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Arte a Milano – Tosi e Sironi: due maestri – Inaugurazione 9 novembre 2017

VS Arte
via Appiani 1 – Milano
Tosi e Sironi: due maestri, due amici
a cura di Elena Pontiggia
10 novembre 2017 – 20 gennaio 2018
inaugurazione giovedì 9 novembre, ore 18.30

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Arturo Tosi, Tre alberi con casolare , anni ’30

Si inaugura giovedì 9 novembre la mostra “Tosi e Sironi: due maestri, due amici”, a cura di Elena Pontiggia , ospitata dalla galleria VS Arte . L’esposizione aperta dal 10 novembre al 20 gennaio presenta un corpus di lavori dei due grandi artisti fra cui opere pittoriche , acquerelli , carte , inchiostri e illustrazioni .
La rassegna, la prima dopo vari anni che Milano dedica ad Arturo Tosi , comprende alcune opere fondamentali del percorso dell’artista, provenienti dalla Associazione Arturo Tosi di Rovetta e da collezioni private. Il percorso espositivo muove dalla pittura giovanile di Tosi e, attraverso gli sbalorditivi nudi “alcoolici” del 1895 (vero esempio di informale ante litteram), giunge alle opere degli anni venti e trenta, come i famosi Paesaggi e le altrettanto celebri Nature morte. Sono inoltre esposti alcuni preziosi acquerelli, tra i pochi superstiti dall’incendio vandalico dello studio dell’artista, avvenuto nel 1944.
Affianca l’opera di Tosi quella di Sironi , amico e compagno di strada del pittore varesino, con cui condivise l’esperienza del Novecento Italiano. Di Sironi sono esposte tra l’altro una serie di carte e inchiostri, che vanno dalle famose tavole per la rivista di trincea “Il Montello”, dipinte al fronte nel 1918, alle illustrazioni per “Il Popolo d’Italia” del 1920-21, fino alle maestose figure degli anni venti.
Accompagna la mostra un catalogo con un testo di Elena Pontiggia.
Nel corso della rassegna verrà presentato il libro “Arturo Tosi e il Novecento. Lettere dall’archivio di Rovetta”, a cura di Elena Pontiggia, che pubblica importanti documenti inediti su Tosi e sugli artisti e intellettuali che lo hanno frequentato.
Arturo Tosi (Busto Arsizio, 1871 – Milano, 1956) è stato uno dei protagonisti della pittura italiana del Novecento. Dopo aver attraversato, durante la giovinezza, una stagione caratterizzata da una originale componente segnica e materica che lui stesso definiva “periodo alcoolico”, aderisce al Novecento Italiano, fondato nel 1922 da Sironi, Funi e altri artisti, riuniti intorno al critico Margherita Sarfatti. La sua pennellata fluida e pastosa si riallaccia a una scuola pittorica che dal Fontanesi e dal Piccio giunge alla Scapigliatura e a Gola, mentre con il gruppo sarfattiano condivide il senso della sintesi e di una salda struttura architettonica, nel suo caso mutuata da Cézanne. Nel 1931 vince il Premio di Pittura alla Quadriennale di Roma. Di lui si interessano i maggiori critici, da Waldemar George (che nel 1933 pubblica a Parigi una sua importante monografia) ad Argan, da Carrieri a Savinio.
Mario Sironi nasce a Sassari nel 1885 e nel 1886 si trasferisce con la famiglia a Roma. Nel 1898 gli muore il padre. Intorno al 1903-4 frequenta Balla, diventando amico di Boccioni, Severini e altri. Nel 1913 aderisce in seguito al futurismo. Allo scoppio della guerra combatte al fronte. Nel 1919 si trasferisce a Milano e dipinge i primi paesaggi urbani: forme potenti e sintetiche, di ispirazione classica, segnate però da una drammaticità moderna. Si avvicina intanto al fascismo. Nel 1922 è tra i fondatori del Novecento Italiano, intorno a Margherita Sarfatti. Negli anni Trenta Sironi si concentra soprattutto sulla grande pittura murale, eseguendo numerose opere monumentali. Nel 1943 aderisce alla Repubblica di Salò e il 25 aprile si salva dall’essere fucilato grazie all’intervento di Gianni Rodari. Nel 1948 perde la figlia Rossana, che si uccide diciottenne. Mario Sironi muore a Milano nel 1961.
VS Arte nasce nel 2017 dalla passione per l’arte e il collezionismo dei due fondatori, Vincenzo Panza e Samantha Ceccardi. Vincenzo Panza, vanta una trentennale esperienza nel management di aziende multinazionali e Samantha Ceccardi è attiva da oltre vent’anni nell’organizzazione di eventi e grandi manifestazioni.
VS Arte è una nuova realtà che unisce arte e dinamiche dell’economia in uno spazio unico, quello di Appiani Arte per Immagini, il cui prestigio è legato al nome del noto gallerista e mecenate Alfredo Paglione , la cui galleria è stata il punto di riferimento per tutti i più grandi artisti del panorama nazionale e internazionale del ‘900. Ha ospitato maestri affermati tra cui Guttuso, Sassu, Manzù, Fontana, De Chirico e grandi figure dell’arte internazionale come Picasso, Rauschenberg, Grosz, Gropper e Levin. I suoi spazi sono stati un cenacolo dinamico e fertile per letterati, musicisti e intellettuali di grande spessore, tra cui Raffaele Carrieri, Carlo Levi, Dino Buzzati, Salvatore Quasimodo, Leonardo Sciascia, Mario Luzi e Giuseppe Ungaretti. Un’osmosi, quella creatasi in questo luogo, tra arte e poesia che ha dato vita a una atmosfera rara, fruttuosa e creativa che VS Arte intende proseguire, coadiuvata da Alfredo Paglione, attraverso esposizioni ed eventi di grande richiamo sia per far emergere nuovi artisti che per dare lustro alle opere dei grandi maestri.
Al centro delle attività di VS Arte emergono la tutela, la gestione e la valorizzazione di opere d’arte, la promozione e la diffusione dell’arte contemporanea e il suo sviluppo in Italia e all’estero .
Coordinate mostra
Titolo Tosi e Sironi: due maestri, due amici
A cura di Elena Pontiggia
Sede VS Arte, via Appiani 1 – 20121 Milano
Date 10 novembre 2017 – 20 gennaio 2018
Inaugurazione giovedì 9 novembre, ore 18.30
Orari dal martedì al sabato, ore 15.30 – 19.30
Ingresso libero
Info pubblico Tel. +39 335 8004220 – info@vsarte.it – www.vsarte.it

Da non perdere – ARTISSIMA 24 – Artissima goes digital !

ARTISSIMA 24

Ricercata e innovativa

Edizione 2017 

Artissima goes digital!

È ora online la versione completa

del catalogo digitale Artissima.art.

Artissima 2017
Oval, Lingotto Fiere Torino
2 novembre 2017
|Presentazione alla stampa, preview, vernissage
3-4-5 novembre 2017 |Apertura al pubblico

Artissima, Internazionale d’Arte Contemporanea, apre la sua 24esima edizione a Torino dal 3 al 5 novembre 2017 e lancia oggi la piattaforma digitale  artissima.art, dove collezionisti, professionisti del settore, appassionati e nativi digitali potranno esplorare in anteprima le gallerie, gli artisti e le opere della fiera.

