, animali, figure reali e immaginarie, che metaforicamente partecipano a una festa di corte. Questi lavori, oltre al forte impatto creato grazie alla loro imponenza e alla vivacità dei colori, si caratterizzano per la loro peculiarità: l’emanare luce, che genera dinamismo, potenza, vitalità; qualità che non riguardano solamente le opere in sé, ma che vengono trasmesse anche all’ambiente circostante.
Le installazioni di Lodola appaiono in grande sintonia con le tele di Giovanna Fra che accolgono il visitatore negli appartamenti reali e, caratterizzate da un forte cromatismo, incarnano perfettamente quell’arte contemporanea in cui la contaminazione di tecniche e la sperimentazione sono elementi imprescindibili. L’artista si misura con lo spazio interno e l’architettura vanvitelliana, reinterpretando nelle sue opere i motivi decorativi settecenteschi, arazzi, carte da parati, arredi Barocchi e Neoclassici, attraverso il linguaggio segnico, costituito da tracce di colore dalle forme imprevedibili e uniche, da textures astratte che si intrecciano con le trame del supporto digitale. I suoi lavori di matrice informale abbandonano infatti i mezzi tradizionali e, partendo da frame fotografici stampati su tela, Giovanna Fra arriva al risultato finale, percorrendo un cammino a ritroso, che la conduce a terminare l’opera con delle pennellate tradizionali, un’ulteriore dimostrazione del legame fra tempus e time e nel caso specifico del “passaggio da time a tempus”.
Seppure provenienti da formazioni diverse i lavori di Marco Lodola e Giovanna Fra creano un profondo dialogo e si completano vicendevolmente, ma soprattutto instaurano un forte legame con il luogo che li ospita, come afferma Luca Beatrice nel testo dedicato alla mostra: ” Dialogare con stucchi, decorazioni, pitture di genere e, soprattutto, con un’architettura di inestimabile pregio può costituire infatti una sfida ardua eppure affascinante per gli artisti contemporanei, a partire dall’utilizzo di materiali anomali che solo da poco sono entrati nel novero appunto dell’artisticità. Senza contare volumi, cubature e l’immensità di un parco che farebbe spaventare chiunque. […] Realizzare un cortocircuito visivo tra il tempus e il time, ovvero il passato e il presente, è rischio che l’arte di oggi sente di correre con sempre maggior frequenza. Ora, in particolare, tra pittura, elaborazione digitale, plastica e luce “.
La mostra è accompagnata da un catalogo edito da Skira , con un vasto repertorio di immagini, il testo del curatore Luca Beatrice e numerosi interventi fra cui quelli di Renzo Arbore, Aldo Busi, Lorenzo “Jovanotti” Cherubini, Piero Chiambretti, Roberto D’Agostino, Salvatore Esposito, Ciro Ferrara, Antonio Stash Fiordispino, Enzo Iacchetti, Max Pezzali, Andrea Pezzi, Red Ronnie e di critici illustri quali Achille Bonito Oliva, Philippe Daverio, Gillo Dorfles, Martina Corgnati, Vittorio Sgarbi.
Cenni biografici .
Marco Lodola nasce a Dorno (Pavia), frequenta l’Accademia di Belle Arti di Firenze e di Milano. Successivamente, all’inizio degli anni ’80, si affianca al nuovo futurismo. Si avvicina presto all’uso di materiali plastici che sagoma e colora con una tecnica personale, l’evoluzione della sua ricerca lo porta ad inserire fisicamente la luce nei suoi lavori: nascono le sculture luminose, che caratterizzeranno tutta la produzione artistica. Le sue opere sono presenti in vari musei, ha inoltre realizzato scenografie per film, trasmissioni, concerti ed eventi. In particolare è stato attivo nella moda e nel teatro. Fra le numerose mostre, si ricorda la sua presenza al Padiglione Italia della 53ª Biennale di Venezia con un’installazione luminosa e alla 54ª Biennale di Venezia con il progetto a cura di Vittorio Sgarbi “Cà Lodola”.
Giovanna Fra nasce a Pavia, si diploma in pittura all’Accademia di Belle Arti di Brera, con una tesi su John Cage ed il rapporto tra arte e musica.
La sua visione creativa ha privilegiato la fisicità dinamica del colore in relazione alle diverse consistenze della materia, fissando nell’immediatezza del gesto attimi di vibrante musicalità. Recentemente è stata invitata ad esporre al Friendschip project nel Padiglione della Repubblica di San Marino per la 57° edizione della Biennale di Venezia.
Main sponsor: GRAND HOTEL BILLIA – PARC HOTEL BILLIA – SAINT-VINCENT RESORT & CASINO – CASINO DE LA VALLÉE SAINT-VINCENT
Sponsor: DHL – OFFICE DEPOT – HARMONT&BLAINE
In collaborazione con DEODATO ARTE
Coordinate mostra
Titolo Marco Lodola – Giovanna Fra. Tempus – Time
A cura di Luca Beatrice
Sede Reggia di Caserta, via Douhet 2/A – 81100 Caserta
Date 14 giugno – 15 settembre 2018
Conferenza stampa mercoledì 13 giugno, ore 18
Inaugurazione su invito
Catalogo Skira
Orari Appartamenti storici : tutti i giorni dalle 8.30 alle 19.30 (ultimo ingresso ore 19 – uscita dal museo 19.25) – Parco : dalle 8.30 alle 19 (ultimo ingresso ore 18) – Giardino Inglese : dalle 8.30 alle 18 (ultimo ingresso ore 17) – MARTEDÌ CHIUSURA SETTIMANALE
Ingresso mostra compreso nel biglietto della Reggia
Appartamenti storici, Parco e Giardino Inglese € 12,00 intero – € 6,00 ridotto
Solo Appartamenti Storici (acquistabile quando il parco è chiuso) € 9,00 intero – € 4,50 ridotto
La prima domenica di ogni mese Appartamenti storici gratuito – Parco della Reggia € 5,00 intero –
€ 2,50 ridotto – gratis fino a 18 anni
Info pubblico
www.tempustime.com – info@tempustime.com
Facebook/Instagram: Tempus Time

