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varie d’arte scuole, manifestazioni ecc..

Ceramica a Como – Decorare con gli ingobbi – teoria e pratica sul tema

Decorare con gli ingobbi – teoria e pratica sul tema

1.  Mercoledì 22.11.17 dalle ore 20 -22.30

Incontro introduttivo teorico:

Cos’è un ingobbio, quali sono le sue caratteristiche, in che modo e per cosa si applica?

Partecipanti: minimo 4 e massimo 6

Costo: 30 Euro a persona

Prenotazioni entro 7 giorni dalla data dell’incontro

per e-mail

2. Lunedì 27.11.17 dalle ore 19.30 – 22.30 ca.

Passiamo alla pratica:

Applichiamo vari ingobbi sulle superfici crude … 

a) … di piastrelle o piccoli oggetti in gres bianco preparati da me

b) …. e/o in alternativa: di manufatti preparati per questo scopo da voi. Nel caso desiderate portare oggetti di vostra lavorazione, dovete assolutamente considerare che:

•  il materiale utilizzato dovrà essere gres, ciò è adatto alla cottura a 1230 °C

• le superfici dei vostri pezzi dovranno essere ancora leggermente umide (“consistenza cuoio”): quindi non troppo umide e non del tutto asciutte.

Partecipanti: minimo 4 e massimo 6

Costo: 60 Euro a persona (sono compresi i materiali e la prima cottura).

I pezzi biscottati saranno successivamente smaltati (trasparente) da me; cottura a 1230°C.

A secondo del numero/dimensione dei pezzi, il contributo per la smaltatura varierà da 15- 25 Euro.

Prenotazioni entro 7 giorni dalla data dell’incontro

per e-mail

Tedesca di origine, vivo da 30 anni in provincia di Como, e ad ancora più tempo risale la mia passione per la ceramica. Nel 2012 ho concluso un corso quinquennale presso la Staatl. Fachschule für Keramikgestaltung Höhr-Grenzhausen (Istituto di Stato per il Design delle Materie Ceramiche), con la qualifica di  Designer di Materie Ceramiche e formatrice professionale nel settore. Il mio atelier a Como in Via Borsieri 16 è aperto dal 2013, nell’edificio dell’antico monastero di Santa Margherita.

Cell.: 349 241 2583

Venezia Museo d’Arte Orientale da non perdere

 

Porcellane con complessi disegni e intarsi

Raffinatissime armi e relativi contenitori: dai pugnali alle aste da guerra

Qui trovate una delle più importanti collezioni mondiali di arte giapponese del Periodo Edo 1614-68

Il Museo d’Arte Orientale è ospitato nell’immenso palazzo della famiglia Pesaro a San Stae, affacciato sul Canal Grande. Linea batteli n° 1.

Più di 30.000 pezzi: spade e pugnali, armature giapponesi, delicate lacche, preziose porcellane, avori, giade e altro, provenienti anche da Cina, Siam, Cambogia ecc…

INDIRIZZO: 

Ca’ Pesaro, sestiere di Santa Croce; sul Canal Grande. Santa Croce, 2076
Tel-fax: 39 041 5241173
E-mail: pm-ven.orientale@beniculturali.itServizi di accoglienza
Orari di apertura Martedì a Domenica: 10.00 – 17.00dal 1 novembre al 31 marzo
10.00 – 18.00 dal 26 marzo al 31 ottobre
La vendita dei biglietti termina un’ora prima della chiusura.
Chiusura completa nei giorni:
Lunedì, 1 gennaio, 1 maggio, 25 dicembreSi avvisano i visitatori che lunedì 28 marzo 2016 (Lunedì dell’Angelo) il museo rimarrà aperto dalle ore 10.00 alle ore 18.00

 

Ingresso Biglietto integrato con la Galleria Internazionale d’Arte Moderna
Biglietto intero:
€ 10.00
Biglietto ridotto: € 7.50In base alla Convenzione fra Fondazione Musei Civici e Soprintendenza speciale la biglietteria della Galleria Internazionale d’Arte Moderna garantisce anche le gratuità sottoelencate previste dalla vigente normativa statale con visita limitata al solo Museo d’Arte Orientale.