Fedele alla sua identità sperimentale, ricercata e innovativa che la rende un evento d’eccellenza nel panorama fieristico internazionale, Artissima 2017 intercetta le tendenze del mondo dell’arte attraverso un modello alternativo di diffusione e fruizione della cultura.

A due settimane dall’inaugurazione dell’evento viene lanciata la piattaforma  Artissima Digital, un progetto sviluppato con il sostegno di Compagnia di San Paolo per trasformare la fiera in un  ecosistema digitale, vivo e partecipato anche dopo l’evento.

Il catalogo della fiera diventa digitale: ogni visitatore potrà esplorare la fiera virtualmente e studiarne i contenuti. Registrandosi poi potrà attivare una propria area dedicata in cui salvare le opere, le gallerie e gli artisti che più lo affascinano, creando così la sua personale ‘collezione virtuale’.

Questo nuovo ecosistema viene arricchito da un’  agenda online che, interagendo con la wishlist, consente agli utenti registrati di archiviare anche gli eventi favoriti: talk, visite guidate, premiazioni e incontri.

Per poter programmare la propria visita all’Oval, navigando la fiera in modo più approfondito e immediato durante e dopo la settimana dell’arte contemporanea torinese.

Artissima Digital offre inoltre alla fiera la possibilità di dialogare e coinvolgere audience diverse anche attraverso rubriche social che accompagneranno il pubblico tutto l’anno ( #ArtissimaRewind) e con una completa offerta editoriale.

Il blog della fiera, sempre vivo di contenuti aggiornati, rende l’esperienza ‘Artissima’ unica ospitando i contributi della redazione di  #ArtissimaLive, una piattaforma condivisa dove riviste on-line, blogger, siti web di settore collaborano alla creazione di contenuti prodotti in diretta nei giorni dell’evento. Quest’anno la rosa dei partecipanti – coordinati da Elena Bordignon – comprende: ATPdiary (Milano); Art Dependence (Anversa); Aujourd’hui Magazine (Lisbona); Fruit of the forest (Miami e Milano); Kabul Magazine (Milano); The Exhibitionist (USA).

Infine, accanto all’area dedicata ai blogger e in continuità con essa, Artissima introduce per la prima volta nel 2017 anche la  #SocialRoom, spazio fisico in cui il pubblico digitale della fiera potrà ricaricare i propri dispositivi, trovando un ambiente ricco di stimoli e suggestioni.

Tutto l’ecosistema digitale sarà consultabile in fiera grazie a due postazioni dedicate poste all’ingresso del padiglione che consentiranno di sfogliare non solo il catalogo online per informazioni last-minute, ma anche il ricco calendario di eventi.

ARTISSIMA 2017 Internazionale d’Arte Contemporanea

3-4-5 novembre 2017

OVAL – Lingotto Fiere

T +39 011 19744106

www.artissima.it | info@artissima.it

Facebook: Artissima Fair

Twitter: @ArtissimaFair

Instagram: ARTISSIMAFAIR

Pinterest: Artissima

Youtube: Artissima Fair

Artissima è un marchio di Regione Piemonte, Città Metropolitana di Torino e Città di Torino; per incarico dei tre Enti, afferisce alla Fondazione Torino Musei. La ventiquattresima edizione di Artissima viene realizzata attraverso il sostegno dei tre Enti proprietari del marchio, congiuntamente a Fondazione per l’Arte Moderna e Contemporanea CRT, Compagnia di San Paolo e Camera di commercio di Torino. L’organizzazione di Artissima è curata da Artissima srl, società costituita nel 2008 per gestire i rapporti artistici e commerciali della fiera. L’immagine e il progetto grafico di Artissima sono a cura dello Studio Sonnoli.

PARTNERS & FRIENDS

Main Partner UniCredit

Partner Art Defender, Edit, Gruppo Campari, illycaffè, Irinox, K-Way, Lancia, Lauretana, Montblanc, Nino Franco Prosecco, QC Termetorino, Fondazione Sardi per l’Arte, Torino Outlet Village, Tosetti Value

In-kind partner Artek, Cappellini, Carioca, Cassina, Dedar, Driade, Edra, F/ART, Gebrüder Thonet Vienna, GL Events Italia – Lingotto Fiere, Golran, Gufram, Guido Gobino, Lago Design, Magis, Marrone, Metalsistem, Moroso, Nemo Lighting, Pastiglie Leone, Torino Airport | Sagat, Trenitalia, Vitra

Official Carrier Arterìa

Official Insurance Art Defender Insurance

Media Partner La Stampa, Artsy

Media Coverage Sky Arte HD

 

Arte a Milano – Apre oggi Toulouse-Lautrec

Grande mostra  dal 17 ottobre 2017 al 18 febbraio 2018 al Palazzo Reale a Milano

Henri de Toulouse-Lautrec, uno dei più affascinanti protagonisti dell’Ottocento francese

Dal Musée Toulouse-Lautrec di Albi :

35 dipinti, litografie, acquaforti, oltre a tutti i 22 manifesti realizzati dall’artista.

Dal 17 ottobre 2017 al 18 febbraio 2018, Palazzo Reale di Milano celebrerà Henri de Toulouse-Lautrec (1864-1901) con una grande mostra monografica che ne evidenzierà l’intero percorso artistico e i tratti di straordinaria modernità.

La mostra, a cura di Danièle Devynck (direttrice del Museo Toulouse-Lautrec di Albi) e Claudia Zevi, è promossa e prodotta da Comune di Milano-Cultura, da Palazzo Reale, da Giunti Arte Mostre Musei e da Electa, con il Musée Toulouse-Lautrec di Albi el’Institut national d’histoire de l’art (INHA) di Parigi.

Il progetto espositivo, articolato in sezioni tematiche, condurrà il visitatore a comprendere il fascino e l’importanza artistica del pittore bohémien che, senza aderire mai a una scuola,  seppe costruire un nuovo e provocatorio realismo, sintesi estrema di forma, colore e movimento.
L’evoluzione stilistica dell’autore, di origine aristocratica ma testimone della Parigi dei bassifondi e delle case chiuse, verrà delineata in tutte le sue fasi di maturazione, dalla pittura alla grafica, con particolare riguardo per la sua profonda conoscenza delle stampe giapponesi e per la passione verso la fotografia.

In mostra saranno esposte oltre 250 opere di Toulouse-Lautrec, con ben 35 dipinti, oltre a litografie, acqueforti e la serie completa di tutti i 22 manifesti realizzati dall’artista ‘maledetto’, provenienti dal Musée Toulouse-Lautrec di Albi e da importanti musei e collezioni internazionali come la Tate Modern di Londra, la National Gallery of Art di Washington, il Museo Puškin di Mosca, il Museum of Fine Arts di Houston, il MASP (Museu de Arte di San Paolo), ela Bibliotheque Nationale de France di Parigi, per non citare che i principali prestatori, e da diverse storiche collezioni private.