Arte e Spritz a Venezia – Collezione Peggy Guggenheim

StraOrdinari. Storie non convenzionali all’ora dello spritz

Caparezza, Lara Gilmore e Bebe Vio
si raccontano alla Collezione Peggy Guggenheim

21, 28 maggio e 25 giugno, dalle 19 alle 21

Dieci anni fa nasceva HappySpritz@Guggenheim. Nel 2009, grazie al supporto di AperolSpritz, la Collezione Peggy Guggenheim lanciava un evento innovativo che nel corso di un decennio ha portato migliaia di giovani a casa di Peggy Guggenheim, avvicinandoli ai capolavori collezionati dalla mecenate americana e oggi patrimonio dell’Italia intera.

Per celebrare questo decimo compleanno il museo intraprende una nuova avventura. Caparezza, Lara Gilmore e Bebe Vio: tre ospiti d’eccezione, il 21, 28 maggio e 25 giugno, che dalle 19 alle 21 racconteranno le loro storie non convenzionali, all’ora dell’aperitivo, nel giardino della Collezione Peggy Guggenheim immersi in un’atmosfera intima e raccolta.

Scoprendo e sostenendo giovani talenti artistici e credendo fermamente nel loro lavoro, primo su tutti Jackson Pollock, Peggy Guggenheim è stata una “visionaria” dell’arte. Ora le porte della sua casa-museo si aprono per accogliere le storie di tre protagonisti, “visionari odierni”, del panorama musicale, culinario e sportivo, pronti a condividere “a tu per tu” con il pubblico le loro esperienze straOrdinarie.

Aperol Spritz, storica azienda parte del gruppo Guggenheim Intrapresae che da 10 anni crede fortemente in questa idea, è di nuovo a fianco dell’iniziativa confermando il proprio legame con il territorio di origine e il museo veneziano.

Seguendo la mission del museo, ovvero educare il suo pubblico e sensibilizzarlo a temi attuali come l’istruzione di qualità, l’inclusione sociale, la parità di genere e il rispetto del patrimonio culturale e dell’ambiente, fil rouge dei racconti saranno i 17 Obiettivi dell’Agenda 2030 delle Nazioni Unite.

Per questa nuova iniziativa, la Collezione Peggy Guggenheim è lieta di poter collaborare con ASviS, l’Alleanza Italiana per lo Sviluppo Sostenibile che si occupa di promuovere i 17 Obiettivi, che vanno dallo sconfiggere povertà e fame, al raggiungimento della parità di genere, dalla lotta al cambiamento climatico alla riduzione delle disuguaglianze.

Quali saranno dunque le storie “non convenzionali” che racconteranno i nostri ospiti?

Michele Salvemini, in arte Caparezza, è oggi tra i più acclamati cantautori, rapper e produttori discografici italiani, è un ‘cantastorie moderno’ che, attraverso la trasversalità dei suoi testi e della sua musica, riesce a toccare tematiche sociali attualissime, ma anche legate al proprio io interiore.

Lara Gilmore è Presidente di “Food for Soul”, organizzazione no-profit fondata con suo marito Massimo Bottura, uno dei più celebri chef contemporanei, per combattere lo spreco alimentare e l’isolamento sociale.

“Food for Soul” nasce dall’esperienza di successo del Refettorio Ambrosiano, istituito nel 2015 insieme a Caritas Ambrosiana, in occasione di Expo Milano.

Per questa occasione, un vecchio teatro abbandonato nel quartiere Greco è stato trasformato in una mensa comunitaria in cui chef di tutto il mondo hanno trasformato le eccedenze alimentari dell’Expo in pasti nutrienti per i bisognosi.

Dopo la sede milanese, il Refettorio ha successivamente aperto anche a Rio de Janeiro, Londra e Parigi, e tutte le mense sono attualmente operative.

Infine Beatrice Maria Adelaide Marzia Vio, detta Bebe, campionessa paralimpica e mondiale in carica di fioretto individuale, è oggi tra i personaggi più amati e seguiti, non solo dalle generazioni dei giovanissimi, che con la sua forza, tenacia e coraggio, si è fatta portavoce dell’empowerment femminile.

Sarà grazie alle loro voci che il pubblico potrà vivere il museo in una veste nuova, sedersi in giardino come in un salotto, e ascoltare alcune storie, ci auguriamo, ispiratrici. Grazie alla collaborazione con ASviS, durante le serate il pubblico potrà approfondire i 17 Obiettivi dell’Agenda 2030 per lo sviluppo sostenibile attraverso percorsi creati ad hoc, seguendo una mappa che legherà una selezione delle opere in collezione ai contenuti degli obiettivi. Nel corso dei tre appuntamenti gli “AMATA” del museo (“Ask Me About The Art), stagisti internazionali pronti a rispondere alle domande dei visitatori sulle opere in collezione diventeranno “Ask Me About The Agenda”, interagendo con il pubblico in merito ai collegamenti tra le opere e i Goal dell’Agenda dell’ONU.

Ciascun ospite avrà un suo padrino.

A condurre queste narrazioni saranno infatti Luca de Gennaro, noto DJ, critico musicale e conduttore radiofonico, Marco Maccarini, popolare presentatore televisivo e radiofonico, e Corrado Fortuna, celebre attore, regista, e scrittore italiano. A fare da colonna sonora alle tre serate saranno le playlist “del cuore” di Caparezza, Lara Gilmore e Bebe Vio.

#Straordinari18 e #2030whatareUdoing, in collaborazione con ASviS, saranno gli hashtag da utilizzare su Facebook, Twitter e Instagram per comunicare e condividere questo “straOrdinario” evento.

