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Mostre d’arte a Venezia – la Biennale di Peggy Guggenheim


1948: la Biennale di Peggy Guggenheim

A cura di Gražina Subelytė
25 maggio – 25 novembre 2018

Project Rooms, Collezione Peggy Guggenheim

La mia mostra ebbe una risonanza enorme e il mio padiglione divenne uno dei più popolari della Biennale. Tutto ciò mi emozionava terribilmente, ma quel che mi piacque di più fu veder comparire nei prati dei giardini pubblici il nome Guggenheim accanto a quelli della Gran Bretagna, della Francia, dell’Olanda, dell’Austria, della Svizzera, della Polonia […] Mi sembrava di essere un nuovo paese europeo”.
Peggy Guggenheim, Una vita per l’arte

Nel 2018 ricorre il 70° anniversario dell’esposizione della collezione di Peggy Guggenheim alla XXIV Biennale di Venezia, presso il padiglione greco.

Per commemorare questo momento dirompente nella storia dell’arte del XX secolo, la Collezione Peggy Guggenheim presenta 1948:

-la Biennale di Peggy Guggenheim, mostra-omaggio a cura di Gražina Subelytė, Assistant Curator del museo, allestita nelle Project Rooms dal 25 maggio al 25 novembre 2018.

La partecipazione della collezionista americana alla Biennale del 1948, la prima dopo la conclusione del secondo conflitto mondiale, fu un evento miliare non solo perché fu la prima esposizione pubblica di una collezione privata di arte moderna in Italia dopo due decenni di regime dittatoriale, ma anche perché fu la prima presentazione della collezione in Europa, dopo la chiusura della galleria newyorkese Art of This Century (1942-’47) e il trasferimento di Peggy a Venezia.

Dopo un periodo di interruzione cominciato nel 1942 a causa della guerra, è proprio nel ‘48 che la Biennale, fondata nel 1895, comincia a ricoprire un ruolo internazionale sulla scena dell’arte moderna e contemporanea: dal 6 giugno al 30 settembre viene presentata un’esposizione di capolavori dell’Impressionismo, proposta dallo storico Roberto Longhi, una retrospettiva delle opere di Picasso, dal 1907 al 1942, e una mostra nel padiglione principale dedicata ad artisti come Otto Dix, Karl Hofer e Max Pechstein che desidera restituire nuova dignità all’arte bollata come “degenerata” negli anni del Nazismo.

L’esposizione della collezione di Peggy Guggenheim, invitata a partecipare dall’allora segretario generale della Biennale Rodolfo Pallucchini su consiglio dell’artista Giuseppe Santomaso, è un avvenimento senza precedenti per la manifestazione.

Non si era mai vista fino ad allora nel Vecchio continente una raccolta così rappresentativa di “opere dell’arte non-oggettiva”, con il merito di offrire esempi di tutte le scuole artistiche, dal Cubismo, al Futurismo, e continuate poi con il Dadaismo, il Surrealismo e l’Espressionismo astratto. Di fatto, pur annoverando gli italiani Giacomo Balla, Gino Severini, Giorgio de Chirico e Massimo Campigli, la collezione comprendeva soprattutto i nomi più rappresentativi dell’arte astratta e surrealista, quali Jean Arp, Costantin Brancusi, Alexander Calder, Max Ernst, Alberto Giacometti, Kazimir Malevich, Antoine Pevsner, senza dimenticare i molti artisti americani, da William Baziotes a Jackson Pollock, da Mark Rothko a Clyfford Still, mai esposti al di fuori degli Stati Uniti e qui presenti per la prima volta.

Esponendo l’arte contemporanea dell’epoca, la collezione di Peggy Guggenheim si allineava perfettamente con le aspirazioni della Biennale di offrire una visione il più ampia possibile sullo scenario artistico post-bellico. Negli spazi del padiglione concesso dalla Grecia, allora devastata dalla guerra civile,

Peggy espose centotrentasei opere, una ventina delle quali saranno in seguito donate a vari musei nel mondo, tra cui il Museo d’arte di Tel Aviv, la Galleria Nazionale d’Arte Moderna di Roma, il Museum of Modern Art di San Francisco, il Museum of Art, Rhode Island School of Design, il Museum of Art dell’Università dell’Iowa e l’ Art Museum di Seattle.

1948: la Biennale di Peggy Guggenheim mira a ricreare l’ambiente del padiglione attraverso documenti, fotografie, lettere e una maquette che per la prima volta ne ricostruisce gli spazi e l’allestimento originario del ’48, seguito dall’eminente architetto veneziano Carlo Scarpa, che collabora con la Biennale dal 1948 al 1972.

Non mancheranno alcune delle opere allora in mostra, oggi parte della Collezione Peggy Guggenheim, insieme ad altre in seguito donate, quali Composizione n. 113 (1939) di Friedrich Vordemberge-Gildewart e Composizione (1936) di Jean Hélion, oggi nella collezione del Museo d’arte di Tel Aviv, e che dagli anni ’50 non sono mai più state esposte a Venezia.

La mostra offrirà dunque l’opportunità di riesaminare questo evento quale spartiacque nella carriera di Peggy e nella storia stessa della Biennale di Venezia.

La collezione offrì infatti agli Europei l’occasione di mettersi al passo con gli esiti migliori delle avanguardie più recenti, e conoscere gli artisti newyorkesi che avrebbero dominato la scena artistica degli anni ’50.

“La fiera delle meraviglie o Guggenheim – arca di Noè?”, “Spiacenti, abbiamo riso”, così scrivevano alcune riviste dell’epoca.

La mostra della collezionista creò dunque non poco scompiglio e spaesamento nel pubblico e nella critica. Basti ricordare che, nonostante esistesse già il catalogo della Biennale, Peggy Guggenheim presentò una propria pubblicazione della mostra, da vendere all’interno del padiglione.

Con un disegno di Max Ernst in copertina, il catalogo aveva la prefazione scritta dalla collezionista stessa, un testo del critico ed editore Bruno Alfieri e testimonianze di Herbert Read, Jean Arp e Max Ernst.

A rendere omaggio al Padiglione della “Signora Guggenheim” furono sia il Presidente Luigi Einaudi, sia l’Ambasciatore Americano in Italia, James Dunn. Altro visitatore illustre fu l’anziano storico dell’arte Bernard Berenson, sui cui testi Peggy Guggenheim studiò e si documentò durante il suo primo viaggio in Europa, agli inizi degli anni ’20.

Pur non amando l’arte moderna, Berenson apprezzò i quadri di Pollock che “per lui erano come arazzi”.

Una fotografia di Lee Miller catturò una Peggy felicissima durante la visita del critico Lionello Venturi, e fu la Miller stessa a descrivere su British Vogue il padiglione di Peggy come “il più sensazionale” di tutti.

Sempre in concomitanza con il 70° anniversario dell’esposizione della collezione di Peggy Guggenheim alla Biennale di Venezia, nelle sale di Palazzo Venier dei Leoni saranno straordinariamente esposte, per la prima volta negli ultimi vent’anni, tutte e undici le opere di Jackson Pollock, oggi appartenenti alla collezione. Cinque di queste erano in mostra nel Padiglione del ’48 insieme agli altri capolavori delle avanguardie storiche,

Un ringraziamento speciale va a Peter Lawson-Johnston, Presidente Emerito della Collezione Peggy Guggenheim, per il supporto alla mostra. Il programma espositivo della Collezione Peggy Guggenheim è sostenuto dagli Institutional Patrons – EFG e Lavazza, da Guggenheim Intrapresæ e dal Comitato Consultivo del museo. I progetti educativi sono realizzati con il sostegno della Fondazione Araldi Guinetti, Vaduz.

 

Mostre a Roma – Galleria d’Arte Moderna – Amin Gulgee

Amin Gulgee, uno dei più importanti artisti pakistani
alla Galleria d’Arte Moderna

Amin Gulgee (1969) artista e performer di fama internazionale. Laureato in “Storia dell’Arte ed Economia” presso la Yale University (U.S.A.),

Per la prima volta a Roma l’installazione “7” di Amin Gulgee, artista
che ha fatto della laicità e della poesia una forma d’arte

Galleria d’Arte Moderna
31 maggio – 23 settembre 2018

“7”, dell’artista pakistano Amin Gulgee, che ha fatto della laicità e della poesia una forma d’arte. 

Alla pace  i popoli e all’amore umano …

 – Nuovo concept espositivo del progetto “From La Biennale di Venezia & OPEN to Rome. International Perspectives”

Il progetto generale, attivato dal 2016, è dedicato alla presentazione negli spazi espositivi capitolini di alcune installazioni internazionali provenienti dall’Esposizione Internazionale d’Arte – La Biennale di Venezia e da OPEN Esposizione Internazionale di Sculture ed Installazioni, collegato alla Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia, ricomposte e rimodellate site-specific appositamente per la capitale. 

Lo scopo è quello di fare convergere insieme le “prospettive” d’arte di due città che lavorano per far viaggiare le esperienze dell’arte internazionale sul territorio nazionale. Dalla città lagunare, appunto, alla capitale.