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Dal 17 Ottobre 2017 al 18 Febbraio 2018

MILANO

LUOGO: Palazzo Reale

CURATORI: Danièle Devynck, Claudia Zevi

ENTI PROMOTORI:

  • Comune di Milano-Cultura
  • Palazzo Reale
  • Giunti Arte Mostre Musei
  • Electa
  • Musée Toulouse-Lautrec di Albi
  • Institut national d’histoire de l’art (INHA) di Parigi

SITO UFFICIALE: http://www.palazzorealemilano.it

Arte a TORINO – ARTWEEK

TORINO ARTWEEK

31.10 / 5.11

In occasione dell’artweek torinese viadellafucina16 – primo esperimento internazionale dcondominio-museo – apre le sue porte alla città per restituire i risultati dei primi intensi mesi di incubazione, divenuti rapidamente modello e ispirazione per altre progettualità che stanno fiorendo in varie parti d’Italia.

Il condominio, luogo di intersezione tra dominio pubblico e privato, della democrazia come del conflitto, apre i suoi spazi per promuovere un nuovo modello di condivisione, scambio e apertura alla differenza e per avviare un processo di trasformazione e conoscenza collettiva, mediato dal potere dell’arte, della bellezza e della cura.

Quattro le iniziative in programma dal 31 Ottobre negli spazi comuni dello stabile.

Al piano terra, nello Spazio Idiòt, trova posto la collettiva “I ragazzi di via della Fucina” con opere di 24 artisti internazionali under35, trai 442 partecipanti al bando di residenza.
Grazie alla collaborazione con NESXT, il festival degli spazi indipendenti diretto da Olga Gambari, già dal 26 Ottobre sarà presente “THERE IS NO PLACE LIKE HOME” con una galleria di manifesti allestiti nell’atrio del condominio-museo.

Il gruppo ha anche invitato gli artisti Calixto Ramirez e Josè Angelino a realizzare un intervento site specific all’interno del Laboratorio Fucina16, sul grande giardino condominiale.
Al primo piano, infine, si potrà assistere dal vivo alla realizzazione dell’intervento pittorico “Assemblea di Condominio” di Francesco Maluta, già da alcune settimane in residenza a viadellafucina16.

L’opening sarà martedì 31 Ottobre alle ore 17.30

Domenica 5 Novembre alle ore 18, viadellaFucina16 si trasferisce all’interno di ARTISSIMA per un momento di dibattito e riflessione insieme ai membri del Comitato Scientifico:

Luisa Perlo (A.Titolo), Ilaria BonacossaMario CristianiIlda CurtiAlessandra PioselliAnna PirontiPier Luigi SaccoCatterina Seia oltre a Brice Coniglio (ConiglioViola), ideatore e direttore artistico del progetto.

Non dimenticate di seguire la pagina facebook del progetto.

viadellafucina16 è un progetto di Kaninchen-Haus
da un’idea di Brice Coniglio

con il sostegno di SIAE e MiBACT
nell’ambito di “Sillumina – Copia privata per i giovani e la cultura”
e del Programma Housing di Compagnia di San Paolo
nell’ambito del bando “Abitare una casa, vivere un luogo”.

Con il Patrocinio della Regione Piemonte, della Città di Torino e del GAI Giovani Artisti Italiani.

sponsor tecnico: SIKKENS ITALIA
 

con la collaborazione dell’Assessorato alla Cultura della Città di Torino, del Dipartimento Educazione del Castello di Rivoli Museo d’Arte Contemporanea, del Dipartimento Culture Politica Società dell’Università degli Studi di Torino,  a.titolo, Liberitutti, Progetto The Gate Porta Palazzo.

ENGLISH

For this year Turin’s ARTWEEK, viadellafucina16 – the first international experiment of condominium-museum – opens its doors to the city showing the results of the first intense months of incubation, which already became an inspiring model for other projects that are coming to life in Turin and other parts of Italy.

The condominium, meeting point between the public and the private domain, place of democracy and conflict, opens its spaces to promote a new model for sharing, exchange and openness towards diversity, starting a process of transformation and collective knowledge, mediated by the power of art, beauty and care.

There are four initiatives in the programme taking place from October 31st in the building’s common spaces.

At the ground floor, in the space Idiòt, it will take place the group exhibition “I ragazzi di via della Fucina”, with works by 24 international artists under35, selected in between the 442 participants of the residency open call.

Thanks to the collaboration with NESXT, the festival of independent spaces directed by Olga Gambari, from October 26th it will be on show “THERE IS NO PLACE LIKE HOME”, a collection of posters in the hall of the condominium-museum.

The same group invited the artists Calixto Ramirez e Josè Angelino to create a site-specific intervention inside the workshop Fucina16, in front of the condominium’s big garden.
To end, on the first floor it will be possible to attend at the making of “Assemblea di Condominio” by Francesco Maluta, artist in residence at viadellafucina16 since a few weeks already.

The opening will be on Tuesday 31st of October, at 5:30 pm.

Sunday November 5th, at 6 pm, viadellafucina16 will be inside ARTISSIMA bringing a public moment of debate and reflection with the members of the Scientific Committee: Luisa Perlo (A.Titolo), Ilaria Bonacossa, Mario Cristiani, Ilda Curti, Alessandra Pioselli, Anna Pironti, Pier Luigi Sacco, Catterina Seia and Brice Coniglio (ConiglioViola), creator and artistic director of the project.

We also invite you to take a look at the pages dedicated to KaninchenHaus by Artribune Magazine 39 that enrich the press of the project. You can find it here: http://viadellafucina16.kaninchenhaus.org/press

More important news are to come, we will reveal them on day by day basis on the http://facebook.com/viadellafucina16.

 

Arte al femmminile a Rancate – DIVINA CREATURA

DIVINA CREATURA
La donna e la moda nelle arti del secondo Ottocento

Sede: Pinacoteca cantonale Giovanni Züst, Rancate (Mendrisio), Canton Ticino, Svizzera; piccolo museo-gioiello, famoso per le sue mostre, sempre raffinate e sorprendenti.

Date: 15 ottobre 2017 – 28 gennaio 2018

A cura di: Mariangela Agliati Ruggia, Sergio Rebora e Marialuisa Rizzini.

Sessanta sculture e dipinti assolutamente affascinanti.

E, per corredo, una sequenza di ventagli d’autoredipinti cioè da grandi artisti, spesso i medesimi che ritraevano le “belle Signore” – e un nucleo di preziosi abiti d’epoca.

Se il tutto si volesse proprio ancorare ad una data, si potrebbe individuarla nel 1858, l’anno in cui a Parigi esplose l’Haute Couture di Worth, subito amplificata e diffusa dai primi Grand Magasins che spopolano nelle principali metropoli europee.

Veicolano offerte molto differenziate per il pubblico femminile e fanno si che l’”essere alla moda” diventi l’imperativo condiviso nella seconda metà dell’Ottocento dalle donne di pressoché tutti i ceti sociali.

La circolazione di figurini e di molte riviste illustrate, tra cui la celebre “Margherita”, l’irrompere della fotografia, specie nel formato carte de visite, i celebri affiches di Sartorie e Grandi Magazzini, portano a diffondere la moda, in modo molto capillare.