A seguito delle restrittive normative sulla sicurezza, l’evento potrà accogliere un numero sensibilmente ridotto di partecipanti rispetto alle passate edizioni. Il biglietto d’ingresso al museo è di 15 euro, acquistabile esclusivamente online a partire da giovedì 17 maggio per il primo appuntamento, e dal mercoledì precedente le successive serate.

Corsia d’accesso preferenziale per i possessori di Young Pass, la membership Guggenheim per gli under 26.

Ogni biglietto include due consumazioni. 

In caso di pioggia l’evento verrà cancellato e il prezzo del biglietto rimborsato.

Peggy Guggenheim Collection | Dorsoduro 701, 30123 Venezia | Tel. 041.2405.404/415

Arte a Palazzo Reale Milano – Impressionismo e avanguardie

Mary-Cassat-Donna-con-collana-di-perle-1879-particolare

Pierre-Auguste-renoir-Ragazza-con-gorgiera-rossa-1896

IMPRESSIONISMO E AVANGUARDIE. CAPOLAVORI DAL PHILADELPHIA MUSEUM OF ART

Filadelfia è stata la capitale del collezionismo d’arte dalla metà dell’Ottocento

Le collezioni d’arte moderna e impressionista sono uno dei fiori all’occhiello del Philadelphia Museum of Art.

Provocatorie e sperimentali secondo i critici dell’epoca, le opere di Pierre-Auguste Renoir, Claude Monet, Paul Cézanne, Henri Matisse, Pablo Picasso e Paul Klee, tra gli altri, sono oggi considerate i grandi tesori del museo di Philadelphia.

La peculiarità del museo sta nell’aver assemblato il proprio patrimonio grazie alla donazione di collezionisti dalla forte personalità, che spesso hanno creato le loro collezioni in stretta collaborazione con gli artisti, elemento che aggiunge un enorme valore al patrimonio del museo, oggi incrementato anche con opere di giovani artisti.

Sino al 2 settembre 2018, nella magnifica cornice di Palazzo Reale di Milano, apre al pubblico IMPRESSIONISMO E AVANGUARDIE.

Capolavori dal Philadelphia Museum of Art, una selezione di 50 capolavori provenienti da uno dei più importanti e storici musei americani, un’occasione unica per ammirare opere dei più grandi pittori a cavallo tra Ottocento e Novecento nel loro periodo di massima espressione artistica, in un allestimento studiato per valorizzare ogni singola opera.

Filadelfia è stata la capitale del collezionismo d’arte dalla metà dell’Ottocento e l’esposizione vuole essere il racconto di una storia che ha visto protagonista il suo museo ed i collezionisti che hanno contribuito al suo arricchimento. La mostra, è promossa e prodotta da Comune di Milano-Cultura, Palazzo Reale e MondoMostreSkira e si inserisce nella linea espositiva Musei del mondo a Palazzo Reale, inaugurata nel 2015, che vede la realizzazione di mostre delle più importanti collezioni museali di tutto il mondo non sempre note al grande pubblico e non sempre accessibili.

Opere di artisti celeberrimi come Pierre Bonnard, Paul Cézanne, Edgar Degas, Edouard Manet, Paul Gauguin, Claude Monet, Vincent van Gogh, Camille Pissarro, Pierre-Auguste Renoir fino alle sperimentazioni di Georges Braque, Vasily Kandinsky, Paul Klee, Henri Matisse, Marc Chagall, Constantin Brancusi, Pablo Picasso, passando per il surrealismo di Salvador Dalí e Joan Mirò. A questi si aggiungono i lavori di tre grandi artiste: Mary Cassatt, Marie Laurencin, Berthe Morisot

Per la mostra milanese sono state scelte cinquanta splendide opere, in un percorso affascinante: troviamo i luminosi paesaggi di Monet con, tra gli altri, Il sentiero riparato(1873) e Il ponte giapponese (1895), di Sisley con Le rive del Loing (1885), di Pissarro con Paesaggio (frutteto) (1892), di Cézanne con Le Quartier du Four, à Auvers-sur-Oise(ca.1873) e Paesaggio invernale, Giverny (1894), di de Vlaminck con La Senna a Chatou(ca.1908), di Soutine con Paesaggio, Chemin des Caucours, Cagnes-sur-Mer (ca.1924), di Dufy con Finestra sulla Promenade des Anglais, Nizza (1938). E imperdibili scene cittadine come I grands Boulevards (1875) di Renoir e Place du Tertre a Montmartre (ca.1912) di Utrillo

Sfilano poi magnifici ritratti come Ritratto di Isabelle Lemonnier (ca.1877) di Manet, Donna con collana di perle in un palchetto (1879) di Mary Cassatt, Ritratto di bambina (1894) di Berthe Morisot, Ragazza con gorgiera rossa (ca.1896), Ragazza che fa il merletto(ca.1906) e Bagnante (ca.1917-1918) di Renoir, Ritratto di Madame Cézanne (1885-1887) di Cézanne, Ritratto di Madame Augustine Roulin e la piccola Marcelle (1888) e Ritratto di Camille Roulin (1888) di van Gogh, Nudo femminile seduto (1908-1909), Uomo con violino(1911-1912), Donna e bambine (1961) di Picasso, L’ora del tè (donna col cucchiaio)(1911) di Metzinger, Uomo al balcone (ritratto del dottor Théo Morinaud) (1912) di Gleizes, Omaggio a Maillol (1917) di Bonnard, Donna seduta in poltrona (1920) di Matisse.

E ancora indimenticabili composizioni di frutta e fiori come Natura morta con rose centifolia in un cestino (1886) di Gauguin, Natura morta con mazzo di margherite (1885) di van Gogh, Cesta di pesci (ca.1910) e Natura morta con piatto di frutta (1936) di Braque, Natura morta sul tavolo (1925) di Matisse. E sculture come L’atleta (1901-1904) di Rodin visivamente legata al Pensatore, che ritrae Samuel S. White III, tra i maggiori donatori del Museo, l’enigmatico Il giullare (1905) di Picasso, la bellissima scultura in pietra Il Bacio(1916) di Brancusi

Imperdibili opere come Marina in Olanda (1872) di Manet, La classe di danza (ca.1880) di Degas, Una sera di carnevale (1886) di Rousseau, Cerchi in un cerchio (1923) di Kandinsky, Carnevale al villaggio (1926) di Klee, Simbolo agnostico (1932) di Dalí, Pierrot con rosa (ca.1936) di Rouault, Nella notte (1943) di Chagall.