In occasione di questo nuovo appuntamento, realizzato in collaborazione con PDG Arte Communications e l’Ambasciata della Repubblica del Pakistan in Italia, è presentata l’installazione, dal titolo “7”, dell’artista pakistano Amin Gulgee, che ha fatto della laicità e della poesia una forma d’arte.

L’artista parte da una frase in arabo, trascritta nella scrittura nakshi, intraducibile ma dal significato universale, dato che il riferimento è alla pace  i popoli e all’amore umano. Gulgee divide la frase in sette parti, quelle del titolo, mediante delle leggerissime installazioni in bronzo, posate nel chiostro/giardino della GAM di via Crispi.

La frase risulterà quindi scomposta e ripetuta più volte nell’installazione, come in una meditazione spirituale, senza essere però leggibile e diventando quindi segno universale.

Al di sotto della frase/segno sarà creato un tappeto di lettere di ghiaia e rame, non calpestabile, che ripete, sempre scomposta, la stessa frase, creando quindi una struttura metafisica di confronto fra verticali delle opere e orizzontale del tappeto, come metafora dell’alto e del basso, del cielo e della terra. Il giorno dell’inaugurazione in questo “spazio artistico” prenderà forma la performance ideata dallo stesso artista e il reading di poeti invitati dall’artista stesso a leggere loro poesie e scritti ispirati dal tema dell’opera.

poeti – Lucianna Argentino, Italo Benedetti, Stella Cacciamani, Antonella Maria Carfora, Patrizia Chianese, Laura Colombo, Rossana Coratella, Francesco Del Ferro, Stefania Di Lino, Camelia Mirescu, Daniela Monosi, Angelo Palombini e Maria Grazia Savino –  e il pubblico presente saranno invitati a scrivere, sempre partendo dalla frase in nakshi, dichiarazioni di pace e d’amore come segno potenziale di libertà degli spiriti uniti da uno stesso pensiero che diventa azione. Arte per tutti, quindi, e non solo privilegio di spiriti eletti.

Le frasi ideate saranno inserite in appositi contenitori e portate a Karachi, dove verranno lette dall’artista durante una grande performance pubblica: un collegamento ideale fra Europa e Asia, Roma e Karachi, città unite dal lavoro concettuale di Amin e dalle parole dei partecipanti dedicate all’amore e alla pace.

Amin Gulgee (1969) artista e performer di fama internazionale. Laureato in “Storia dell’Arte ed Economia” presso la Yale University (U.S.A.), inizia la sua carriera artistica realizzando ed esponendo le sue opere, oltre che in Pakistan, negli Stati Uniti, in Europa e nel Medio Oriente.

Per quanto riguarda l’Italia non ha mai esposto a Roma, ha partecipato, nel 1998 e nel 2017, a “OPEN – XX Esposizione Internazionale di Sculture e Installazioni”, collegato alla “Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia” e rappresenterà il Pakistan alla prossima “Esposizione Internazionale d’Arte – La Biennale di Venezia”.

Leggendarie le sue performances realizzate in molte città mondiali (Karachi, Lahore, Dubai, Nagoya, New York, Philadelphia, Dresda, Londra, ecc.). In questeperformance, basate principalmente sulla parola, il segno e la fonetica, vengono spesso coinvolti altri artisti oltre che il pubblico, fra Oriente e Occidente. Il principale critico d’arte del “Washington Times”, Joanna Shaw-Eagle ha scritto nella sua recensione alla mostra personale al FMI nel 1999: “Amin Gulgee è un artista da guardare sia per l’originalità delle sue idee sia per la qualità sensuale e affascinante del suo lavoro.” Nel 1987 Amin Gulgee ha vinto il “Conger B. Goodyear Fine Arts Award”. Nel 2005 ha ricevuto il prestigioso “President’s Pride of Performance”, che viene conferito solo ad esponenti che hanno raggiunto una statura iconica nel loro campo di eccellenza, dal Presidente del Pakistan. È stato incaricato dal governo pakistano di creare numerose sculture pubbliche, tra cui: Messaggio, per la Presidenza di Islamabad; Minar per l’aeroporto internazionale Quaid-e-Azam di Karachi; Forgotten Text, di 40 mt di altezza, per una rotonda importante a Karachi. Ha partecipato a numerose collettive internazionali, fra le quali: “Pakistan: Another Vision,” Brunei Gallery, Londra, UK (2000); Beijing Biennial (2003); “Beyond Borders,” National Gallery of Modern Art, Mumbai, India (2005); “Paradise Lost,” WAH Center, Brooklyn, NY, USA (2008); “Rites of Passage,” Ostrale, Dresden, Germany (2010) e “New Pathways: Contemporary Art from Pakistan,” UN Headquarters, New York, NY, USA (2016). Ha inoltre realizzato oltre trenta mostre personali in Pakistan, Malesia, Singapore, UAE, India, UK, Portogallo e US. Nel 2017, sulla scia dei grandi artisti/curatori internazionali ha ideato, progettato e curato la “I Biennale Karachi 17”.

Ufficio Stampa Zètema Progetto Cultura
Gabriella Gnetti +39 06 82077305; +39 348 2696259; g.gnetti@zetema.it

INFO

Mostra:  “AMIN GULGEE / 7”

Dove: 
Galleria d’Arte Moderna di Roma;  Via Francesco Crispi, 24

Quando: 
31 maggio – 23 settembre 2018

Anteprima stampa: 
30 maggio 2018, ore 11.30

Inaugurazione: 
30 maggio 2018, ore 18.30-21.00

Orari: 
Da martedì a domenica ore 10.00 – 18.30
L’ingresso è consentito fino a mezz’ora prima dell’orario di chiusura.

Biglietti: 
Biglietto di ingresso alla Galleria d’Arte Moderna: € 7,50 intero e € 6,50 ridotto, per i non residenti; € 6,50 intero e di € 5,50 ridotto, per i residenti; gratuito per le categorie previste dalla tariffazione vigente.

060608 (tutti i giorni ore 9:00 – 19:00)
www.museiincomune.it; www.galleriaartemodernaroma.it

Promossa da: Assessorato alla Crescita culturale di Roma –Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali

In collaborazione con:
 PDG Arte Communications e Ambasciata della Repubblica
del Pakistan in Italia

Ideazione e cura di: Paolo De Grandis e Claudio Crescentini, co-curato da Carlotta Scarpa

Servizi museali: 
Zètema Progetto Cultura
 
SPONSOR SISTEMA MUSEI CIVICI

Con il contributo tecnico di   Ferrovie dello Stato Italiane

promosso da Roma Capitale, Assessorato alla Crescita culturale – Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali, ideato e curato da Paolo De Grandis e Claudio Crescentini, co-curato da Carlotta Scarpa. Servizi museali di Zètema Progetto Cultura.

 

Il mondo in Italia a Ciuduno (BG) – Lo spirito del pianeta

“Lo spirito del pianeta”,  18° edizione

Da Venerdì 25 Maggio 2018 16:00
a Domenica 10 Giugno 2018 23:00

Da venerdì 25 maggio a Chiuduno (Bg)

Tanti ospiti provenienti da tutto il mondo.

Popoli maori, masai, tufi, inuit, zulu, maka, indios, indiani …

Mercatini etnici e numerosi punti di ristoro per provare la cucina di diversi Paesi. 

-27 maggio la Marcia delle donne per pace,

-30 l’accensione del Fuoco sacro dei Gruppi indigeni,

-4 giugno la notte dei tamburi

-10 giugno,

– chiudono la manifestazione, canti e danze tradizionali di tutti i gruppi ospiti.

https://www.lospiritodelpianeta.it/festival/2018/

EVENTO MILANO – full immersion Corea 28 maggio – 1° giugno 2018

A Milano full immersion sulla Corea

dal 28 maggio al 1° giugno

ENTRATA GRATUITA

Cultura – beauty – cucina – musica – danza – dibattito politico  ….

Dalla politica internazionale – agli chef –  dai musici ai ballerini – dagli atleti del Taekwondo al make up

Gratis cibo, corsi e spettacoli per cinque giorni
aperti a tutti coloro che vogliono conoscere
il Paese del Calmo Mattino

In apertura K-Union, un convegno sulle 2 Coree

Da Palazzo Clerici al Teatro Burri nel Parco Sempione, al Consolato Generale della Repubblica di Corea, allo Spazio Oberdan e al Teatro No’hma, tutti i luoghi per conoscere la Corea

 – Dagli studiosi di politica internazionale agli chef, dai musici ai ballerini, dagli atleti del Taekwondo alla make up artist, sono queste le personalità che per 5 giorni accompagneranno milanesi e non solo alla scoperta di uno dei più affascinanti Paesi dell’Estremo Oriente: la Repubblica di Corea.