Sono anni in cui si consolida il ruolo della donna, ora anche protagonista al di fuori delle pareti domestiche.

Attentissima al proprio ruolo sociale e alla immagine che contribuiva a veicolarlo.

Pur presentando alcuni favolosi abiti d’epoca e un nucleo di ventagli firmati da Giovanni Segantini, Gaetano Previati, Federico Zandomeneghi, Giuseppe De Nittis, Pompeo Mariani e Pietro Fragiacomo, la Pinacoteca Züst sceglie di illustrare questo felice momento storico ricorrendo alle testimonianze che i grandi artisti ci tramandano attraverso le loro magnifiche opere.

Ed è soprattutto attraverso il ritratto su commissione che è possibile seguire le rapide e sorprendenti evoluzioni dell’abbigliamento femminile: i personaggi effigiati, sia che appartengano all’aristocrazia, ancora assai influente anche come esempio di gusto, o alla borghesia, posano per i pittori e gli scultori vestiti e acconciati con attenzione nei confronti dei dettami imposti dalla moda ma anche, assecondando sottili strategie comportamentali, in modo da mostrarsi in sintonia con il proprio preciso ruolo sociale.

Spesso i modelli sono rappresentati da donne simbolo, a cominciare dalla regina d’Italia, Margherita di Savoia, o da figure appartenenti all’aristocrazia internazionale distinte grazie alla propria eleganza, come, per restare nel Cantone Ticino, la contessa Carolina Maraini Sommaruga (1869-1959). Alla sua personalità emblematica verrà dedicata una sezione apposita, ponendo un’attenzione particolare alle attività filantropiche della contessa, che la portarono ad esempio a donare la sua villa romana alla Confederazione, oggi sede dell’Istituto Svizzero, che presterà il suo ritratto realizzato da Vittorio Corcos.

E’ la prima volta che la figura di Carolina Maraini viene ampiamente trattata e presentata in una mostra: in questa occasione si ricostruirà anche nei dettagli l’ambiente in cui viveva (abiti, accessori, mobilio, ma anche opere di celebri artisti che la ritrassero come Marino Marini e Giovanni Boldini).

Negli anni del realismo, accanto a Bertini – caposcuola il cui ruolo appare oggi non ancora pienamente riconosciuto – tra i ritrattisti più significativi in tal senso si ricordano almeno Domenico e Gerolamo Induno, Eleuterio Pagliano, Mosè Bianchi, Antonio Ciseri, Tranquillo Cremona, Ernesto Fontana, in una mappa che attraversa le regioni d’Italia e travalica il confine elvetico.

Negli anni che scivolano verso la fine del secolo non si parla ormai più di fenomeno di moda solo attraverso l’abbigliamento, ma anche attraverso la gestualità, le movenze, la dizione, in una parola: lo stile.

Sono interpreti di questo rinnovato ritratto mondano maestri celebrati anche Oltralpe, come Giovanni Boldini, Paul Troubetzkoy, Vincenzo Vela, Vittorio Corcos, Giacomo Grosso, oltre ai ticinesi Pietro Chiesa, Luigi Rossi e Adolfo Feragutti Visconti.

Accanto al ritratto, negli anni del realismo è la pittura di genere a documentare con efficacia iconografica ed esemplare obbiettività l’evoluzione della moda femminile, ma anche le più diffuse tipizzazioni dei ruoli.

Dopo il 1860 in pittura si moltiplicano le scene di ambientazione quotidiana e borghese, ispirate a momenti di vita familiare in cui è protagonista, come si diceva, la donna. Si tratta di composizioni che sullo sfondo di interni domestici o di strade cittadine o di paese rappresentano figure femminili impegnate nei lavori ad ago, nella lettura, nella conversazione, nel passeggio, in riposo, con i figli.

Di ciascuna, molto spesso, gli artisti restituiscono l’abbigliamento con dettagliata cura perfino negli accessori, in modo da permettere allo spettatore di seguire, di anno in anno, le minime mutazioni di gusto, trasformando la moda in uno degli elementi che determinano la modernità dell’opera.

Questo filone, che si ispira alla pittura internazionale lanciata dalla Casa d’Arte Goupil e che trova i suoi vertici in maestri quali Ernest Meissonier e Mariano Fortuny, accomuna la sperimentazione degli artisti di tutte le scuole regionalistiche italiane e di quella del Cantone, dai Macchiaioli – tra cui Antonio Puccinelli e Odoardo Borrani – ai cosiddetti italiani a Parigi come Giovanni Boldini.

Come detto, sarà per la prima volta studiato e proposto un genere specifico, quello dei ventagli eseguiti da artisti: accessori femminili di primissimo piano per tutto il diciannovesimo secolo, alcuni dei quali portano firme illustri.
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Informazioni:
Pinacoteca cantonale Giovanni Züst

ENTRATA 10 franchi

Chiuso il lunedì;  nel giorni di apertura sempre chiuso dalle ore 12 alle 14.
CH-6862 Rancate (Mendrisio), Canton Ticino, Svizzera
Tel. +41 (0)91 816 47 91; decs-pinacoteca.zuest@ti.ch; www.ti.ch/zuest

 

“Divina creatura, … grazie al suo focus sulla contessa di origini ticinesi, si aggiunge un nuovo tassello al tema trasversale, quasi un fil rouge, che caratterizza negli anni il programma espositivo della Pinacoteca: la donna nell’arte, presentata o come soggetto o essa stessa artista.

Ricordiamo La donna ticinese nel ritratto, Doni d’amore. Donne e rituali nel Rinascimento e Leggere, leggere, leggere!, dove molte erano le figure femminili ritratte, anche da Albert Anker nella sezione a lui dedicata, mentre, per le donne artiste, possiamo citare le mostre sulla pittrice Rosetta Leins e sulla ceramista Raffaella Columberg, o la recente donazione di opere di Valeria Pasta Morelli, che confluiranno in una mostra nel 2018.
Un contributo essenziale, quello della Pinacoteca Züst, sulle presenze femminili nel mondo dell’arte, ancora oggi purtroppo poco rappresentate”. RAFFAELLA CASTAGNOLA ROSSINI

PRESENTAZIONE DI RAFFAELLA CASTAGNOLA ROSSINI
Direttrice della Divisione della cultura e degli studi universitari (DCSU)

Ritratti femminili

Il 2016 è stato un anno indubbiamente significativo per la Pinacoteca cantonale Giovanni Züst, caratterizzato dalle celebrazioni per il cinquantesimo anniversario della donazione al Cantone Ticino della collezione di dipinti da parte del mecenate basilese, che ha portato alla nascita dell’istituto museale cantonale.

La ricorrenza ha offerto lo spunto per valorizzare relazioni e scambi con altri due musei elvetici (l’Antikenmuseum und Sammlung Ludwig di Basilea e l’Historisches und Völkerkundemuseum di San Gallo), anch’essi beneficiari di un lascito di Giovanni Züst.

È stato un momento importante per il Dipartimento dell’educazione, della cultura e dello sport, che ha voluto promuovere la ricerca sulla figura del donatore e sostenerne il giubileo con un volume monografico e una giornata di studio.