Il Philadelphia Museum of Art

Fondata nel 1681, Filadelfia si considerava sempre la prima e la più bella delle città degli Stati Uniti e nell’Ottocento era la più grande città nordamericana, i suoi commercianti facevano fortuna nel commercio, nelle navi a vapore, nelle ferrovie, nelle banche ed abbellirono la città, gareggiando per renderla la capitale culturale dell’America. La prima Fiera mondiale ufficiale negli Stati Uniti fu tenuta proprio a Filadelfia nel 1876 e fu visitata da più di 10 milioni di persone (il 20% della nazione), contribuendo a stimolare i ricchi americani a viaggiare in Europa, dove l’arte era al top nella loro lista della spesa. Ne è nato il Philadelphia Museum of Art, che ha aperto l’anno successivo, e possiede oggi una collezione di oltre 240.000 opere, rappresentative di oltre duemila anni di produzione artistica.

Lo sviluppo del museo si deve a Fiske Kimball, direttore per trent’anni dal 1925, che dotò il museo di arredi originali di vari paesi e epoche, convinto di voler offrire ai visitatori un’esperienza vivida della storia di ogni forma d’arte. Un susseguirsi pressoché continuo di donazioni da parte di imprenditori illuminati e appassionati collezionisti ha arricchito negli anni il museo che ora possiede opere d’arte di ogni epoca e tipologia: dalle terrecotte e sculture giapponesi e cinesi a miniature, xilografie e sculture asiatiche, dai dipinti antichi, disegni e stampe italiani a una collezione di armi e armature, da oggetti di argento e porcellana a opere d’arte e design contemporanei, compresa una collezione di fotografia che consta di trentamila stampe in bianco e nero e a colori.

Le collezioni d’arte moderna e impressionista – ci raccontano Jennifer Thompson e Matthew Affron, conservatori del museo e curatori della mostra – sono uno dei fiori all’occhiello del Philadelphia Museum of Art. La loro peculiarità è che sono il risultato di donazioni, non solo di singole opere, ma di intere eccezionali raccolte caratterizzate dalla forte personalità dei collezionisti. Gli americani, ma in particolare gli abitanti di Philadelphia, sono stati tra i primi collezionisti dell’impressionismo, in gran parte grazie all’artista Mary Cassatt che ha a lungo abitato a Parigi e fatto da tramite tra i propri concittadini e i mercanti e gli artisti francesi. L’atmosfera intima e affascinante dei dipinti impressionisti era ideale per decorare le grandi residenze di questi imprenditori, che hanno poi donato le proprie opere al museo. Alexander Cassatt, fratello della pittrice e capo della Pennsylvania Railroad per primo acquistò opere di Manet, Monet, Degas e Pissarro, contagiando altri dirigenti che fecero a gara nell’acquisto di opere d’arte francesi. Frank Graham Thomson, successore di Cassatt, cercò di conoscere Monet, mentre la Cassatt lo portò nella galleria parigina di Paul Durand-Ruel, il più importante mercante d’arte impressionista dell’epoca. Thomson acquistò nel tempo dodici dipinti di Monet e altre opere impressioniste.

I primi dipinti impressionisti – proseguono nel racconto i due curatori americani – entrarono nella collezione del Philadelphia Museum of Art nel 1921, quando il W.P. Wilstach Fund consentì di acquistare dieci opere dagli eredi di Alexander Cassatt. Tra gli altri collezionisti che contribuirono a fare del museo una meta imperdibile per gli appassionati d’impressionismo negli Stati Uniti figura anche Samuel Stockton White II.

Da giovane, White fu un culturista pluripremiato e, durante un soggiorno a Parigi nel 1901, fece da modello a Rodin, la cui scultura è esposta in mostra. Rientrato a Philadelphia, White cominciò ad acquistare dipinti impressionisti, che la moglie Vera lasciò al museo nel 1967. Allo stesso modo, molte eccezionali donazioni furono il frutto della generosità di Henry P. McIlhenny e della sorella Berenice McIlhenny Wintersteen. I dipinti di Delacroix, Degas, Renoir, Matisse e Picasso che i due fratelli acquistarono e poi donarono al museo costituirono l’ossatura di una straordinaria collezione d’arte moderna, destinata a crescere senza sosta per tutto il XX secolo.

La donazione che diede formalmente il via alla odierna, vastissima, collezione d’arte moderna del museo fu quella di Albert Eugene Gallatin che nel 1927 creò la prima collezione pubblica d’arte moderna del XX secolo negli Stati Uniti.

La sua Gallery of Living Art aveva sede all’Università di New York e prosperò fino al dicembre del 1942, quando venne deciso di non poter più ospitare la collezione. Kimball, direttore del Philadelphia Museum of Art, chiese a Gallatin di considerare Philadelphia come sede permanente della collezione e all’inizio del 1943, i due firmarono un accordo per il prestito immediato e il successivo lascito di oltre centosessanta opere.