Biglietto gratuito:
residenti nel Comune di Venezia, bambini da 0 a 5 anni
minori di 18 anni U.E. (i minori di 12 anni devono essere accompagnati)
– studenti e docenti universitari U.E. delle facoltà di Architettura, Conservazione dei Beni Culturali, Scienze della formazione, iscritti ai corsi di laurea in Lettere o materie con indirizzo Archeologico, Storico-Artistico delle facoltà di Lettere e Filosofia, iscritti alle Acccademie di Belle Arti
– dipendenti del Ministero dei Beni e Attività Culturali
– membri ICOM (International Council of Museums)
– diversamente abili U.E. accompagnati da un familiare o da un assistente socio-sanitario
– giornalisti
– studenti e insegnanti di scuole pubbliche e private U.E.
– guide turistiche con patentino nell’esercizio della propria attività
– interpreti turistici con patentino quando affiancano una guida

Arte e gioielli indiani a Venezia – Spettacolari gioielli a Palazzo Ducale

Stupefacente collezione di antichi gioielli indiani

Grandi diamanti, rubini e smeraldi, oggetti d’oro ricoperti di gemme, giade e cristalli di rocca, spade e amuleti

Tesori dei Moghul e dei maharaja : la Collezione Al Thani

Per la prima volta in Italia, le gemme e i gioielli indiani dal XVI al XX secolo della Collezione Al Thani

270 oggetti esposti a Palazzo Ducale

Sino al 13 gennaio 2018

Cinquecento anni di storia dell’arte orafa

La mostra è promossa dalla Fondazione Musei Civici di Venezia.

I pezzi della mostra sono provenienti dalla collezione voluta da sua altezza lo sceicco Hamad bin Abdullah Al Thani, membro della famiglia reale del Qatar.

Dall’antichità, la raffinatissima tradizione artigiana e l’intensità degli scambi di merci preziose tra India e Occidente,  si è mantenuta nei secoli, sino a quando i maharaja, nawab e nizam commissionarono gioielli e preziosi oggetti alle maison europee, come la famosissima Cartier.

 

Le mostre d’arte generano mostri ? Più marketing che cultura ?

L’arte oggi è una catena di montaggio soprattutto dedita a fare cassa ?

“mostre blockbuster”, allestite sempre con gli stessi nomi di grande richiamo: Caravaggio e Leonardo, gli impressionisti, Van Gogh, Picasso, Dalí e Warhol …  diecimila mostre l’anno in italia !!!

Due critici polemizzano, forse anche a ragione e spiegano il loro punto di vista

Capolavori messi a rischio per sbancare i botteghini ?

Mostri giganti in plastica, dominano piazze e interni di musei, ma è arte vera ?

E’ ancora accettabile fare arte con mezzi altamente inquinanti come la plastica ? Aggiugiamo noi.

CONTRO LE MOSTRE; libro di Tommaso Montanari e Vincenzo Trione.

Rispettivamente: Montanari, insegna Storia dell’arte alla Federico II di Napoli e collabora con Repubblica, Trione scrive sul Corriere della Sera e Io donna e insegna arte allo Julm di Milano, inoltre ha curato il Padiglione Italia nella 56a edizione della Biennale di Venezia..

Ovviamente, nel libro si fanno le distinzioni tra una buona mostra, che serve per arricchire culturalmente chi la visita, e quelli che vengono definiti “show d’arte”.

Questo ultimi quando, prima si decide cosa fare e poi si cerca di trovare un perché; invece dell’operazione inversa.

Secondo gli autori si parla troppo di marketing nelle mostre e meno di cultura come occasione di apprendimento e vera ricerca.

SOSPETTO O IRONIA ?
Anche questo libro è un’operazione di marketing per far discutere e vendere ?

CONTRO LE MOSTRE, Tommaso Montanari e Vincenzo Trione, Einaudi

Appuntamento a Milano il 19 novembre al Museo di Storia Naturale di Milano – Dalla carta e dalla luce

Dalla carta e dalla luce. Il giardino è aperto

Con Alessandra Angelini e Paolo Cottini. A cura di Cento Amici del Libro

Alessandra Angelini

Museo di Storia Naturale di Milano

19 Novembre 2107
 
Ore 13.00

Milano Music Week 2017 – Le Cannibale in collaborazione con il PAC

In occasione della Milano Music Week 2017
Le Cannibale in collaborazione con
il PAC Padiglione d’Arte Contemporanea di Milano
 