Già da tempo l’attività espositiva della Pinacoteca si è distinta per l’affermarsi di interessanti collaborazioni al di là dei confini cantonali e per la contestualizzazione delle ricerche e delle mostre in un più ampio raggio territoriale: la costante e intelligente volontà di ampliare lo sguardo oltre la cultura locale – a partire dal prezioso nucleo della sua collezione – ha fatto dell’ubicazione della Pinacoteca nel Mendrisiotto il punto di forza per i contatti con l’Italia, senza trascurare di tessere anche quelli a settentrione.

La Pinacoteca ha sovente presentato tematiche regionali quale aggancio per far conoscere e approfondire quelle internazionali. Viceversa, prendendo spunto da correnti e vicende artistiche internazionali, o dal settore del collezionismo, ha permesso di scoprire o rileggere artisti e creazioni del territorio ticinese.

Tale caratteristica apertura dal Ticino lungo i tracciati europei è confermata, anzi, addirittura estesa con originalità, nella mostra Divina creatura, dove nel contesto più ampio del tema della moda nell’Ottocento lo sguardo si spinge nella Roma novecentesca, seguendo il percorso di una nobildonna ticinese, Carolina Maraini-Sommaruga. L’esposizione avvicina indirettamente il pubblico alla storia di un’altra istituzione elvetica, internazionale e di grande importanza per il Ticino: l’Istituto Svizzero di Roma con sede a villa Maraini, donata alla Confederazione proprio dalla contessa, che con la sua attività l’aveva già resa un centro intellettuale e sociale. L’Istituto figura anche tra i prestatori di opere, con il ritratto di Carolina.

È interessante pensare che, parallelamente ai ritratti d’artista ancora molto richiesti nell’Ottocento, soprattutto in ambito pittorico, nello stesso periodo nasceva la fotografia.

Questa nuova arte, utilizzata in funzione rappresentativa, avrà uno sviluppo e una diffusione capillare fra tutti i ceti sociali, anche meno abbienti di quelli in mostra a Rancate. A differenza del ritratto pittorico, in declino.

Nel Ticino si conservano alcuni archivi fotografici a testimonianza di questa evoluzione.

Ricordiamo, ad esempio, il recupero e la valorizzazione dell’Archivio Donetta di Corzoneso, che in altre occasioni ha già collaborato con la Züst ed è stato ospitato nel 2015-2016 dall’allora Museo cantonale d’arte: anche in queste fotografie, l’abito e l’accessorio, ancorché di più modesta fattura rispetto a quelli in mostra, assurgono a protagonisti e testimoni di un’epoca, quasi più eloquenti e disinvolti degli stessi soggetti ritratti.
Per la mostra Divina creatura è stato invece coinvolto un altro archivio ticinese: l’approfondimento della figura della contessa Carolina Maraini-Sommaruga è stato infatti possibile grazie al lavoro dell’Associazione Archivi Riuniti delle Donne Ticino (AADRT), che raccoglie, cataloga e promuove i documenti riguardanti personalità femminili ticinesi, attive in diversi settori (culturali, sociali, pedagogici, politici).
Sempre nell’ambito della promozione di fondi d’archivio, la Divisione della cultura e degli studi universitari, tramite il Sistema per la valorizzazione del patrimonio culturale, ha realizzato nel 2015 il portale “Sàmara”, una piattaforma online di ricerca unificata nelle banche dati di istituti culturali. Dopo una prima fase di collaborazione con il Sistema bibliotecario ticinese, nel 2016 vi hanno aderito la Pinacoteca Züst con il catalogo della sua collezione, la Fonoteca nazionale svizzera, il Dizionario storico svizzero e l’Archivio di Stato con i suoi fondi fotografici. Altri istituti sono ormai pronti per condividere la propria documentazione.
Tornando alla mostra Divina creatura, è utile sottolineare come, anche grazie al suo focus sulla contessa di origini ticinesi, si aggiunge un nuovo tassello al tema trasversale, quasi un fil rouge, che caratterizza negli anni il programma espositivo della Pinacoteca: la donna nell’arte, presentata o come soggetto o essa stessa artista. Ricordiamo La donna ticinese nel ritratto, Doni d’amore. Donne e rituali nel Rinascimento e Leggere, leggere, leggere!, dove molte erano le figure femminili ritratte, anche da Albert Anker nella sezione a lui dedicata, mentre, per le donne artiste, possiamo citare le mostre sulla pittrice Rosetta Leins e sulla ceramista Raffaella Columberg, o la recente donazione di opere di Valeria Pasta Morelli, che confluiranno in una mostra nel 2018.
Un contributo essenziale, quello della Pinacoteca Züst, sulle presenze femminili nel mondo dell’arte, ancora oggi purtroppo poco rappresentate.

Arte a Pisa – ESCHER

ESCHER
Oltre il possibile

13 ottobre 2017 – 28 gennaio 2018
PALAZZO BLU di Pisa

Dal 13 ottobre 2017 fino al 28 gennaio 2018,  BLU | Palazzo d’arte e cultura ospita la mostra “Escher”, realizzata da MondoMostre e Fondazione Palazzo Blu, con il contributo della Fondazione Pisa, e la collaborazione del Gemeentemuseum Den Haag, Arthemisia e M.C. Escher Foundation, a cura del professor Stefano Zuffi, storico dell’arte e grande conoscitore di M.C. Escher.

La mostra presenterà una completa rassegna di tutti gli ipnotici, sorprendenti e spiazzanti capolavori del grande olandese, con il contributo di alcune curiose soluzioni espositive progettate dall’architetto Cesare Mari e grazie all’uso delle tecnologie e della multimedialità, una delle caratteristiche delle esposizioni organizzate a Palazzo Blu. Insieme al fascino coinvolgente del mondo di Escher, la mostra è l’occasione per ripercorrere le tappe della creatività dell’artista, soffermandosi in modo particolare sui lunghi e decisivi soggiorni in Italia, tra scenari naturali e memorie artistiche che segnarono in modo profondo il suo stile.

Il giovane Escher studia a Delft e ad Haarlem, storiche città d’arte dell’Olanda: il suo maestro è un incisore ebreo sefardita, Samuel Jessurun de Mesquita, che incontrerà un triste destino ad Auschwitz. Su suo consiglio, Escher comincia ad apprezzare l’arte matematica-razionale della tradizione ebraica e islamica, confrontandola con i movimenti dell’avanguardia europea. Nel corso degli anni Venti e Trenta intraprende numerosi viaggi in Italia, in particolare visita diverse città della Toscana. Organizzare una mostra di Escher a Pisa, la cui Università è da secoli un punto di riferimento internazionale nelle ricerche matematiche e scientifiche, è dunque anche un’occasione per interrogarsi sulle possibili fonti d’ispirazione della sua creatività.
Pur rimanendo a lungo un attento interprete del paesaggio, Escher esplora sempre più a fondo gli orizzonti dell’illusione visiva, attraverso composizioni di carattere geometrico o con la creazione di architetture “impossibili”.