Dal 28 maggio al 1° giugno si svolge, infatti, la Korea Week, organizzata dall’Ambasciata Coreana, dal Consolato Generale della Repubblica di Corea a Milano, in collaborazione con il Comune di Milano; una settimana di approfondimenti, workshop, degustazioni, musica e cinema.
La kermesse è diretta dall’Istituto Culturale Coreano che ha organizzato un fitto calendario di eventi, tutti gratuiti: la settimana si apre con un convegno politico sulle relazioni tra le due Coree, dove sarà presente l’Ambasciatore della Repubblica di Corea, e continuerà con una vera e propria festa al Teatro Burri al Parco Sempione, dove scenderanno in campo numerose maestranze dell’artigianato, artisti e atleti coreani. Al Teatro No’hma sarà, invece, organizzata una nuovissima forma di performance coreana, mentre al Consolato Generale della Repubblica di Corea, sarà celebrata con una mostra la calligrafia coreana. Chiude la settimana il cinema coreano allo Spazio Oberdan, accompagnato dal Mini Food Truck di street food coreano.

Ecco tutti i dettagli degli eventi.

Lunedì 28 maggio, ore 17.30

PALAZZO CLERICI
Via Clerici, 5

K – UNION
Forum politico sulle due Coree

Jong Hyun Choi, ambasciatore della Repubblica di Corea in Italia, terrà insieme all’Istituto per gli Studi di Politica Internazionale ISPI di Milano, un forum internazionale sulle relazioni tra le due Coree e sulla situazione attuale di quest’ultime.
Si discuterà delle circostanze coreane, come il vertice del 27 aprile tra le due Coree, il vertice del 22 maggio tra gli Stati Uniti e la Corea del Sud e il vertice del 12 giugno tra la Corea del Nord e gli Stati Uniti, e sulle prospettive future.
Parteciperanno, inoltre, esperti sul campo come Myung Hyun Ko, ricercatore sulla Corea del Nord, e altri numerosi ricercatori italiani sulle relazioni tra le due Coree.

Martedì 29 e mercoledì 30 maggio, dalle 15.00 alle 19.00

TEATRO BURRI
Parco Sempione

Padiglioni aperti al pubblico con attività gratuite per conoscere in prima persona la cultura coreana
K-BEAUTY per conoscere il make up Coreano
La make up artist anglo-coreana Maria Gomez insegnerà a tutte le ragazze (e non) i trucchi per realizzare un make up coreano di tendenza, di straordinaria lucentezza dove punto focale sono le labbra con famoso effetto pillow lips. La make up artist fornirà inoltre spiegazioni sullo skin care delle donne coreane
K-PAPER, giornate dedicate alla carta coreana Hanji con laboratori per creare ventagli tradizionali
K-FOOD, il cibo e la cultura culinaria della Corea attraverso mostre e degustazioni

L’arte gastronomica coreana si concentra sulle salse fermentate che partono dai fagioli di soia, come ad esempio ganjang (salsa di soia), dwenjang (pasta di fagioli di soia fermentati),gochujang (pasta di peperoncino) e via dicendo. Insieme al Kimchi, un piatto già molto conosciuto, esse rappresentano la cultura culinaria coreana.
Presente sarà l’esposizione e la presentazione dei cibi fermentati e dei vari alimenti provenienti dalla Corea.
Dalle 15.00 alle 17.00: assaggi dei prodotti agricoli come Yakgwa (il dolce coreano tradizionale) e lo snack di riso che si mangia spesso in Corea.

Martedì 29 maggio dalle 17.00 alle 19.00 e mercoledì 30 maggio dalle 18.00 alle 20.00: degustazione cibi tra i quali Kimchi, bulgogi, japchae , ssamjang al bap, insalate coreane e bevande.

Il kimchi è l’alimento fermentato più conosciuto della Corea e si contraddistingue per il suo sapore particolare. In un solo Kimchi possono esserci più di 10 erbe e verdure differenti che si armonizzano in modo impareggiabile. I fermenti lattici del Kimchi, dal sapore fresco e delizioso, rafforzano il sistema immunitario del nostro organismo.

Bulgogi (manzo marinato alla griglia)

Il bulgogi è un caratteristico piatto di carne coreano fatto con strisce sottili di manzo marinato in salsa di soia e poi grigliato. Nonostante il termine Bulgogi letteralmente significhi “Carne cotta al fuoco”, questa pietanza viene spesso anche saltata in padella.

Japchae

Questo piatto si ottiene con spaghetti di patate dolci e verdure, funghi e carne in salsa di soia.
La caratteristica principale è che tutti gli ingredienti vengono cotti a parte prima di essere messi insieme.
Grazie al suo aspetto molto vivace e colorato viene presentato spesso durante i pranzi o le cene familiari in occasione di festività. Il termine ‘Jap’ significa mischiare, mettere insieme; mentre ‘chae’ significa verdure.

Ssamjang al bap
Il Ssamjang al bap è un piatto che prende il nome dalla sua forma. Al significa “la forma palline”, mentre Bap e’ il riso.Esso e’ infatti una pallina di riso, verdura e ssamjang (una pasta con peperoncino e fagioli di soia fermentati).

Insalata di Yuja
La Yuja è un tipo di agrume ricco di qualità nutrizionali, si utilizza in cucina con la sua polpa. In Corea spesso d’inverno si beve il the di Yuja. La polpa di questo frutto è usata anche come condimento per l’insalata.

K- FASHION possibilità di provare magnifici abiti della tradizione coreana, chiamati “Hanbok”

K-CALLIGRAPHY stand di scrittura in calligrafia coreana del proprio nome su carta Hanji

Martedì 29 maggio, dalle ore 18.30
TEATRO BURRI
Parco Sempione

K-TAEKWONDO

La tradizionale arte marziale coreana.

La prima parte della performance (dalle 18.30 alle 19.00), organizzata in collaborazione con la Federazione Italiana Taekwondo (FITA), coinvolge le principali Associazioni Sportive della Regione Lombardia, che si esibiranno sul palco del Teatro Burri, subito prima della performance del WT Demo Team.

A partire dalle ore 19, invece, gli atleti del World Taekwondo si esibiranno in uno spettacolo intitolato ‘La Mattina dell’Oriente’. In questa esibizione la squadra del World Taekwondo darà dimostrazione della bellezza di questa disciplina con la partecipazione di atleti delle Associazioni Sportive della Regione Lombardia, mostrando un’altra volta che la forza dello sport può unire paesi diversi, come già successo ai Giochi Invernali di Pyeongchang con le due Coree.

Mercoledì 30 maggio, dalle ore 20.00
TEATRO BURRI
Parco Sempione

K-DANCE&FASHION
Danze tradizionali e moda si uniranno a partire dalle 20 per 30 minuti circa con i musicisti della compagnia ‘Doodulsori’ con la percussione di strumenti tradizionali coreani. Alle 20.30 andranno in scena le ballerine della compagnia ‘Do dance’, che mostreranno la dinamicità della danza tradizionale coreana.
Tutti gli spettacoli sono gratuiti.
Doodulsori

Gylnori

Gylnori, chiamato anche Gylgut o Geoligut, ha il ruolo di scaldare l’atmosfera prima dell’esecuzione vera e propria attraverso gli esecutori che, muovendosi, iniziano a suonare gli strumenti a percussione.

Pangut

Il Pangut è una tipologia di esecuzione con danza che fa parte dei Pungmulnori (genere di musica basata sugli strumenti a percussioni) ed è caratterizzato da movimenti spettacolari e acrobazie. È un’esecuzione in cui il pubblico e gli esecutori possono condividere l’euforia dello spettacolo.

Samulnori

È un’esecuzione in cui vengono suonati gli strumenti principali del Pungmulnori (come il Kkwaenggwari, il Jing, il Janggu e il Buk), ma, a differenza del Pungmulnori, non ci sono danze e ci si concentra solo sul ritmo degli strumenti.

Do Dance

Hwagwanmu

È una danza eseguita con una corona di fiori in cui si lascia ondeggiare in aria l’Hansam (pezzo di stoffa di vari colori usato durante la danza) e vengono usati come musica d’accompagnamento il Seyongsan e il Dodeuri che fanno parte del Yongsanhwesang.

Hanbyeokcheongyeon
Hanbyeokru è un luogo in cui, fin dall’antichità, si svolgevano ricerche sulla lingua coreana e, nello stesso tempo, venivano composte raffinate poesie. È quindi un’esecuzione in cui viene espressa la fermezza d’animo degli antichi studiosi.

Buchaechum

È una danza eseguita tenendo per ogni mano un ventaglio, su cui sono disegnati dei fiori, e indossando l’abito tradizionale Dangui.

Nelle coreografie si viene a formare la forma di un grande fiore e questo tipo di esecuzione venne elogiato molto durante le Olimpiadi in Messico del 1968 e, ancora oggi, è considerato come una delle opere più famose.
Shinnori

È un’esecuzione fatta con il Kyonggo (una piccola percussione tradizionale coreana) e attraverso il Madangnori (Buponori) si prega per avere un buon anno, fortuna e ricchezza. Vengono inoltre rappresentati i colori caratteristici della Corea.
Sfilata di Hanbok

È una rappresentazione degli abiti tradizionali coreani tra cui i Dangui (usati nell’era Chosun dalle donne), i Soryebok (abiti usati durante piccole cerimonie) e i più moderni Hanbok. Infine ci sarà una presentazione di come potrebbero evolversi nel futuro questi Hanbok.