La donazione di Gallatin fu seguita da quella di Louise e Walter Arensberg, la cui collezione costituisce l’altra pietra miliare dell’arte del Novecento a Philadelphia. Dopo essersi trasferiti a New York iniziarono a raccogliere la loro collezione e ben presto conobbero Duchamp, appena arrivato da Parigi e già famoso negli ambienti artistici newyorkesi. Gli Arensberg si affidarono alle sue conoscenze per l’acquisto delle opere d’arte, e il loro appartamento non tardò a riempirsi di dipinti, collage e disegni di Picasso, Matisse, Georges Braque e dello stesso Duchamp. Alla fine degli anni Quaranta, le opere che avevano raccolto erano già universalmente riconosciute come tesori dell’arte moderna. I musei di tutti gli Stati Uniti cercarono di aggiudicarsele, ma Fiske Kimball fece presente agli Arensberg che l’ala nordorientale del Philadelphia Museum of Art, ancora incompiuta, avrebbe potuto offrire ampio spazio sia alla loro collezione d’arte moderna sia ai loro oggetti precolombiani. La propensione della coppia ad accettare la proposta di Kimball si consolidò quando Duchamp, mandato a Philadelphia nel 1949 in “ricognizione segreta”, giudicò favorevolmente la “sensazione di stabilità” trasmessa dall’edificio.

La collezione di pittura moderna del museo fu poi arricchita dalla donazione, nel 1964, della collezione Louis E. Stern, che contava più di trecento opere. Stern si concentrò sulla pittura francese del XIX e del XX secolo, dai capolavori impressionisti e postimpressionisti di Renoir, Cézanne e Bonnard alle opere di Henri Rousseau, Henri Matisse e di maestri della Scuola di Parigi come Chagall e Soutine.

Pensare che questi capolavori erano nelle case di industriali americani o di illuminati collezionisti che con grande generosità decisero di donarli al Philadelphia Museum of Art che a sua volta li presta, per oltre cinque mesi, a Milano, rende davvero la mostra una occasione unica. Un assaggio di grandissimo livello che farà senz’altro venire voglia di andare a Philadelphia ad ammirare il resto di questa imponente collezione di fama internazionale, come suggerisce Timothy Rub, Direttore del museo, che entro il 2020 verrà ampliato da Frank O. Gehry

 

Dal 08 Marzo 2018 al 02 Settembre 2018

MILANO

LUOGO: Palazzo Reale

CURATORI: Philadelphia Museum of Art Curatorial Department

ENTI PROMOTORI:

  • Comune di Milano – Cultura
  • Palazzo Reale
  • MondoMostre Skira

TELEFONO PER INFORMAZIONI: +39 0288445181

E-MAIL INFO: c.mostre@comune.milano.it

SITO UFFICIALE: http://www.palazzorealemilano.it/

Arte al Forte di Bard – Luci del Nord –

IMPRESSIONISMO IN NORMANDIA

Terra, vento, mare e nebbia; il fascino della Normandia

Monet, Renoir, Bonnard, Boudin, Corot, Courbet, Daubigny, ma anche Delacroix, Dufy, Gericault.

Per la prima volta il Forte di Bard dedica una mostra evento agli impressionisti e lo fa con un progetto inedito dal titolo Luci del Nord. Impressionismo in Normandia. Dal 3 febbraio al 17 giugno 2018.

L’ esposizione, curata dallo storico dell’arte Alain Tapié, è promossa dall’Associazione Forte di Bard con la collaborazione di Ponte Organisation für kulturelles Management GmbH di Vienna.

Più di settanta importanti opere raccontano la fascinazione degli artisti per la Normandia.

I dipinti provengono dall’Association Peindre en Normandie di Caen, dal Museo del Belvedere di Vienna, dal Museé Marmottan di Parigi e dal Musée Eugène Boudin di Honfleur.

FOTO: Luci-del-nord-Eugène-Boudin-Trouville1889-95-circa-particolare.

Info e prenotazione visite guidate e attività didattiche
T. + 39 0125 833818
prenotazioni@fortedibard.it
La prenotazione è obbligatoria solo per i gruppi

L’ingresso al Forte di Bard è gratuito.

Ad ogni area espositiva è applicata una tariffa di ingresso.
Possibilità di proposte cumulative.
I biglietti si possono acquistare alle Biglietterie del Forte oppure online sul portale MidaTicket

Prigioni del Forte
Opera Carlo Alberto
Intero: 4,00 €
Ridotto: 3,00 €

Mostra Luci del Nord. Impressionismo in Normandia
Opera Carlo Alberto
Intero: 8,50 €

Ridotto (6-18 e over 65): 6,50 €
Scuole: 5,00 €

Mostra Wildlife Photographer of the Year 53
Opera Carlo Alberto
Intero: 8,00 €
Ridotto (6-18 e over 65): 7,00 €

Museo delle Alpi
Opera Carlo Alberto
Intero: 8,00 €
Ridotto: 6,00 €
Ragazzi (6-18 anni): 4,00 €

Il Ferdinando. Museo delle Fortificazioni e delle Frontiere
Opera Ferdinando
Intero: 9,00 €
Ridotto: 7,00 €
Ridotto Ragazzi (6-18 anni) e Scuole: 5,00 €

 

 

Arte a Palermo – La Scuola di Palermo –

Museo Riso

La Scuola di Palermo

22 Marzo 2018 – 25 Aprile 2018

Al Museo Riso da giovedì 22 marzo al 25 aprile, si apre una mostra che racchiude gli artisti della cosiddetta “Scuola di Palermo”. Sotto osservazione le opere di Alessandro Bazan, Francesco De Grandi, Andrea Di Marco (scomparso sei anni addietro), e Fulvio Di Piazza.

Un’operazione inedita, questa condotta per Riso dal curatore, Sergio Troisi, con la collaborazione di Alessandro Pinto, e che per la prima volta mette a fuoco e rilegge in chiave critica questa stagione felice dell’arte contemporanea in Sicilia che ha visto il ritorno alla pittura come linguaggio d’elezione di una generazione di artisti.

Spiega Troisi: “Nata in un momento in cui la pittura declinava in favore di un diverso orizzonte di proposte concettuali e di nuovi media, la Scuola di Palermo ha individuato il punto di convergenza e irradiazione dei quattro percorsi nell’idea stessa della pittura, della sua materia e della sua stratificata me-moria, come luogo di esplorazione del sentimento contemporanee”.