Venerdì 24 Novembre 2017
h. 22:00 – 02:00
LE CANNIBALE al PAC
SOUNDHERITAGE
Durante la prima Milano Music Week, Le Cannibale propone un evento speciale presso il PAC Padiglione d’Arte Contemporanea di Milano all’interno della mostra “Io, Luca Vitone”, dedicata ai trent’anni di carriera dell’artista genovese che vede riuniti alcuni dei suoi progetti principali.
Partendo dall’architettura, fisica e storica, dei luoghi, Vitone analizza una dimensione personale costruita attraverso la stratificazione di diversi linguaggi legati all’identità e alle radici del luogo stesso. Come un viaggiatore curioso e instancabile, con uno spirito a metà tra l’anarchico e il nomade, il suo lavoro esplora i modi in cui i luoghi costruiscono la loro identità attraverso la cultura: arte, musica, architettura, politica e minoranze etniche.
In questo contesto, focalizzando l’attenzione sulla capacità di racconto intrinseca nella musica, Le Cannibale invita il duo Boot & Tax e la dj Paquita Gordon a spingersi oltre ai confini abituali dell’idea di djset, cimentandosi con la descrizione di un vero e proprio soundscape  – un paesaggio evocato tramite la musica – all’interno della mostra al PAC.
Analizzando le proprie radici e la propria biografia, due interpretazioni di latitudini differenti del concetto di djing si cimenteranno con la costruzione di due racconti sonori che ripercorrano il rapporto tra luoghi e suoni, identità e memoria, tra storia dei filoni musicali e quella personale di ciascun artista, raccontando contemporaneamente l’evoluzioni dei ritmi e della sonorità delle città (natie o d’adozione) che hanno segnato la storia di ognuno, e quella delle radici sonore che hanno contaminato l’influenza delle medesime nella costruzione del proprio marchio di fabbrica sonoro.
La Milano Music Week costituisce un ponte tra Milano e l’Europa, esplorando non solo quello che la nostra città “riceve” in termini di offerta dal resto del continente, ma anche quello che offre e come questa duplice dimensione di creatrice e ricettrice si articola attorno alla città stessa. Ecco quindi che, in occasione di questo evento speciale, Le Cannibale esplora l’influenza tra le realtà locali, l’Europa e la città di Milano – mai come adesso preda di un grande fermento, una vera e propria esplosione culturale che vede il capoluogo lombardo affacciarsi sempre più frequentemente nel cosmo delle città produttrici e non solo importatrici di suoni.
EVENTO UFFICIALE:
MORE INFO:
Biglietti € 14 in vendita al PAC e online Viva Ticket
 
 
ARTISTI  
 
PAQUITA GORDON (Il Vulcano / IT)
Francesca Faccilongo è nata e cresciuta a Milano, laureata nella facoltà di Media, Art and Design presso la University of Westminster. Per alcuni anni apprende l’arte del cinema lavorando come assistente alla regia e montatrice al fianco di cineasti come Pippo Delbono, Luca Guadagnino e Carlo Vanzina. Nel frattempo consolida un interesse per la musica, e con alcuni amici forma il collettivo AV-Netwerk sviluppando progetti artistici a Roma, Berlino e Venezia, dove si esibisce in un DJ set di cinque ore in Piazza San Marco presso la fondazione Bevilacqua La Masa in supporto all’installazione fotografica ‘CLUBNIGHT#2 meets AVNetwerk’ di Riccardo Banfi. In Sicilia tra il 2013 e il 2015 costituisce l’associazione culturale il Vulcano dirigendo quattro edizioni delle rassegne musicali ‘Stereocybele’ e ‘Capofaro Space & Sound’ sulle isole di Pantelleria e Salina. Nell’estate del 2016 a Stromboli cura una rassegna radiofonica di dodici ore che include, tra le altre, le partecipazioni musicali di Roberto Cacciapaglia e Gigi Masin, oltre a presentare ‘Paroxysm’, un live sperimentale basato sui field recordings vulcanici eseguito da Robert Lippok e Giuseppe Cordaro. Paquita Gordon, viaggia con le sue sacche dei dischi come ambasciatrice del suono analogico, proponendo una selezione di vinili dal groove vivo che mette d’accordo l’orecchio di molteplici generazioni di ascoltatori. Il suo talento nell’utilizzo dei giradischi l’ha portata a condividere la consolle con celebri artisti e ad esibirsi in musei e centri culturali come l’Institute of Contemporary Art di Londra e Pirelli Hangar Bicocca a Milano per l’inaugurazione della XXI Esposizione Internazionale della Triennale di Milano “21st Century Deisgn After Design”; Consolida la collaborazione con la Triennale eseguendo una performance durante l’inaugurazione della Design Week 2017 con il progetto esclusivo “Italian Music. Antologia in vinile a cura di Paquita Gordon”. Ha partecipato nel 2016 al tour internazionale del musicista David August, nel 2017 ha fatto parte della line up di Circoloco al DC10 di Ibiza.
BOOT & TAX (Optimo Trax / IT)
Boot & Tax sono Claudio Brioschi (noto come dj con l’alias Brioski) e Christian Croce (The Barking Dogs, Le Macchine) artisti italiani con carriere soliste alle spalle che hanno trovato un riconoscimento e una dimensione europea nel fondare questo progetto parallelo nel 2013. É la label britannica di JD Twitch Optimo Trax che crede con convinzione, per prima, nel progetto dei due artisti milanesi pubblicando l’ep “Acido”. Boot & Tax viene poi “adottato” da importanti figure quali Erol Alkan e Andrew Weatherall che forniscono un ulteriore ‘endorsement’ all’ ep inserendone le tracce nei set suonati in giro per l’europa. Ecco dunque che la frase “acido” ripetuta ipnoticamente diventa l’anteprima del sound che contraddistingue il progetto, una miscela di disco dalle tinte cosmiche e referenze all’italia, al suo folklore (si veda la successiva “fusci”), con ammiccamenti sonori e continue suggestioni che collocano di diritto l’universo sonoro del progetto in una dimensione orgogliosamente nazionale. Boot & Tax rappresenta l’avanguardia disco italiana all’estero, un progetto che rielabora la lezione dei decani del genere che durante gli anni 70 e 80 hanno esportato l’eccellenza italiana fuori dai confini nazionali, contaminandola con sonorità tribali e derive cosmiche