Mercoledì 30 e giovedì 31 maggio, ore 21.00
TEATRO NO’HMA
Via Orcagna, 2

K-MODERN PERFORMANCE
Ingresso gratuito, con prenotazione al sito www.nohma.org, telefonando allo 02 4548 5085/ 02 2668 8369 o tramite e-mail a: nohma@nohma.it
Spettacolo The “Drawing Show”, il primo tentativo di portare l’arte sul palcoscenico, lanciando un nuovo mondo di performance artistiche. Il pubblico sarà “inghiottito” in straordinarie sessioni di disegno dal vivo.

Dal 1° – 11 giugno, dal lunedì al venerdì, dalle 9 alle 12 e dalle 14 alle 18
Inaugurazione 31 maggio, ore 18.00
CONSOLATO GENERALE DELLA REPUBBLICA DI COREA
4° piano, Piazza Cavour, 3

K-CALLIGRAPHY
Mostra di calligrafia coreana dal titolo “Arte calligrafica, Danza del pennello ed Eco dell’inchiostro che risuona”
Il visitatore avrà l’opportunità di conoscere l’antica arte della calligrafia sviluppatasi in Asia Orientale. Il 2018 segna inoltre il 600° anno dall’invenzione dell’alfabeto coreano “Hangeul”, ad opera del Re Sejong. Per commemorare tale evento, verranno presentate alla mostra delle opere di arte calligrafica in Hangeul del maestro Kim Byeong-gi e di altri artisti di calligrafia italiani.
Venerdì 1° giugno, ore 19.00
SPAZIO OBERDAN
Piazza Oberdan

K-MOVIE, proiezione del film coreano “A Taxi Driver” (2017), sottotitolato in italiano.
L’ingresso è gratuito fino a esaurimento posti.
Proiezione del film coreano con sottotitoli in italiano “A Taxi Driver”, un action drama diretto dal regista Jang Hun, con la partecipazione di Song Kang-Ho nel ruolo principale. Il film è incentrato sulla storia di un autista di taxi di Seoul che casualmente viene coinvolto negli eventi del Movimento di Democratizzazione di Gwangju del 1980.

Venerdì 1° giugno, dalle 15.30 alle 19.30
Mini Food Truck
Zona Piazza Oberdan / c.so Buenos Aires

STREET FOOD COREANO

Organizzato da Korea Agro-Trade Center Milano, in un simpatico food truck si potranno degustare gratuitamente alcuni cibi coreani come pollo fritto con salsa Ganjang e Ginseng (Ganjang è la salsa di soia coreana),

Teokpokki con funghi coreani (gnocchi di riso con salsa piccante e funghi coreani), Frittella Kimchi.

L’attività si svolgerà dalle 15.30 alle 19.30 in c.so Buenos Aires (verso P.ta Venezia) e si sposterà davanti allo Spazio Oberdan per accompagnare gli spettatori del K-MOVIE.

 

Como – Cernobbio – VERNISSAGE VILLA BERNASCONI – MOSTRA Matteo Galvano

VILLA BERNASCINI – Cernobbio (Co)

UNA SLPENDIDA CORNICE LIBRTY DEL LAGO DI COMO

Cernobbio Villa Bernasconi

Foto: Grazia Seregni

architAMORfosi
MOSTRA PERSONALE dell’artista Matteo Galvano
VILLA BERNASCONI Largo Campanini, 2 CERNOBBIO (CO)

VERNISSAGE: 8 GIUGNO dalle ore 20:30 Ingresso Libero
9-10 GIUGNO mostra aperta
10:00 – 12:00
14:00 – 18:00

VILLA BERNASCONI eccoci tornati qui da Te

concepita come abitazione privata dell’ingegner Davide Bernasconi, per poi vederti, dopo qualche anno dalla sua morte, nelle mani di molti tra cui un Comando della Guardia di Finanza e diventare, negli anni a seguire, fruibile al Pubblico grazie all’acquisto da parte del Comune di Cernobbio che tutt’oggi tiene cura di ogni aspetto che ti riguardi.

Da poco hai aperto le tue porte al Pubblico in una Nuova Veste: ora sei MUSEO !

Coloro i quali hanno avuto l’opportunità di “VIVERTI” ed “ABITARTI” fino ad oggi, per la prima volta sentono la tua Voce nel percorso di visita.

Specialmente i protagonisti degli eventi organizzati nelle tue Sale certamente si saranno domandati: “Chi sa cosa lei avrà pensato di Noi ?!”

Questo il pensiero che si è scatenato nell’artista Matteo Galvano, il quale ha scelto di Donare il tuo “ritratto” al Museo, in segno di Ringraziamento per la Calorosa Accoglienza in occasione di un Progetto che l’ha visto Partecipe nel 2014, “La Chiave Contemporanea del Liberty”, che ha portato curatrici ed artisti ad approfondire il tema del periodo storico in questione, con passione ed attenzione ad ogni dettaglio.

Alle prime notizie riguardanti il Nuovo Utilizzo della Villa,
l’artista Galvano insieme alla Curatrice (Dott.ssa Roberta Macchia) dell’evento sopra citatomhanno ipotizzato la donazione dell’opera [vedi immagine e didascalia in allegato] che, con approvazione della Responsabile Ufficio Cultura Claudia Taibez,ha trovato posto nel percorso di visita e da oggi segna il
Respiro di una Contemporaneità nel Pieno Rispetto delle Stratificazioni del Passato.

Unitamente alla donazione nasce la proposta di realizzare una MOSTRA PERSONALE, volta a sintetizzare
in un unico ambiente ( la Torretta ) ed in un unico termine ( architAMORfosi )  sia il passato di questa affascinante Location sia il futuro dell’artista, il quale proporrà al pubblico per la prima volta la serie da cui è tratto il titolo dell’esposizione.

architAMORfosi nasce dall’esigenza dell’artista di non fermarsi a ciò che ognuno di noi è capace di vedere attraverso l’occhio umano, viaggiando, navigando in rete o semplicemente sfogliando le pagine di un Libro. Matteo Galvano ama l’architettura e la interpreta a suo piacimento come a voler riappropriarsi della città ideale. Ecco che, attraverso le sue più recenti opere, due città geograficamente distanti tra loro si fondono immaginando di vivere condividendo lo stesso spazio, utile a ottenere silenziosi momenti nel turbinio dei suoni urbani tradotti nel continuo ripetersi di tratti della sua biro. [si veda in allegato una tra le opere, appartenenti alla serie, realizzate che ha girato l’Europa per due anni con l’evento JEUNE CREATION EUROPEENNE]

Perché proprio questo Titolo ?
architAMORfosi richiama il termine Metamorfosi e quest’ultimo può essere l’estrema sintesi di quanto Villa Bernasconi fino ad oggi ha vissuto: più immediato il richiamo con le decorazioni esterne del baco da seta ricomposto ora come bruco ora come farfalla, più riflessivo il richiamo ai cambiamenti morfologici, fisiologici indicati nelle prime righe di questo testo, implicanti ogni volta un diverso rapporto con l’ambiente circostante.

TU, Gioiello del Liberty, ci hai accolto DUE VOLTE
In veste di Location nel 2014
In veste di Museo OGGI
e di questo te ne saremo Sempre Grati.

Foto dell’Opera
DONATA AL MUSEO

VILLA BERNASCONI – CERNOBBIO
Bozzetto di Studio
Biro nera su carta e Tecnica Mista
21x30cm – 2014

https://matteogalvano.wixsite.com/artist

Foto dell’Opera

Appartenente alla serie
architAMORfosi

ESPOSTA INDIVERSE CITTA’ EUROPEE
CON LA PARTECIPAZIONE ALLA MOSTRA JEUNE CREATION EUROPEENNE

TORRE PENDENTE (PISA) – TURNING TORSO (MALMO)
Biro nera su carta cotone
50×100 cm – 2015

https://matteogalvano.wixsite.com/artist

Arte – Reggia di Caserta – Marco Lodola – Giovanna Fra Tempus – Time

REGGIA DI CASERTA
Caserta, via Douhet 2/A
Marco Lodola – Giovanna Fra
Tempus – Time
a cura di Luca Beatrice
14 giugno – 15 settembre 2018
conferenza stampa mercoledì 13 giugno, ore 18
inaugurazione su invito

https://webmail32a.pc.tim.it/cp/ps/Mail/Downloader?dhid=attachmentDownloader&pct=d26d90d22d67109&uid=91100&disposition=inline&c=yes&d=alice.it&u=cucina2009&contentSeed=37d355040d45585&fp=INBOX&l=it&an=DefaultMailAccount&ai=3