L’allestimento prevede così un continuo gioco di dialoghi, confronti e contrappunti in cui la figurazione di un universo futuribile e metamorfico di Di Piazza, le periferie e i sospesi e melanconici frame quotidiani di Di Marco, gli allarmati, inquieti e fantastici scenari urbani e paesaggistici di De Grandi e la divagante affabulazione figurale imbastita da Bazan compongono un mosaico aperto il cui centro è la geografia immaginativa del nostro tempo.

La mostra, promossa da Elenk’Art con Riso, ospita 80 opere tra dipinti (molti dei quali di grande formato) e disegni. Catalogo Glifo Edizioni.

FOTO: Scuola-di-Palermo-Fulvio-di-Piazza-Spettatore-interessato-2006-olio-su-tela-particolare

Dal 22 Marzo 2018 al 25 Aprile 2018

PALERMO

LUOGO: Museo Riso

CURATORI: Sergio Troisi

ENTI PROMOTORI:

  • Regione Siciliana
  • Regione Sicilia
  • Palermo 2018

COSTO DEL BIGLIETTO: intero € 6, ridotto € 3

TELEFONO PER INFORMAZIONI: +39 091 587717

SITO UFFICIALE: http://https://www.poloartecontemporanea.it

Arte a Milano – Hangar Bicocca – Alfabeto libero di Mullican – ingresso gratuito

Retrospettiva di Matt Mullican all’Hangar Bicocca

Occasione imperdibile  la performance live che Matt Mullican terrà proprio sotto ipnosi, il prossimo 26 maggio

‘The Feeling of Things’ la più grande retrospettiva, curata da Roberta Tenconi e allestita al Pirelli Hangar Bicocca di Milano sino al 16 settembre 2018

La mostra si dispiega in 5.000 mq e include immagini che riportano le iconografie di instagram alla metà degli anni ’90, sculture in vetro, video, disegni calligrafici che interpolano segni e parole, rubbings, simboli e installazioni …

“Quando sono entrato qui per la prima volta mi sono quasi messo a piangere. Se mi chiedete dov’è il mio studio io vi dico: è qui”, lo ha affermato, dopo oltre 40 anni di carriera, Matt Mullican.

 6000 oggetti raccontano la carriera del maestro.

Un grande labirinto rettangolare diviso in cinque aree cromatiche e tematiche, a cui corrispondono mondi diversi: verde per gli elementi fisici e naturali, blu per la vita quotidiana, giallo per le arti, nero per il linguaggio e rosso per l’io dell’artista.

Per la curatrice, Roberta Tenconi,

il lavoro di Mullican, si sposa benissimo con gli spazi dell’hangar. Niente muri ma una grande scultura unica in cui ci si può muovere … che non pensa di essere mai arrivato e questo è un meraviglioso messaggio di instancabile curiosità”.

Matt Mullican (Santa Monica, California, 1951).

Ultimo ingresso alle mostre è alle ore 21.15.

Orari mostre

da lunedì a mercoledì: chiuso
da giovedi a domenica: 10-22.

Pirelli HangarBicocca

Via Chiese 2
20126 Milano

T (+39) 02 66 11 15 73
info@hangarbicocca.org

 

Palermo Città della Cultura Italiana e Manifesta 12 SIGNORI PREGO SI ACCOMODINO

In occasione di Palermo Città della Cultura Italiana
e Manifesta 12
SIGNORI PREGO SI ACCOMODINO
approda a Palermo con la mostra
Lia Pasqualino Noto
a cura di
Geraldine Blais
 
progetto organizzato da
NUOVE//Contemporary Art Production
 
in collaborazione con
Marsèll  
 
con il patrocinio di
GAM – Galleria D’Arte Moderna, Palermo
Museo Internazionale delle Marionette Antonio Pasqualino, Palermo 

 

 

18.06 – 01.07.2018  


inaugurazione solo su invito
18.06.2018, 18.00 – 21.00

visite solo su prenotazione
orari | 10 – 12 / 17 – 20

 

In occasione di Manifesta 12 approda a Palermo, nominata nel 2018 città della Cultura Italiana,  il ciclo espositivo di grande successo Signori prego si accomodino, ideato e curato da Geraldine Blais con il sostegno e la collaborazione di Marsèll.

Il progetto, dedicato alla valorizzazione di grandi artisti del passato, si sviluppa come un dialogo tra la loro eredità culturale e creativi contemporanei, attivando inediti percorsi all’interno di luoghi intimamente legati alla vicenda umana e alla poetica di questi fondamentali protagonisti della recente storia dell’arte.

L’edizione palermitana di Signori prego si accomodino è il terzo capitolo di un racconto partito a Venezia (Biennale Arte 2015 e Architettura 2016) con due appuntamenti dedicati alla figura di Carlo Scarpa.

La mostra si articolerà come un progetto costruito ad hoc per la città e dedicato a un’artista che proprio a Palermo ha legato indissolubilmente la sua vita e la sua arte: Lia Pasqualino Noto (Palermo, 1909 – Palermo, 1998) celebrando così il ventesimo anniversario della sua scomparsa.
Da lunedì 18 giugno a domenica 1 luglio 2018, apriranno per la prima volta al pubblico le porte della casa-studio dell’artista.
Il progetto ha coinvolto diversi artisti del panorama internazionale contemporaneo, invitati a relazionarsi con la vita e l’opera della pittrice palermitana, in un percorso che si riappropria degli spazi di casa Pasqualino Noto.

Creando uno scenario capace di dialogare in sintonia con l’atmosfera e gli ambienti preesistenti, si rende testimonianza di quel fervore intellettuale che fu fra i più vivi focolari culturali della città di Palermo, ospitando tra le più radicali personalità del panorama artistico italiano fra le due guerre.

Il progetto espositivo intreccia passato e presente anche della famiglia Pasqualino Noto invitando, accanto agli artisti, i componenti della famiglia dell’artista – Beatrice, Caterina, Lia, Liuc, Maia, Matilde – a realizzare alcune opere, con il fine di restituire l’immensa eredità che l’artista ha lasciato nell’esperienza delle generazioni successive.