Insieme a una selezione straordinaria di oltre cento opere di Escher, i visitatori troveranno alcune testimonianze dei secoli precedenti, in larga parte provenienti da Pisa stessa: frammenti marmorei con decorazioni in stile cosmatesco, tarsie lignee con la rappresentazione di solidi geometrici, le incisioni di G.B. Piranesi con architetture fantastiche e prospettive suggestive.

La mostra sarà anche il contesto ideale per gli incontri di approfondimento culturale e scientifico del progetto “Anelli, ghirlande e scale: l’illusione e il paradosso di Gödel, Escher, Bach”, che prende il nome da uno dei libri cardine del pensiero computazionale scritto dal filosofo e matematico statunitense Douglas Hofstadter. Il progetto, a cura del Dipartimento di Informatica dell’Università di Pisa e di Fondazione Sistema Toscana, nell’ambito delle iniziative previste per Internet Festival 2017, intende apportare un contributo speciale alla mostra dell’artista olandese, mettendo in risalto, attraverso incontri ed eventi con matematici, informatici, musicisti e storici dell’arte, la complessità e la ricchezza culturale e scientifica in cui si collocano le esplorazioni infinite e le geometrie paradossali di Escher. Gli eventi in programma avranno luogo presso il Teatro Verdi durante l’evento Internet Festival e presso l’Auditorium del Palazzo d’Arte e Cultura di Pisa e saranno ad ingresso libero.

La mostra si articola in nove sezioni: Volti, Animali, Oggetti e riflessi, Geometrie e ritmi, Paesaggi, L’artista, Architetture fantastiche, Nature, Autoritratti.

1- Volti
La prima sezione presenta alcune delle più precoci prove espressive di Escher: sono le incisioni su linoleum eseguite tra i diciannove e i vent’anni, prima ancora di entrare nella Scuola di Architettura e di Arti Decorative ad Haarlem. Il giovanissimo artista, evidentemente ancora alle prime armi, si esercita sul tema del volto umano, con profili semplificati e sagome ben definite. Nel ritratto femminile di profilo utilizza uno sfondo a righe verticali che ricorda da vicino le geometrie essenziali proposte in Olanda dal gruppo “de Stijl”. L’opera-chiave di questa sezione è la grande xilografia del 1922, nella quale Escher, utilizzando una tecnica complessa, combina ritmicamente otto volti diversi, dal sapore vagamente Art Nouveau, per ottenere un incastro geometrico. È uno dei più precoci esempi della soluzione espressiva che caratterizzerà decisamente lo stile maturo di Escher.

2- Animali
Questa sezione è dominata da un’opera monumentale: Metamorfosi II (1939), il cui sviluppo di quasi quattro metri di lunghezza è prodotto dall’accostamento di venti diversi fogli di stampa. Evoluzione di una prima versione (anch’essa in mostra), la lunga striscia combina diversi soggetti attraverso una serie di passaggi inaspettati e di impressionante virtuosismo tecnico e creativo. Escher introduce anche un’insolita nota di colore: partendo da un’essenziale geometria, arriva fino a un complesso paesaggio ispirato alla costiera amalfitana. Le altre opere di questa sezione mostrano una varietà di osservazioni verso la vita animale, fino alla lucida analisi raccapricciante della rana mummificata, in cui pare di cogliere l’eco delle incisioni di Dürer sugli esseri “mostruosi”. Le stampe realizzate intorno ai vent’anni mostrano un artista ancora acerbo ma con uno sguardo divertito e partecipe. Questo gusto ironico si ritrova anche in opere successive: una mantide religiosa sembra raccogliersi in preghiera davanti alla tomba di un vescovo tra le arcate di una chiesa surreale, mentre nella Marcia dei rettili le lucertole prendono vita direttamente tra gli oggetti dello studio dell’artista.

3- Oggetti e riflessi
Sono raccolte in questa sezione alcune esemplari incisioni che appartengono a momenti diversi della carriera di Escher, e che sono accomunate dall’appartenenza al genere classico della “natura morta”. Proprio per la loro sequenza cronologica, permettono di conoscere varie fasi della creatività dell’artista. La più antica, realizzata nel 1917 con la tecnica dell’incisione su linoleum, appartiene alla fase della formazione ma mostra subito di Escher l’interesse per le superfici riflettenti. La xilografia con il liuto appartiene alla serie dei 24 Emblemata, accompagnati da motti in latino e in neerlandese realizzate a Roma. Il lavoro appartiene alla tradizione olandese seicentesca dei “Sinnepoppen”, le immagini simboliche moraleggianti. In questo caso, forse, si può cogliere un vago richiamo politico alla crescente pressione del fascismo. Il liuto è appoggiato contro un angolo, e la scritta in latino allude alle voci che tacciono quando sono oppresse. Le altre due opere sono celebri esempi del virtuosismo tecnico di Escher. La Natura morta con specchio mostra il riflesso di uno scorcio di Siena, città amatissima dall’artista, mentre la Goccia ripropone il tema della superficie riflettente convessa, che Escher riprende consapevolmente da Van Eyck e da Parmigianino, ma che spinge a nuovi orizzonti espressivi.
4- Geometrie e ritmi
Escher ha sempre affermato di non sentirsi un matematico, ma un artista, rivendicando giustamente una dimensione creativa e poetica anche nelle opere che appaiono più razionali: “Vedere due mondi diversi nello stesso identico luogo e nello stesso tempo ci fa sentire come se fossimo in balìa di un incantesimo. Solo un artista ci può dare questa illusione e suscitare in noi una sensazione eccezionale, un’esperienza dei sensi del tutto inedita”. Un esempio caratteristico è offerto da Stelle, la celebre litografia del 1948, dove nel cielo notturno fluttuano diversi solidi regolari ispirati alle illustrazioni leonardesche della Divina Proportione di Luca Pacioli.
Anche in questa sezione si possono individuare diversi momenti. Le incisioni più antiche ricordano gli effetti decorativi della tradizione araba e medievale: un utile ponto di confronto può essere costituito dai motivi a mosaico geometrico dorato nelle transenne marmoree romaiche provenienti dal Museo del Duomo di Pisa. La ricerca di un ipnotico effetto d’infinito è ben rappresentata da una delle incisioni più celebri di Escher, Sempre più piccolo, del 1956.

5- Paesaggi
Escher prova intensamente il fascino del paesaggio italiano: tra il 1922 e il 1935, durante gli anni trascorsi in Italia, ha compiuto numerosi viaggi, con una forte predilezione per le regioni meridionali, dalla Costiera amalfitana alla Calabria, dall’Abruzzo alla Toscana, dalla Sicilia alla Corsica. Frutto di questi viaggi, spesso avventurosi e disagevoli, sono alcune meravigliose incisioni di paesaggio, in cui Escher solo di rado ricorre alle vedute tradizionali, consolidate fin dall’epoca del Grand Tour, e sceglie invece scorci del tutto personali. Pur nell’aderenza alla realtà, Escher coglie gli aspetti dell’inscindibile fusione tra natura e architettura. È significativo che nei suoi paesaggi non compaia mai nessuna figura umana.