Marco Lodola, Pegaso Viola , 2018

Unione tra passato e contemporaneo è la mostra “Marco Lodola – Giovanna Fra. Tempus – Time” a cura di Luca Beatrice, esposta presso la Reggia di Caserta dal 14 giugno al 15 settembre.
L’esposizione, organizzata da Mary Farina, anche ideatrice del progetto, e da Augusto Ozzella, con la collaborazione della galleria Deodato Arte, gode del patrocinio del Comune di Caserta, del Madre – fondazione donnaregina per le arti contemporanee e di Confindustria Caserta.
Il titolo della mostra è un voluto riferimento al trait d’union che Marco Lodola e Giovanna Fra, grazie alle loro opere, creano fra il Tempus, la dimensione temporale legata all’antichità, al classico, alla storica sede espositiva e il Time , sintesi del mondo contemporaneo.
La Reggia di Caserta, la residenza reale più grande del mondo, accoglie il percorso espositivo composto da una selezione di opere dei due artisti, che dall’ingresso si snoda negli spazi interni, nel parco reale, fino ad arrivare agli appartamenti del piano nobile. L’immenso parco della sontuosa villa, nel raggio di un chilometro, è punteggiato da oltre venti monumentali sculture luminose di Marco Lodola che rappresentano alcuni dei suoi soggetti tipici, uomini e donne, ballerini, danzatrici, animali, figure reali e immaginarie, che metaforicamente partecipano a una festa di corte. Questi lavori, oltre al forte impatto creato grazie alla loro imponenza e alla vivacità dei colori, si caratterizzano per la loro peculiarità: l’emanare luce, che genera dinamismo, potenza, vitalità; qualità che non riguardano solamente le opere in sé, ma che vengono trasmesse anche all’ambiente circostante.
Le installazioni di Lodola appaiono in grande sintonia con le tele di Giovanna Fra che accolgono il visitatore negli appartamenti reali e, caratterizzate da un forte cromatismo, incarnano perfettamente quell’arte contemporanea in cui la contaminazione di tecniche e la sperimentazione sono elementi imprescindibili. L’artista si misura con lo spazio interno e l’architettura vanvitelliana, reinterpretando nelle sue opere i motivi decorativi settecenteschi, arazzi, carte da parati, arredi Barocchi e Neoclassici, attraverso il linguaggio segnico, costituito da tracce di colore dalle forme imprevedibili e uniche, da textures astratte che si intrecciano con le trame del supporto digitale. I suoi lavori di matrice informale abbandonano infatti i mezzi tradizionali e, partendo da frame fotografici stampati su tela, Giovanna Fra arriva al risultato finale, percorrendo un cammino a ritroso, che la conduce a terminare l’opera con delle pennellate tradizionali, un’ulteriore dimostrazione del legame fra tempus e time e nel caso specifico del “passaggio da time a tempus”.
Seppure provenienti da formazioni diverse i lavori di Marco Lodola e Giovanna Fra creano un profondo dialogo e si completano vicendevolmente, ma soprattutto instaurano un forte legame con il luogo che li ospita, come afferma Luca Beatrice nel testo dedicato alla mostra: ” Dialogare con stucchi, decorazioni, pitture di genere e, soprattutto, con un’architettura di inestimabile pregio può costituire infatti una sfida ardua eppure affascinante per gli artisti contemporanei, a partire dall’utilizzo di materiali anomali che solo da poco sono entrati nel novero appunto dell’artisticità. Senza contare volumi, cubature e l’immensità di un parco che farebbe spaventare chiunque. […] Realizzare un cortocircuito visivo tra il tempus e il time, ovvero il passato e il presente, è rischio che l’arte di oggi sente di correre con sempre maggior frequenza. Ora, in particolare, tra pittura, elaborazione digitale, plastica e luce “.
La mostra è accompagnata da un catalogo edito da Skira , con un vasto repertorio di immagini, il testo del curatore Luca Beatrice e numerosi interventi fra cui quelli di Renzo Arbore, Aldo Busi, Lorenzo “Jovanotti” Cherubini, Piero Chiambretti, Roberto D’Agostino, Salvatore Esposito, Ciro Ferrara, Antonio Stash Fiordispino, Enzo Iacchetti, Max Pezzali, Andrea Pezzi, Red Ronnie e di critici illustri quali Achille Bonito Oliva, Philippe Daverio, Gillo Dorfles, Martina Corgnati, Vittorio Sgarbi.
Cenni biografici .
Marco Lodola nasce a Dorno (Pavia), frequenta l’Accademia di Belle Arti di Firenze e di Milano. Successivamente, all’inizio degli anni ’80, si affianca al nuovo futurismo. Si avvicina presto all’uso di materiali plastici che sagoma e colora con una tecnica personale, l’evoluzione della sua ricerca lo porta ad inserire fisicamente la luce nei suoi lavori: nascono le sculture luminose, che caratterizzeranno tutta la produzione artistica. Le sue opere sono presenti in vari musei, ha inoltre realizzato scenografie per film, trasmissioni, concerti ed eventi. In particolare è stato attivo nella moda e nel teatro. Fra le numerose mostre, si ricorda la sua presenza al Padiglione Italia della 53ª Biennale di Venezia con un’installazione luminosa e alla 54ª Biennale di Venezia con il progetto a cura di Vittorio Sgarbi “Cà Lodola”.
Giovanna Fra nasce a Pavia, si diploma in pittura all’Accademia di Belle Arti di Brera, con una tesi su John Cage ed il rapporto tra arte e musica.
La sua visione creativa ha privilegiato la fisicità dinamica del colore in relazione alle diverse consistenze della materia, fissando nell’immediatezza del gesto attimi di vibrante musicalità. Recentemente è stata invitata ad esporre al Friendschip project nel Padiglione della Repubblica di San Marino per la 57° edizione della Biennale di Venezia.
Main sponsor: GRAND HOTEL BILLIA – PARC HOTEL BILLIA – SAINT-VINCENT RESORT & CASINO – CASINO DE LA VALLÉE SAINT-VINCENT
Sponsor: DHL – OFFICE DEPOT – HARMONT&BLAINE
In collaborazione con DEODATO ARTE
Coordinate mostra
Titolo Marco Lodola – Giovanna Fra. Tempus – Time
A cura di Luca Beatrice
Sede Reggia di Caserta, via Douhet 2/A – 81100 Caserta
Date 14 giugno – 15 settembre 2018
Conferenza stampa mercoledì 13 giugno, ore 18
Inaugurazione su invito
Catalogo Skira
Orari Appartamenti storici : tutti i giorni dalle 8.30 alle 19.30 (ultimo ingresso ore 19 – uscita dal museo 19.25) – Parco : dalle 8.30 alle 19 (ultimo ingresso ore 18) – Giardino Inglese : dalle 8.30 alle 18 (ultimo ingresso ore 17) – MARTEDÌ CHIUSURA SETTIMANALE
Ingresso mostra compreso nel biglietto della Reggia
Appartamenti storici, Parco e Giardino Inglese € 12,00 intero – € 6,00 ridotto
Solo Appartamenti Storici (acquistabile quando il parco è chiuso) € 9,00 intero – € 4,50 ridotto
La prima domenica di ogni mese Appartamenti storici gratuito – Parco della Reggia € 5,00 intero –
€ 2,50 ridotto – gratis fino a 18 anni
Info pubblico
www.tempustime.com – info@tempustime.com
Facebook/Instagram: Tempus Time

MARCHE – mostre Abbronzatissima. Glamour ed arte all’ombra delle palme e Cracking Art. Arte rigenerante

Per tutti i mesi estivi i comuni marchigiani di San Benedetto del Tronto, sul litorale adriatico, e Acquaviva Picena nell’entroterra, borgo medievale sede della più antica fortezza delle Marche, ospiteranno le mostre Abbronzatissima. Glamour ed arte all’ombra delle palme e Cracking Art. Arte rigenerante

ABBRONZATISSIMA.
GLAMOUR E ARTE ALL’OMBRA DELLE PALME

a cura di Stefano Papetti, Elisa Mori e Giorgia Berardinelli

17 giugno – 16 settembre 2018

Palazzina Azzurra

San Benedetto del Tronto (AP)

INAUGURAZIONE
Sabato 16 giugno 2018 ore 18.00

 

Il Comune di San Benedetto del Tronto, in collaborazione con l’Associazione Culturale Verticale D’Arte ed il Professor Stefano Papetti, presenta la mostra Abbronzatissima. Glamour e arte all’ombra delle palme presso la Palazzina Azzurra, a San Benedetto del Tronto. La mostra, che fa parte di un trittico inaugurato al grande pubblico lo scorso anno con Uomo in mare, è patrocinata dal Ministero dei Beni Culturali, dall’ENIT – Agenzia Nazionale del Turismo, dalla Regione Marche e dalla Provincia di Ascoli Piceno.

Lo sguardo e l’approccio scelto nei confronti del percorso espositivo tematico di quest’anno – Abbronzatissima. Glamour ed arte all’ombra delle palme – ha l’intento di restituire allo spettatore uno sguardo incantato e divertito nei confronti di un immaginario estivo collettivo lontano nel tempoma che è capace di essere codificato in modo efficace ancora oggi e di mostrare il proprio fascino intatto senza appannamenti di sorta.