Lia Pasqualino Noto, esponente del Gruppo dei Quattro insieme a Renato Guttuso, Nino Franchina e Giovanni Barbera, fu una dinamica e singolare voce femminile della pittura dei primi del Novecento, a lungo lasciata ai margini dal dibattito artistico, ma figura fondamentale del panorama culturale palermitano.

La pittrice affrontò con ferma posizione e coraggiosa coerenza gli influssi dei nuovi stili pittorici del suo tempo, dagli epiloghi del futurismo sino al più deciso astrattismo.
Nel suo percorso artistico e nella sua storia emergeranno i grandi contrasti dell’Italia tra gli anni ’30 e gli anni ’50, tra cui la questione del femminile, incontrata nelle sue personali difficoltà a raggiungere il successo, di pubblico e critica, in quanto donna, arrivando a giocare sull’equivoco creato dal doppio cognome “Pasqualino Noto” per lasciare credere che il suo lavoro fosse opera di un uomo, suo marito Guglielmo Pasqualino Noto.
Curatore
Geraldine Blais
Assistente Curatore
Giuseppina Vara
Informazioni
liapasqualinonoto@gmail.com
Grafica
Tommaso Lodi
Fotografo
Giacomo D’Aguanno

Arte a Torino da non perdere ! ORIENTI. 7000 anni di arte asiatica

ORIENTI. 7000 anni di arte asiatica dal Museo delle Civiltà di Roma

dal 20 Aprile 2018 al 26 Agosto 2018

Giovedì 24 maggio 2018, ore 18

Doppia conferenza in occasione della mostra ORIENTI

::::::::

Mostra ORIENTI

Protostoria, l’Età del Ferro, l’arte sudarabica, delle culture imperiali iraniche, l’arte buddhista del Gandhāra, la tradizione religiosa dell’Induismo e del Jainismo … miniature indiane e bronzi tibetani, statuine cinesi e dipinti giapponesi

La collaborazione avviata negli anni tra le due più importanti realtà museali italiane che hanno come oggetto d’interesse l’Asia, il MuCiv Museo delle Civiltà – Museo d’Arte Orientale ‘Giuseppe Tucci’ di Roma e il MAO Museo d’Arte Orientale di Torino, ha trovato un naturale punto d’incontro nell’accordo che prevede la presentazione a Torino di una importante selezione di opere d’arte conservate a Roma.

La mostra presenterà al pubblico circa 180 opere della ricchissima collezione romana, opere tra le più significative dell’ex Museo Nazionale d’Arte Orientale che, dopo questa esposizione temporanea, approderanno alla nuova sede dell’EUR. La grande esposizione, come uno scrigno che si apre ai visitatori, metterà in luce l’arte di epoche e regioni poco rappresentate nel museo torinese, eccellenze della produzione artistica asiatica lungo sette millenni di storia, a partire dalla fine del VI millennio a.C.

Il progetto di mostra si svilupperà attraverso due filoni narrativi che nell’allestimento correranno paralleli.

Il primo filone riguarda la storia del Museo Nazionale d’Arte Orientale di Roma e delle collezioni che nel corso della lunga storia del museo sono entrate a farne parte. In ogni sezione il pubblico ripercorrendo la storia delle collezioni entrerà a far parte del museo attraverso campagne di scavo italiane in Asia, accordi internazionali o donazioni di importanti collezioni private.

Il secondo filone riguarda le diverse aree culturali e tradizioni artistiche presentate in mostra, quali il Vicino e Medio Oriente antico, l’arte sudarabica, l’arte regale degli Achemenidi, dei Parti e dei Sasanidi, l’arte islamica ghaznavide e quella dell’area persiana, per finire con l’Asia meridionale e l’Asia orientale. Il visitatore potrà apprezzare esempi straordinari che illustrano la Protostoria, l’Età del Ferro, l’arte sudarabica, delle culture imperiali iraniche, l’arte buddhista del Gandhāra, la tradizione religiosa dell’Induismo e del Jainismo.

Miniature indiane e bronzi tibetani, statuine cinesi e dipinti giapponesi si susseguiranno nelle sale della mostra.

Tra le opere esposte una Testa funebre in alabastro del I secolo a.C. –  I secolo d.C. proveniente dallo Yemen.

Si tratta di una categoria di manufatti che fino alla metà del secolo scorso sebbene già musealizzati erano ancora avulsi dal loro contesto e la cui giusta collocazione è stata identificata a partire della missione del 1947 di Ahmed Fakhry.

Tuttavia solo gli scavi della Missione Archeologica Tedesca a Mārib, alla fine degli anni Novanta, hanno scoperto per la prima volta che queste teste erano posizionate su stele e non collocate all’interno di templi, come erroneamente ritenuto fino a quel momento.

E ancora in mostra si potrà godere della raffinatezza di un piccolo Calice con serbatoio conico scanalato con terminazione a testa taurina in argento sbalzato proveniente da Qasr-e Shirin, Iran occidentale, del periodo achemenide, IV secolo a.C.

Oggetti in metallo pregiato con terminazione zoomorfa erano impiegati nelle cerimonie e nei banchetti regali e la valenza rituale di questo tipo di manufatto è confermata dai testi, come dal cerimoniale di corte assiro.

Il serbatoio conico fortemente rastremato con testa d’animale definisce la rarità di attestazione e l’originalità del modello.

Sempre iraniani, ma del periodo sasanide, VI-VII sec. d.C., sono gli Elementi di cintura: puntale, fibbia con ardiglione e placca, placche e pendenti in oro, manufatto realizzato unendo diverse tecniche come fusione, granulazione, battitura e incisione.

L’arte dei Sasanidi ha svolto un ruolo fondamentale nella trasmissione al mondo tardoantico e medievale della più autentica eredità culturale e spirituale dell’Oriente antico, dell’Occidente ellenistico-romano e dell’Eurasia.