TEATRINO DI PALAZZO GRASSI – Venerdì 17 novembre -Ingresso libero

Ingresso libero sino ad esaurimento posti
Venerdì 17 novembre, ore 18.00  
TEATRINO DI PALAZZO GRASSI
Palazzo Grassi, Campo San Samuele, 3231, 30124 Venezia
Il filosofo Peter Sloterdijk al Teatrino per un incontro alla scoperta di Treasures from the Wreck of the Unbelievable. 
Il grande pensatore tedesco sarà protagonista di una conversazione sull’estetica nell’arte contemporanea insieme al giornalista Stefano Vastano.
Incontro in tedesco con traduzione simultanea in italiano.
Ingresso libero sino ad esaurimento posti.
Il Teatrino di Palazzo Grassi prosegue l’esplorazione dei contenuti della mostra Treasures from the Wreck of the Unbelievable, in corso sino a domenica 3 dicembre, con una nuova iniziativa speciale, rivolta a fornire occasioni di riflessione e inedite chiavi di lettura al pubblico.
Venerdì 17 novembre il grande filosofo e saggista tedesco Peter Sloterdijk incontra il pubblico del Teatrino per una riflessione sull’arte contemporanea, a partire dal progetto espositivo di Damien Hirst. Introduce e modera il giornalista Stefano Vastano.
Peter Sloterdijk è stato professore di filosofia ed estetica alla Hochschule für Gestaltung di Karlsruhe, di cui è stato anche rettore dal 2001, e ha insegnato all’ Accademia di Belle Arti di Vienna.
La sua attenzione di carattere antropologico nei confronti delle arti è stata espressa in una serie di saggi, con incursioni nei diversi linguaggi estetici, in particolare nella raccolta L’imperativo estetico. Scritti sull’arte (Raffaello Cortina Editore, 2017).
L’incontro intende sviluppare queste tematiche, interrogarsi cioè “sull’imperativo estetico”, offrendo una visione inedita, collaterale, ma profondamente connessa alla nostra civiltà, dell’universo immaginifico costruito da uno dei principali artisti della scena contemporanea, quale è Damien Hirst.
La mostra sarà il punto di partenza per analizzare il discorso artistico del XXI Secolo, i suoi mutamenti a livello mercantilistico, i suoi valori e la narrazione stessa degli eventi legati al mondo dell’arte, nell’era digitale. I due interlocutori cercheranno infine di tracciare un quadro sullo status dell’arte, le realtà espositive e il dispositivo mostra nel contesto delle crisi recenti e violente di un mondo sempre più globalizzato.
Il calendario completo della stagione culturale è disponibile sul sito di Palazzo Grassi, alla pagina “calendario”.  www.palazzograssi.it
partner istituzionale:

Corso ceramica a Como – Decorare con gli ingobbi mercoledì 22 – lunedì 27 novembre 2017

Decorare con gli ingobbi – teoria e pratica sul tema

1.  Mercoledì 22.11.17 dalle ore 20 -22.30
Incontro introduttivo teorico:
Cos’è un ingobbio, quali sono le sue caratteristiche, in che modo e per cosa si applica?
Partecipanti: minimo 4 e massimo 6
Costo: 30 Euro a persona
Prenotazioni entro 7 giorni dalla data dell’incontro
per e-mail