6- L’Artista
In questa sezione della mostra, da intendere come un omaggio alla dimensione squisitamente artistica di Escher, sono esposte alcune immagini-simbolo della sua produzione: una serie di dodici piccole litografie del 1921 (proprio il periodo del giudizio negativo dei professori), che appare quasi come un repertorio di modelli su cui esercitarsi; il grande occhio che osserva e trasforma la realtà; le mani che disegnano sé stesse, in un’ipnotica celebrazione dell’abilità tecnica. Va notato che le due mani sono una destra e una sinistra, e sono state probabilmente eseguite da Escher (che era mancino) utilizzando uno specchio. Per usare le stesse parole dell’artista, “La mano è uno strumento miracolosamente raffinato, l’intermediario tra lo spirito e il soggetto”.

7- Architetture fantastiche
Le straordinarie architetture di Escher sfidano le regole della prospettiva classica, e talvolta sono modulate con le deformazioni della visione curva, come nel caso della celebre Balconata del 1945. Anche se Escher non le cita esplicitamente mai, è molto probabile che una fonte d’ispirazione siano le settecentesche Carceri d’invenzione di Giovan Battista Piranesi, la serie di sedici visioni architettoniche di drammatici ambienti con scale, pilastri, volte che si intersecano in modo cupo e suggestivo: in mostra ne vengono proposti alcuni esempi, in confronto con opere come Sopra e sotto e Relatività.

8- Nature
In questa sezione sono raccolte prevalentemente incisioni di soggetto botanico, realizzate lungo un arco di tempo di oltre trent’anni. La sequenza comprende anche uno degli Emblemata, la serie di ventiquattro soggetti simbolici realizzati nel 1931, commentati da motti in latino e in olandese.
L’ultima incisione di questa sezione, Tre mondi, realizzata nel dicembre del 1955, è un capolavoro che illustra ancora una volta il tema del fluire continuo della natura.

9- Autoritratti
Negli anni della maturità e del successo, Escher afferma che “l’ideale del vero artista consiste nel produrre una riflessione cristallina di sé stesso”. Presente in mostra la Mano che sorregge una sfera specchiante (o Autoritratto in uno specchio sferico), una delle ultime opere eseguite dall’artista prima di lasciare l’Italia nel 1935, è una delle immagini più celebri di Escher, quasi il simbolo della sua intera attività.

Arte a Torino – OGR oltre 50.000 visitatori

OGR TORINO: È STATO UN VERO “BIG BANG”

OLTRE 50.000 VISITATORI IN DUE SETTIMANE

 

I concerti di The Chemical Brothers e Atomic Bomb! Hanno chiuso  il “Big Bang” delle OGR, le due settimane gratuite di musica e arte organizzate dalla Fondazione CRT in occasione dell’inaugurazione del nuovo hub della creatività e dell’innovazione di Torino. Grandissima la partecipazione di pubblico. Nelle Officine Nord è già iniziato l’allestimento della mostra “Come una Falena alla Fiamma” che inaugurerà il 3 novembre; l’installazione di William Kentridge e l’opera di Arturo Herrera continueranno a essere visitabili tutti i giorni.

 – È stato un vero e proprio Big Bang per le OGR, le nuove Officine Grandi Riparazioni di Torino. Oltre 50.000 persone hanno partecipato al grande opening lungo due settimane, dal 30 settembre al 14 ottobre, organizzato dalla Fondazione CRT per festeggiare la riapertura della storica “cattedrale” di architettura industriale recuperata e restituita alla città con una nuova missione: dalla riparazione dei treni alla generazione delle idee.

Sono stati 12 mila gli spettatori dei concerti gratuiti che, per tre sabati consecutivi, hanno visto alternarsi sul palco Giorgio Moroder, Elisa, Ghali, Omar Souleyman, Danny L Harle, The Chemical Brothers e il super gruppo Atomic Bomb! – per l’occasione con la partecipazione di Samuel.

Sono 40.000invece le persone che hanno potuto ammirare i progetti site-specific a firma di tre protagonisti delle arti visive contemporanee: l’installazione realizzata dall’artista sudafricano William Kentridge, “Procession of Reparationists”, nella Corte Est delle OGR, “Track”, opera dell’artista venezuelano Arturo Herrera e “Tutto Infinito”, un paesaggio futuristico rivestito di terra rossa e animato da totemiche sculture pensate e realizzate da Patrick Tuttofuoco in collaborazione con i piccoli ospiti di CasaOz e con il network ZonArte.

I visitatori delle OGR hanno apprezzato anche l’area di “Snodo”, il nuovo punto di aggregazione con due ristoranti, un’area lounge, un cocktail bar ed uno smart bar con il “social table” dalla lunghezza record di 25 metri.

Partecipazione da record anche per le attività proposte dal network ZonArte – sostenuto dalla Fondazione per l’Arte Moderna e Contemporanea CRT –  che ha accolto i visitatori in un suggestivo viaggio di scoperta all’interno delle OGR: incontri di formazione per insegnanti e professionisti, workshop per gli studenti delle Università e Accademie, programmi per i giovani e per le scuole, anche nell’ambito dei percorsi di alternanza scuola-lavoro, fino al Family (Sun)Day che ha richiamato una folla di famiglie entusiaste, con oltre 10 mila persone nella seconda domenica del Big Bang.

Da oggi l’installazione di William Kentridge e l’opera di Arturo Herrera saranno visitabili tutti i giorni (lunedì-mercoledì dalle 7 all’1 di notte, giovedì-sabato dalle 7 alle 2 di notte, domenica dalle 8 a mezzanotte), mentre gli spazi delle Officine Nord rimarranno chiusi al pubblico per l’allestimento di Come una Falena alla Fiamma, Like a Moth to a Flame, il  grande progetto espositivo che inaugurerà il prossimo 3 novembre, realizzato da OGR Torino, in collaborazione con Fondazione Sandretto Re Rebaudengo. La mostra sarà firmata da tre curatori internazionali d’eccezione: Tom Eccles, direttore del Center for Curatorial Studies del Bard College di New York, Mark Rappolt, redattore capo della rivista inglese Art Review, e l’artista britannico Liam Gillick. Nella tradizionale Contemporary Art Week di Torino, la Sala Fucine delle OGR ospiterà il festival Club To Club con i live di Richard Russell, Artetetra, Kamasi Washington, Powell & Wolfgang Tillmanns e, dal 4 al 7 novembre, The Catalogue 1-2-3-4-5-6-7-8, lo show antologico dei Kraftwerk con due concerti al giorno in 3D: un vero e proprio evento che, prima di approdare alle OGR, è stato ospitato in alcuni luoghi-simbolo dell’arte mondiale, tra cui il MoMA di New York, la Tate Modern di Londra, il Guggenheim di Bilbao.

 

Arte a Vienna – If it’s too long-make it longer

Thomas-Bayrle-$ cartone-con-automobiline-1980
Thomas-Bayle-Eurocheque-1973 – particolare

Thomas Bayrle

If it’s too long-make it longer

Curatori:   Nicolaus Schafhausen, Bärbel Vischer.

Nella sua mostra personale che riflette la collezione MAK, Thomas Bayrle (nato a Berlino nel 1937) unisce le tecniche artigianali tradizionali con l’arte generata dal computer; esplorando l’ambivalenza dell’arte, dell’artigianato e dell’industria e generando sue proprie forme caleidoscopiche.