Il tema indagato negli spazi della Palazzina Azzurra, ovvero quello della pelle dorata al sole, diventa un grande stereoscopio view – master multicolorindispensabile per viaggiare indietro e avanti nel tempo con flashbackin bianco e nero o virati in seppia pronti a passare il testimone giocoso ai neoned ai colori fluodegli anni della trasgressione in un unico e vivace racconto a più voci traboccante di memorabiliain cui ognuno ha la possibilità di rileggere un po’ del proprio passato, riconoscere tratti del proprio presente e catturare qualche frammento del tempo che sarà.

CRACKING ART 

Arte Rigenerante

a cura di Stefano Papetti, Elisa Mori e Giorgia Berardinelli 

8 luglio – 30 settembre 2018

Fortezza di Acquaviva Picena (AP)
Giardino “Nuttate de Lune” di San Benedetto del Tronto (AP)

Inaugurazione sabato 7 luglio
ore 17.30 Giardino “Nuttate de Lune” di San Benedetto del Tronto (AP)
ore 18.30 Fortezza di Acquaviva Picena (AP)

Il collettivo artistico Cracking Art festeggia nel 2018 25 anni con un nuovo animale – l’elefante – che verrà presentato per la prima volta in Italia ad Acquaviva Picena.

 

L’Associazione culturale Verticale d’Arte, in collaborazione con il Comune di Acquaviva Picena e con il Comune di San Benedetto del Tronto, presenta Cracking Art. Arte rigeneranteun progetto di arte pubblica per la Fortezza di Acquaviva Picena e il Giardino “Nuttate de Lune” di San Benedetto del Tronto.

La mostra diffusa, del collettivo artistico Cracking Art, nata da un’idea dell’Associazione culturale Verticale d’Arte, promossa e organizzata da quest’ultima in collaborazione con i due comuni marchigiani, con la curatela di Stefano Papetti, Elisa Mori e Giorgia Berardinelli è patrocinata dal Ministero dei Beni Culturali, dall’ENIT – Agenzia Nazionale del Turismo, dalla Regione Marche e dalla Provincia di Ascoli Piceno.

Un’invasione pacifica e colorata di animali fuori scala occuperà gli spazi della suggestiva Fortezza del Comune di Acquaviva Picena e uno stormo di rondini sosterà nel Giardino “Nuttate de Lune” a San Benedetto del Tronto, coinvolgendo lo spettatore, sia esso adulto o bambino, in una favola contemporanea dall’estetica pop che invita a riflettere su tematiche universali come la memoria, la natura e l’ambiente.

Il collettivo artistico Cracking Art si distingue per le sue grandi installazioni esclusivamente popolate da animali interamente prodotti con plastica rigenerata, da qui la loro poetica evocata nell’uso del termine crackinginteso come rottura, separazione tra il naturale e l’artificiale e passaggio, per certi versi drammatico, dall’organico al sintetico, che assume in questo caso una connotazione positiva nella scelta dei materiali riciclati e riciclabili a testimonianza dell’impegno sociale e ambientale di questo movimento artistico.

 

Musica a Milano – Fondazione Prada programma di eventi musicali

FONDAZIONE PRADA PRESENTA IL PROGRAMMA DI EVENTI MUSICALI

“I WANT TO LIKE YOU BUT I FIND IT DIFFICULT” NELLA SEDE DI MILANO

L’8 GIUGNO E IL 28 SETTEMBRE 2018

 – Fondazione Prada presenta, venerdì 8 giugno e venerdì 28 settembre dalle ore 19 a mezzanotte, il programma di eventi musicali “I WANT TO LIKE YOU BUT I FIND IT DIFFICULT”, a cura di Craig Richards, nella sede di Milano.

Concepito come una serie di tre appuntamenti, il progetto è stato anticipato il 19 aprile 2018 da un evento speciale a cui hanno partecipato Ricardo Villalobos e Richards.

Con questa nuova attività Fondazione Prada espande ulteriormente il proprio campo d’azione, includendo la ricerca e la sperimentazione musicale all’interno della propria offerta culturale e creando in questo modo risonanze inedite tra discipline.

“I WANT TO LIKE YOU BUT I FIND IT DIFFICULT” rappresenta un tentativo di esplorare una pluralità di generi e linguaggi, dalla musica elettronica all’Ethio-jazz, dalla minimal all’Afrobeat, ospitando artisti internazionali come Tony Allen, Mulatu Astatke, E/Tape, Burnt Friedman, Nicolas Lutz, Monolake Live Surround, Joy Orbison, Craig Richards e Midori Takada.

Partendo da una visione personale, sviluppata dall’artista inglese Craig Richards, la costellazione di performer selezionati per le due line-up intende avvicinare pubblici diversi alla vocazione della Fondazione Prada, dimostrando che la cultura è tanto coinvolgente e attrattiva quanto utile e necessaria.

Il programma, ideato come un’intensa esperienza culturale, è aperto alle contaminazioni e propone dialoghi inaspettati tra artisti affermati ed emergenti.

La musica è concepita come una manifestazione di libertà creativa sia per i musicisti stessi che per il pubblico presente.

Come afferma Craig Richards,

“l’idea sulla quale si basa il mio progetto curatoriale è che questo linguaggio possa essere stimolante, provocatorio e perfino scomodo.

Da collezionista e appassionato di musica, questo concetto mi ha sempre affascinato.

Il mio ruolo di curatore è di presentare le mie scoperte in questo campo, sia passate che attuali, in una sequenza che porti ispirazione, divertimento, mistero e un potenziale disturbo.

L’attrito tra le differenti proposte rende possibile questa visione.

Il mio obiettivo principale è riconoscere un filo conduttore che percorre la musica e in qualche modo la unifica.

Sostengo l’idea che ‘apprezzare’ la musica non sia sempre facile, ma che il tentativo di conoscerla in profondità possa generare un grande piacere”.

I DJ-set e le performance dal vivo si svolgono in diversi luoghi all’interno della sede di Milano della Fondazione Prada.

Il pubblico è invitato a muoversi liberamente negli ambienti esterni, sperimentando nuove modalità con cui interagire con l’architettura e ampliando in questo modo le potenzialità degli spazi.

Cinque artisti dagli stili musicali diversi e contrastanti sono presentati durante l’evento di venerdì 8 giugno.

Il jazzista etiope Mulatu Astatke, padre dell’Ethio jazz, suona accompagnato dalla sua orchestra di nove elementi, mentre la percussionista giapponese Midori Takada presenta un interessante repertorio solista minimal.

Queste due performance dal vivo sono completate dalla partecipazione di due DJ noti per la loro ricerca ai margini della dance floor culture: Nicolas Lutz e E/Tape. Il 28 settembre, la line-up include il leggendario batterista e compositore nigeriano Tony Allen, uno dei pionieri dell’Afrobeat, l’artista techno Monolake Live Surround di base berlinese, il polistrumentista tedesco Burnt Friedman e il musicista elettronico inglese Joy Orbison. Craig Richards partecipa come DJ a entrambi gli eventi.

INFORMAZIONI PRATICHE E BIGLIETTI

Gli eventi si svolgono negli spazi esterni della Fondazione Prada venerdì 8 giugno e venerdì 28 settembre, dalle ore 19 a mezzanotte. I cancelli aprono alle 18.30.

I biglietti per venerdì 8 giugno saranno disponibili a breve sul sito della Fondazione Prada, al costo di 18 euro, o all’entrata degli spazi (Largo Isarco 2) il giorno stesso dell’evento, a partire dalle ore 17, al costo di 25 euro.

LINE-UP

8 giugno 2018 Mulatu Astatke Midori Takada Nicolas Lutz E/Tape

Craig Richards

28 settembre 2018 Tony Allen
Monolake Live Surround Burnt Friedman

Joy Orbison Craig Richards

Arte e Spritz a Venezia – Collezione Peggy Guggenheim

StraOrdinari. Storie non convenzionali all’ora dello spritz

Caparezza, Lara Gilmore e Bebe Vio
si raccontano alla Collezione Peggy Guggenheim

21, 28 maggio e 25 giugno, dalle 19 alle 21

Dieci anni fa nasceva HappySpritz@Guggenheim. Nel 2009, grazie al supporto di AperolSpritz, la Collezione Peggy Guggenheim lanciava un evento innovativo che nel corso di un decennio ha portato migliaia di giovani a casa di Peggy Guggenheim, avvicinandoli ai capolavori collezionati dalla mecenate americana e oggi patrimonio dell’Italia intera.

Per celebrare questo decimo compleanno il museo intraprende una nuova avventura. Caparezza, Lara Gilmore e Bebe Vio: tre ospiti d’eccezione, il 21, 28 maggio e 25 giugno, che dalle 19 alle 21 racconteranno le loro storie non convenzionali, all’ora dell’aperitivo, nel giardino della Collezione Peggy Guggenheim immersi in un’atmosfera intima e raccolta.

Scoprendo e sostenendo giovani talenti artistici e credendo fermamente nel loro lavoro, primo su tutti Jackson Pollock, Peggy Guggenheim è stata una “visionaria” dell’arte. Ora le porte della sua casa-museo si aprono per accogliere le storie di tre protagonisti, “visionari odierni”, del panorama musicale, culinario e sportivo, pronti a condividere “a tu per tu” con il pubblico le loro esperienze straOrdinarie.