Nel tardo periodo, con l’intensificarsi dei contatti commerciali e politici, si accentuò un particolare processo di globalizzazione artistica a forte connotazione iranica, che spiega l’originalità e la peculiarità formale e decorativa di alcuni modelli.

Dall’India, dal Rajasthan del XVIII secolo, arriva l’acquerello opaco su carta raffigurante un Diagramma cosmologico di ambito jainista.

La dottrina jaina non prevede un dio creatore e ordinatore, considera l’universo non una forma illusoria ma una realtà regolata da proprie leggi, che esiste da sempre e sempre esisterà.

La complessa cosmologia che ne deriva, caratterizzata dall’utilizzo dell’astronomia e della matematica e basata sulla teoria del karman, porta alla realizzazione di immagini per la meditazione sul rapporto tra il microcosmo e il macrocosmo e a manoscritti geografico-cosmologici sul mondo degli uomini denominati Kṣetrasamāsa.

Dalla Cina settentrionale del II millennio a.C. (cultura Qijia o dinastia Shang) arriva un Elemento decorativo o amuleto in giada.

La giada, già importante per queste culture, nelle dinastie successive fu assunta tra i più alti simboli di nobiltà e di ricchezza dell’aristocrazia e la Scuola daoista ne esaltò le propietà taumaturgiche.

>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>>

Museo Nazionale d’Arte Orientale in Roma

Il Museo Nazionale d’Arte Orientale in Roma venne istituito nel 1957 con Decreto del Presidente della Repubblica e aperto al pubblico nel 1958. Nel 2010 il museo è stato intitolato a Giuseppe Tucci (1894-1984), uno fra i massimi orientalisti del Novecento, che ne promosse la fondazione. Giuseppe Tucci, noto anche al pubblico non specialista per le ricerche compiute nell’area tibetana in occasione di spedizioni delle quali ha lasciato memorabili resoconti di viaggio, è stato inoltre Presidente dell’Istituto Italiano per il Medio ed Estremo Oriente (IsMEO) dal 1947 al 1978. Il Museo Nazionale d’Arte Orientale era un Istituto con finalità particolari del Ministero per i Beni e le Attività Culturali. Le sue specificità si sostanziavano innanzitutto nella tutela delle collezioni statali d’arte orientale e al contempo nella promozione di sempre maggiori conoscenza e consapevolezza in Italia riguardo alle culture e civiltà d’Asia, attività di valorizzazione resa tanto più necessaria dall’incalzare dei più recenti sviluppi globali.

Insieme all’IsMEO-Istituto Italiano per il Medio e l’Estremo Oriente il Museo Nazionale d’Arte Orientale ha organizzato, per oltre cinquanta anni, missioni archeologiche ed etnografiche in diversi paesi asiatici: Afghanistan, Armenia, Cina, Giordania, Iran, Iraq, Kazakistan, Nepal, Oman, Pakistan, Tagikistan, Thailandia, Turkmenistan, Uzbekistan, Yemen. Oltre al rilievo posto sull’attività archeologica italiana in Oriente, il Museo è stato il naturale collettore di importanti donazioni e depositi d’opere d’arte asiatica presenti in Italia, nonché della fondamentale attività di sorveglianza, svolta in collaborazione con le Soprintendenze territoriali, per controllare il transito doganale dei beni culturali, evitando la dispersione delle collezioni private.

Dal settembre 2016, in un complesso piano di riforma e riassetto delle strutture del Ministero dei beni e delle attività culturali e del turismo, il Museo Nazionale d’Arte Orientale in Roma è confluito nel nuovo Museo delle Civiltà, chiudendo definitivamente nell’ottobre del 2017 per il trasferimento nella nuova sede dell’EUR di Roma. L’istituzione del nuovo museo ha permesso di raggruppare in un unico organismo quattro importanti musei nazionali: il Museo Nazionale d’arte orientale ‘Giuseppe Tucci’, il Museo Nazionale Preistorico e Etnografico “Luigi Pigorini”, il Museo Nazionale delle arti e tradizioni popolari (ora intitolato a Lamberto Loria) e il Museo dell’Alto Medioevo (ora intitolato ad Alessandra Vaccaro).

MAO Museo d’Arte Orientale

Un viaggio in Oriente. Oltre 2200 opere provenienti da diversi Paesi dell’Asia, dal IV millennio a.C. fino al XX d.C., raccontano cinque diversi percorsi per cinque diverse aree culturali: Asia meridionale, Cina, Giappone, Regione Himalayana, Paesi Islamici dell’Asia. Culture millenarie distanti e poco conosciute si avvicinano al pubblico. Il MAO, invita ad un viaggio affascinante di scambio, scoperta e conoscenza. In una realtà fatta di molte culture, il Museo contribuisce a costruire una comunità di cittadini che conoscono e amano le differenze. Al MAO tutti sono inevitabilmente stranieri, tutti hanno qualche cosa da imparare sugli altri e strumenti per riflettere su se stessi.

A partire dalla sua apertura il Museo organizza mostre, conferenze, concerti, dimostrazioni ed esibizioni, visite guidate e percorsi tematici, attività per le scuole e le famiglie, proponendo al pubblico un consistente calendario di appuntamenti che consentono di conoscere gli aspetti più vari delle culture rappresentate dalle collezioni. Numerose anche le occasioni di partecipazione a grandi eventi e di collaborazione con istituzioni Internazionali.

:::::::::::::::::::::

MAO Museo d’Arte Orientale
Via San Domenico 11, Torino
mao@fondazionetorinomusei.it

011.4436932

www.maotorino.it

Mostra
Intero €10; ridotto €8;
Gratuito Abbonati Musei Torino Piemonte, Torino + Piemonte Card, Torino + Piemonte Card Junior, i minori di anni 6, accompagnatori disabili e partecipanti ai laboratori didattici.

Mostra + collezioni
Intero €14; ridotto €12; Gratuito per le categorie sopra elencate.