Con il progetto di Bayrle, il MAK diventa l’arena per una nuova interazione tra arte e artigianato, artista e tessitore.

La mostra è accompagnata dalla pubblicazione Musterzeichner , curata da Christoph Thun-Hohenstein, Nicolaus Schafhausen e Bärbel Vischer, con testi di Spyros Papapetros, Nicolaus Schafhau-sen, Christoph Thun-Hohenstein e Bärbel Vischer (tedesco / inglese).
 
Questa mostra è stata prodotta in collaborazione con Phileas – Un Fondo per l’Arte Contemporanea .

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Dal 25.10.2017- al 02.04.2018

GALLERIA MAK – Vienna – Austria.

UN MUSEO APERTO ANCHE A BAMBINI E FAMIGLIE CON UN RICCO PROGRAMMA; QUI SOTTO ILLUSTRATO

 

Apertura

Mar, 24.10.2017, ore 19.00
Sulla mostra
Christoph Thun-Hohenstein , Direttore Generale, MAK
Nicolaus Schafhausen , curatore
Bärbel Vischer , curatore

L’artista sarà presente

Apertura
Thomas Drozda , Ministro federale per le arti e la cultura, la Costituzione e i media

Visita guidata

Visite guidate regolari
fino al 10.12.2017: sabato, ore 14 e dom, ore 15.00
dal 16.12.2017: Sab, ore 14.00

Visita della MAK e della mostra
Mar, ore 18.00

Dialogo Tour

Mar, 14.11., Ore 20.00
con Thomas Bayrle ei curatori Nicolaus Schafhausen e Bärbel Vischer

Curatori COME GUIDE

Gio, 25.1.2018, ore 16.00
Tue, 6.2.2018, ore 19.00
Sab, 27.2.2018, ore 19.00
con il curatore Nicolaus Schafhausen

Gio, 9.11, 16.00
Gio, 7.12., 16.00
Mar, 19.12., Ore 19.00
Ven, 9.3.2018, ore 16.00
con curatore Bärbel Vischer

 MAK Design Kids
Laboratorio da 8 a 12 anni (non accompagnati)
Commissione di partecipazione: € 8
Numero limitato di partecipanti
Sab, 04.11.2017, 14.00 – 16.00 Si prega di registrarsi
Sab, 16.12.2017, 14.00 – 16.00 Si prega di registrarsi
Sab, 31.03.2018, 14.00 – 16.00 Si prega di registrarsi
Sab, 03.03.2018, 14.00 – 16.00 Si prega di registrarsi
Thomas e le mele digitali
L’artista Thomas Bayrle utilizza un numero infinito di immagini in miniatura per costruire i suoi collage impressionanti, che egli definisce “superformi”. Nel laboratorio esploreremo queste immagini, costituite da smartphone, autostrade e mele. Poi ogni bambino farà la propria superforme: dotata di iPads, cercheremo i MAK per gli oggetti, le fotografiamo, e poi usiamo una app speciale per disegnare un ornamento unico e personale con loro. Il risultato: un’opera d’arte e un foglio di carta da imballaggio che puoi portare a casa con te!

MAK4FAMILY

Laboratorio per tutta la famiglia (età 4 anni e più)
Tassa di partecipazione: € 4,50 per bambino
Ammissione ridotta per gli adulti che accompagnano
Sab, 11.11.2017, 14.00 – 16.00 Si prega di registrarsi
comprare comprare BAYRLE
Tutto in abbondanza – nel lavoro di Thomas, tutto appare più di una volta. Molte mele, un sacco di automobili, un sacco di autostrade, un sacco di coppe. MINI MAK vi mostrerà un sacco di opere dell’artista Thomas Bayrle nella speranza che vi daranno un sacco di ispirazione per le tue opere.
Sab, 24.03.2018, 14.00 – 16.00 Si prega di registrarsi
JAM TRAFFICO ALTA PASSATA
Che si tratti di automobili o dati, sta scorre e cresce – e tutto si intreccia. Dopo un tour guidato della mostra Thomas Bayrle, tesseremo strutture e campi da cartone, carta e corda.

GIOVEDI AL MAK

Mer, 15.11.2017, ore 15.00 Si prega di registrarsi
THOMAS BAYRLE Se è troppo lungo, farlo più a lungo
Tour attraverso la mostra, seguita da un’ulteriore discussione al ristorante Salonplafond.

Tour MINI MAK

Visita guidata per tutta la famiglia (età 4 anni e più)
Tassa di partecipazione: € 3,50 per bambino
Ammissione ridotta degli adulti che accompagnano
Dom, 19.11.2017, ore 11.00 Si prega di registrarsi
Motif Matrix Money
Visita guidata attraverso tutto il museo in cerca di motivi e matrice.
Dom, 21.01.2018, ore 11.00 Si prega di registrarsi
Un sacco di un po ‘fa qualcosa di grande!
Mele, sedie, strade e intersezioni che seguono Thomas Bayrle per tutto il MAK

MINI MAK in Avvento

Laboratorio per tutta la famiglia (età 4 anni e più)
Tariffa per i materiali € 2,00 per bambino e giorno
Ammissione ridotta per gli adulti che accompagnano
Sab, 02.12.2017, 14.00 – 16.00 Si prega di registrarsi
Sab, 09.12.2017, 14.00 – 16.00 Si prega di registrarsi
Sab, 16.12.2017, 14.00 – 16.00 Si prega di registrarsi

Arte a Bologna – IMPREVEDIBILE

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Il futuro è già presente

al Centro Arti e Scienze di Marino Golinelli a Bologna

“Imprevedibile, essere pronti per il futuro senza sapere come sarà”

Ha aperto il 13 ottobre, la mostra inaugurale del nuovissimo Centro Arti e Scienze del collezionista, imprenditore e filantropo Marino Golinelli; progetto di M. Cucinella.

Alla base dle progetto della mostra e del nuovo Centro Arti e Scienze, sta il dialogo tra il linguaggio dell’arte e quello della scienza.

Curatori: Cristiana Perrella e Giovanni Carrada.

Imprevedibile coinvolge circa una ventina di artisti internazionali dai nomi famosi come:  Ai Weiwei, Martin Creed, Christian Jankowski e Yinka Shonibare, solo per citarne alcuni.

Ma ci sono anche molti artisti italiani come: Elena Mazzi e Sara Tirelli, Flavio Favelli, Martino Gamper, tra i tanti.

Una mostra che non dà risposte (qui dicono sia voluto), dare risposte sarebbe forse troppo impegantivo?, ma semplicemente parla di temi cruciali, ora tanto di moda, come:

-la raccolta dei dati, l’analisi di questi ultimi

-la possibilità di influenzare e controllare conferita a chi li amministra; siano governi o aziende

-i cambiamenti climatici

-la relazione tra tradizione e innovazione.

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Bologna// dal 13 ottobre 2017 al 4 febbraio 2018

IMPREVEDIBILE, essere pronti per il futuro senza sapere come sarà

A cura di Giovanni Carrada e Cristiana Perrella

Centro Arti e Scienze Golinelli
Opificio Golinelli, via Paolo Nanni Costa, 14, BOLOGNA.

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