Aperol Spritz, storica azienda parte del gruppo Guggenheim Intrapresae che da 10 anni crede fortemente in questa idea, è di nuovo a fianco dell’iniziativa confermando il proprio legame con il territorio di origine e il museo veneziano.

Seguendo la mission del museo, ovvero educare il suo pubblico e sensibilizzarlo a temi attuali come l’istruzione di qualità, l’inclusione sociale, la parità di genere e il rispetto del patrimonio culturale e dell’ambiente, fil rouge dei racconti saranno i 17 Obiettivi dell’Agenda 2030 delle Nazioni Unite.

Per questa nuova iniziativa, la Collezione Peggy Guggenheim è lieta di poter collaborare con ASviS, l’Alleanza Italiana per lo Sviluppo Sostenibile che si occupa di promuovere i 17 Obiettivi, che vanno dallo sconfiggere povertà e fame, al raggiungimento della parità di genere, dalla lotta al cambiamento climatico alla riduzione delle disuguaglianze.

Quali saranno dunque le storie “non convenzionali” che racconteranno i nostri ospiti?

Michele Salvemini, in arte Caparezza, è oggi tra i più acclamati cantautori, rapper e produttori discografici italiani, è un ‘cantastorie moderno’ che, attraverso la trasversalità dei suoi testi e della sua musica, riesce a toccare tematiche sociali attualissime, ma anche legate al proprio io interiore.

Lara Gilmore è Presidente di “Food for Soul”, organizzazione no-profit fondata con suo marito Massimo Bottura, uno dei più celebri chef contemporanei, per combattere lo spreco alimentare e l’isolamento sociale.

“Food for Soul” nasce dall’esperienza di successo del Refettorio Ambrosiano, istituito nel 2015 insieme a Caritas Ambrosiana, in occasione di Expo Milano.

Per questa occasione, un vecchio teatro abbandonato nel quartiere Greco è stato trasformato in una mensa comunitaria in cui chef di tutto il mondo hanno trasformato le eccedenze alimentari dell’Expo in pasti nutrienti per i bisognosi.

Dopo la sede milanese, il Refettorio ha successivamente aperto anche a Rio de Janeiro, Londra e Parigi, e tutte le mense sono attualmente operative.

Infine Beatrice Maria Adelaide Marzia Vio, detta Bebe, campionessa paralimpica e mondiale in carica di fioretto individuale, è oggi tra i personaggi più amati e seguiti, non solo dalle generazioni dei giovanissimi, che con la sua forza, tenacia e coraggio, si è fatta portavoce dell’empowerment femminile.

Sarà grazie alle loro voci che il pubblico potrà vivere il museo in una veste nuova, sedersi in giardino come in un salotto, e ascoltare alcune storie, ci auguriamo, ispiratrici. Grazie alla collaborazione con ASviS, durante le serate il pubblico potrà approfondire i 17 Obiettivi dell’Agenda 2030 per lo sviluppo sostenibile attraverso percorsi creati ad hoc, seguendo una mappa che legherà una selezione delle opere in collezione ai contenuti degli obiettivi. Nel corso dei tre appuntamenti gli “AMATA” del museo (“Ask Me About The Art), stagisti internazionali pronti a rispondere alle domande dei visitatori sulle opere in collezione diventeranno “Ask Me About The Agenda”, interagendo con il pubblico in merito ai collegamenti tra le opere e i Goal dell’Agenda dell’ONU.

Ciascun ospite avrà un suo padrino.

A condurre queste narrazioni saranno infatti Luca de Gennaro, noto DJ, critico musicale e conduttore radiofonico, Marco Maccarini, popolare presentatore televisivo e radiofonico, e Corrado Fortuna, celebre attore, regista, e scrittore italiano. A fare da colonna sonora alle tre serate saranno le playlist “del cuore” di Caparezza, Lara Gilmore e Bebe Vio.

#Straordinari18 e #2030whatareUdoing, in collaborazione con ASviS, saranno gli hashtag da utilizzare su Facebook, Twitter e Instagram per comunicare e condividere questo “straOrdinario” evento.

A seguito delle restrittive normative sulla sicurezza, l’evento potrà accogliere un numero sensibilmente ridotto di partecipanti rispetto alle passate edizioni. Il biglietto d’ingresso al museo è di 15 euro, acquistabile esclusivamente online a partire da giovedì 17 maggio per il primo appuntamento, e dal mercoledì precedente le successive serate.

Corsia d’accesso preferenziale per i possessori di Young Pass, la membership Guggenheim per gli under 26.

Ogni biglietto include due consumazioni. 

In caso di pioggia l’evento verrà cancellato e il prezzo del biglietto rimborsato.

Peggy Guggenheim Collection | Dorsoduro 701, 30123 Venezia | Tel. 041.2405.404/415

Arte a Palazzo Reale Milano – Impressionismo e avanguardie

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IMPRESSIONISMO E AVANGUARDIE. CAPOLAVORI DAL PHILADELPHIA MUSEUM OF ART

Filadelfia è stata la capitale del collezionismo d’arte dalla metà dell’Ottocento

Le collezioni d’arte moderna e impressionista sono uno dei fiori all’occhiello del Philadelphia Museum of Art.

Provocatorie e sperimentali secondo i critici dell’epoca, le opere di Pierre-Auguste Renoir, Claude Monet, Paul Cézanne, Henri Matisse, Pablo Picasso e Paul Klee, tra gli altri, sono oggi considerate i grandi tesori del museo di Philadelphia.

La peculiarità del museo sta nell’aver assemblato il proprio patrimonio grazie alla donazione di collezionisti dalla forte personalità, che spesso hanno creato le loro collezioni in stretta collaborazione con gli artisti, elemento che aggiunge un enorme valore al patrimonio del museo, oggi incrementato anche con opere di giovani artisti.

Sino al 2 settembre 2018, nella magnifica cornice di Palazzo Reale di Milano, apre al pubblico IMPRESSIONISMO E AVANGUARDIE.

Capolavori dal Philadelphia Museum of Art, una selezione di 50 capolavori provenienti da uno dei più importanti e storici musei americani, un’occasione unica per ammirare opere dei più grandi pittori a cavallo tra Ottocento e Novecento nel loro periodo di massima espressione artistica, in un allestimento studiato per valorizzare ogni singola opera.

Filadelfia è stata la capitale del collezionismo d’arte dalla metà dell’Ottocento e l’esposizione vuole essere il racconto di una storia che ha visto protagonista il suo museo ed i collezionisti che hanno contribuito al suo arricchimento. La mostra, è promossa e prodotta da Comune di Milano-Cultura, Palazzo Reale e MondoMostreSkira e si inserisce nella linea espositiva Musei del mondo a Palazzo Reale, inaugurata nel 2015, che vede la realizzazione di mostre delle più importanti collezioni museali di tutto il mondo non sempre note al grande pubblico e non sempre accessibili.

Opere di artisti celeberrimi come Pierre Bonnard, Paul Cézanne, Edgar Degas, Edouard Manet, Paul Gauguin, Claude Monet, Vincent van Gogh, Camille Pissarro, Pierre-Auguste Renoir fino alle sperimentazioni di Georges Braque, Vasily Kandinsky, Paul Klee, Henri Matisse, Marc Chagall, Constantin Brancusi, Pablo Picasso, passando per il surrealismo di Salvador Dalí e Joan Mirò. A questi si aggiungono i lavori di tre grandi artiste: Mary Cassatt, Marie Laurencin, Berthe Morisot

Per la mostra milanese sono state scelte cinquanta splendide opere, in un percorso affascinante: troviamo i luminosi paesaggi di Monet con, tra gli altri, Il sentiero riparato(1873) e Il ponte giapponese (1895), di Sisley con Le rive del Loing (1885), di Pissarro con Paesaggio (frutteto) (1892), di Cézanne con Le Quartier du Four, à Auvers-sur-Oise(ca.1873) e Paesaggio invernale, Giverny (1894), di de Vlaminck con La Senna a Chatou(ca.1908), di Soutine con Paesaggio, Chemin des Caucours, Cagnes-sur-Mer (ca.1924), di Dufy con Finestra sulla Promenade des Anglais, Nizza (1938). E imperdibili scene cittadine come I grands Boulevards (1875) di Renoir e Place du Tertre a Montmartre (ca.1912) di Utrillo

Sfilano poi magnifici ritratti come Ritratto di Isabelle Lemonnier (ca.1877) di Manet, Donna con collana di perle in un palchetto (1879) di Mary Cassatt, Ritratto di bambina (1894) di Berthe Morisot, Ragazza con gorgiera rossa (ca.1896), Ragazza che fa il merletto(ca.1906) e Bagnante (ca.1917-1918) di Renoir, Ritratto di Madame Cézanne (1885-1887) di Cézanne, Ritratto di Madame Augustine Roulin e la piccola Marcelle (1888) e Ritratto di Camille Roulin (1888) di van Gogh, Nudo femminile seduto (1908-1909), Uomo con violino(1911-1912), Donna e bambine (1961) di Picasso, L’ora del tè (donna col cucchiaio)(1911) di Metzinger, Uomo al balcone (ritratto del dottor Théo Morinaud) (1912) di Gleizes, Omaggio a Maillol (1917) di Bonnard, Donna seduta in poltrona (1920) di Matisse.

E ancora indimenticabili composizioni di frutta e fiori come Natura morta con rose centifolia in un cestino (1886) di Gauguin, Natura morta con mazzo di margherite (1885) di van Gogh, Cesta di pesci (ca.1910) e Natura morta con piatto di frutta (1936) di Braque, Natura morta sul tavolo (1925) di Matisse. E sculture come L’atleta (1901-1904) di Rodin visivamente legata al Pensatore, che ritrae Samuel S. White III, tra i maggiori donatori del Museo, l’enigmatico Il giullare (1905) di Picasso, la bellissima scultura in pietra Il Bacio(1916) di Brancusi

Imperdibili opere come Marina in Olanda (1872) di Manet, La classe di danza (ca.1880) di Degas, Una sera di carnevale (1886) di Rousseau, Cerchi in un cerchio (1923) di Kandinsky, Carnevale al villaggio (1926) di Klee, Simbolo agnostico (1932) di Dalí, Pierrot con rosa (ca.1936) di Rouault, Nella notte (1943) di Chagall.

Il Philadelphia Museum of Art

Fondata nel 1681, Filadelfia si considerava sempre la prima e la più bella delle città degli Stati Uniti e nell’Ottocento era la più grande città nordamericana, i suoi commercianti facevano fortuna nel commercio, nelle navi a vapore, nelle ferrovie, nelle banche ed abbellirono la città, gareggiando per renderla la capitale culturale dell’America. La prima Fiera mondiale ufficiale negli Stati Uniti fu tenuta proprio a Filadelfia nel 1876 e fu visitata da più di 10 milioni di persone (il 20% della nazione), contribuendo a stimolare i ricchi americani a viaggiare in Europa, dove l’arte era al top nella loro lista della spesa. Ne è nato il Philadelphia Museum of Art, che ha aperto l’anno successivo, e possiede oggi una collezione di oltre 240.000 opere, rappresentative di oltre duemila anni di produzione artistica.

Lo sviluppo del museo si deve a Fiske Kimball, direttore per trent’anni dal 1925, che dotò il museo di arredi originali di vari paesi e epoche, convinto di voler offrire ai visitatori un’esperienza vivida della storia di ogni forma d’arte. Un susseguirsi pressoché continuo di donazioni da parte di imprenditori illuminati e appassionati collezionisti ha arricchito negli anni il museo che ora possiede opere d’arte di ogni epoca e tipologia: dalle terrecotte e sculture giapponesi e cinesi a miniature, xilografie e sculture asiatiche, dai dipinti antichi, disegni e stampe italiani a una collezione di armi e armature, da oggetti di argento e porcellana a opere d’arte e design contemporanei, compresa una collezione di fotografia che consta di trentamila stampe in bianco e nero e a colori.

Le collezioni d’arte moderna e impressionista – ci raccontano Jennifer Thompson e Matthew Affron, conservatori del museo e curatori della mostra – sono uno dei fiori all’occhiello del Philadelphia Museum of Art. La loro peculiarità è che sono il risultato di donazioni, non solo di singole opere, ma di intere eccezionali raccolte caratterizzate dalla forte personalità dei collezionisti. Gli americani, ma in particolare gli abitanti di Philadelphia, sono stati tra i primi collezionisti dell’impressionismo, in gran parte grazie all’artista Mary Cassatt che ha a lungo abitato a Parigi e fatto da tramite tra i propri concittadini e i mercanti e gli artisti francesi. L’atmosfera intima e affascinante dei dipinti impressionisti era ideale per decorare le grandi residenze di questi imprenditori, che hanno poi donato le proprie opere al museo. Alexander Cassatt, fratello della pittrice e capo della Pennsylvania Railroad per primo acquistò opere di Manet, Monet, Degas e Pissarro, contagiando altri dirigenti che fecero a gara nell’acquisto di opere d’arte francesi. Frank Graham Thomson, successore di Cassatt, cercò di conoscere Monet, mentre la Cassatt lo portò nella galleria parigina di Paul Durand-Ruel, il più importante mercante d’arte impressionista dell’epoca. Thomson acquistò nel tempo dodici dipinti di Monet e altre opere impressioniste.

I primi dipinti impressionisti – proseguono nel racconto i due curatori americani – entrarono nella collezione del Philadelphia Museum of Art nel 1921, quando il W.P. Wilstach Fund consentì di acquistare dieci opere dagli eredi di Alexander Cassatt. Tra gli altri collezionisti che contribuirono a fare del museo una meta imperdibile per gli appassionati d’impressionismo negli Stati Uniti figura anche Samuel Stockton White II.

Da giovane, White fu un culturista pluripremiato e, durante un soggiorno a Parigi nel 1901, fece da modello a Rodin, la cui scultura è esposta in mostra. Rientrato a Philadelphia, White cominciò ad acquistare dipinti impressionisti, che la moglie Vera lasciò al museo nel 1967. Allo stesso modo, molte eccezionali donazioni furono il frutto della generosità di Henry P. McIlhenny e della sorella Berenice McIlhenny Wintersteen. I dipinti di Delacroix, Degas, Renoir, Matisse e Picasso che i due fratelli acquistarono e poi donarono al museo costituirono l’ossatura di una straordinaria collezione d’arte moderna, destinata a crescere senza sosta per tutto il XX secolo.

La donazione che diede formalmente il via alla odierna, vastissima, collezione d’arte moderna del museo fu quella di Albert Eugene Gallatin che nel 1927 creò la prima collezione pubblica d’arte moderna del XX secolo negli Stati Uniti.

La sua Gallery of Living Art aveva sede all’Università di New York e prosperò fino al dicembre del 1942, quando venne deciso di non poter più ospitare la collezione. Kimball, direttore del Philadelphia Museum of Art, chiese a Gallatin di considerare Philadelphia come sede permanente della collezione e all’inizio del 1943, i due firmarono un accordo per il prestito immediato e il successivo lascito di oltre centosessanta opere.

La donazione di Gallatin fu seguita da quella di Louise e Walter Arensberg, la cui collezione costituisce l’altra pietra miliare dell’arte del Novecento a Philadelphia. Dopo essersi trasferiti a New York iniziarono a raccogliere la loro collezione e ben presto conobbero Duchamp, appena arrivato da Parigi e già famoso negli ambienti artistici newyorkesi. Gli Arensberg si affidarono alle sue conoscenze per l’acquisto delle opere d’arte, e il loro appartamento non tardò a riempirsi di dipinti, collage e disegni di Picasso, Matisse, Georges Braque e dello stesso Duchamp. Alla fine degli anni Quaranta, le opere che avevano raccolto erano già universalmente riconosciute come tesori dell’arte moderna. I musei di tutti gli Stati Uniti cercarono di aggiudicarsele, ma Fiske Kimball fece presente agli Arensberg che l’ala nordorientale del Philadelphia Museum of Art, ancora incompiuta, avrebbe potuto offrire ampio spazio sia alla loro collezione d’arte moderna sia ai loro oggetti precolombiani. La propensione della coppia ad accettare la proposta di Kimball si consolidò quando Duchamp, mandato a Philadelphia nel 1949 in “ricognizione segreta”, giudicò favorevolmente la “sensazione di stabilità” trasmessa dall’edificio.

La collezione di pittura moderna del museo fu poi arricchita dalla donazione, nel 1964, della collezione Louis E. Stern, che contava più di trecento opere. Stern si concentrò sulla pittura francese del XIX e del XX secolo, dai capolavori impressionisti e postimpressionisti di Renoir, Cézanne e Bonnard alle opere di Henri Rousseau, Henri Matisse e di maestri della Scuola di Parigi come Chagall e Soutine.

Pensare che questi capolavori erano nelle case di industriali americani o di illuminati collezionisti che con grande generosità decisero di donarli al Philadelphia Museum of Art che a sua volta li presta, per oltre cinque mesi, a Milano, rende davvero la mostra una occasione unica. Un assaggio di grandissimo livello che farà senz’altro venire voglia di andare a Philadelphia ad ammirare il resto di questa imponente collezione di fama internazionale, come suggerisce Timothy Rub, Direttore del museo, che entro il 2020 verrà ampliato da Frank O. Gehry

 

Dal 08 Marzo 2018 al 02 Settembre 2018

MILANO

LUOGO: Palazzo Reale

CURATORI: Philadelphia Museum of Art Curatorial Department

ENTI PROMOTORI:

  • Comune di Milano – Cultura
  • Palazzo Reale
  • MondoMostre Skira

TELEFONO PER INFORMAZIONI: +39 0288445181

E-MAIL INFO: c.mostre@comune.milano.it

SITO UFFICIALE: http://www.palazzorealemilano.it/