2. Lunedì 27.11.17 dalle ore 19.30 – 22.30 ca.
Passiamo alla pratica:
Applichiamo vari ingobbi sulle superfici crude …
a) … di piastrelle o piccoli oggetti in gres bianco preparati da me
b) …. e/o in alternativa: di manufatti preparati per questo scopo da voi. Nel caso desiderate portare oggetti di vostra lavorazione, dovete assolutamente considerare che:
•  il materiale utilizzato dovrà essere gres, ciò è adatto alla cottura a 1230 °C
• le superfici dei vostri pezzi dovranno essere ancora leggermente umide (“consistenza cuoio”): quindi non troppo umide e non del tutto asciutte.
Partecipanti: minimo 4 e massimo 6
Costo: 60 Euro a persona (sono compresi i materiali e la prima cottura).
I pezzi biscottati saranno successivamente smaltati (trasparente) da me; cottura a 1230°C.
A secondo del numero/dimensione dei pezzi, il contributo per la smaltatura varierà da 15- 25 Euro.
Prenotazioni entro 7 giorni dalla data dell’incontro
per e-mail

Tedesca di origine, vivo da 30 anni in provincia di Como, e ad ancora più tempo risale la mia passione per la ceramica. Nel 2012 ho concluso un corso quinquennale presso la Staatl. Fachschule für Keramikgestaltung Höhr-Grenzhausen (Istituto di Stato per il Design delle Materie Ceramiche), con la qualifica di  Designer di Materie Ceramiche e formatrice professionale nel settore. Il mio atelier a Como in Via Borsieri 16 è aperto dal 2013, nell’edificio dell’antico monastero di Santa Margherita.

Agnes Duerrschnabel – atelier di ceramica e design
via Borsieri, 16 – Como – ITALY
info@agnesduerrschnabel.it -www.agnesduerrschnabel.it

Cell.: 349 241 2583

Galleria Campari a Sesto – Apertura gratuita – HQs Gruppo CAMPARI

Galleria Campari
ricco calendario di visite guidate gratuite su prenotazione
   
partecipa alla
 
XVI Settimana della Cultura d’Impresa.
I linguaggi della crescita: impresa, cultura e territorio.
10 – 24 novembre 2017
 
 
Apertura gratuita, prenotazione obbligatoria
 
 
HQs Gruppo CAMPARI
Sesto S. Giovanni | Viale Gramsci, 161
Galleria Campari aderisce per il quinto anno consecutivo alla Settimana della Cultura d’Impresa , iniziativa promossa da Confindustria e organizzata da Museimpresa che prevede un articolato programma di eventi su tutto il territorio nazionale per vivere in prima persona la storia del nostro Paese attraverso il patrimonio culturale custodito dai Musei e Archivi delle imprese.
Da venerdì 10 a venerdì 24 novembre 2017 Galleria Campari offrirà al pubblico un ricco calendario di visite guidate gratuite su prenotazione così organizzate: dal martedì al venerdì alle ore 15.30 e alle 17.00, sabato 11 novembre 2017 alle ore 10.00, 11.30, 14.00, 15.30, 17.00; sabato 18 novembre alle ore 15.30 e 17.00.
Galleria Campari, nell’ambito delle visite alla scoperta del museo aziendale, declina il tema di questa edizione, “I linguaggi della crescita: impresa, cultura e territorio”, ponendo l’accento sull’evoluzione del linguaggio pubblicitario del brand dalla fine dell’Ottocento ai giorni nostri. Il percorso guidato permetterà inoltre di raccontare il radicato rapporto dell’azienda con il territorio milanese e quello sestese sui quali Campari opera da oltre 150 anni.
Aperta nel 2010, Galleria Campari è un museo aziendale interattivo e multimedialededicato al legame tra il marchio Campari e la sua comunicazione attraverso l’arte e il design, la sua storia e l’evoluzione del prodotto. Galleria Campari deve la propria forza all’unicità e alla ricchezza dell’Archivio storico, vero e proprio giacimento culturale trasversale, che raccoglie oltre 3.000 opere su carta, affiche originali della Belle Époque, manifesti e grafiche pubblicitarie di artisti del calibro di Leonetto Cappiello, Marcello Dudovich, Fortunato Depero, Franz Marangolo, e  Ugo Nespolo.
Nell’ottica di promuovere e diffondere la politica culturale delle imprese italiane, Galleria Campari aderisce all’iniziativa di Confindustria e Museimpresa, ponendosi tra le eccellenze meneghine che rappresentano l’ampia e diversificata proposta culturale della città.
Tutte le informazioni sui luoghi della cultura aperti e sulle iniziative promosse in occasione della XVI Settimana della Cultura d’Impresa, saranno disponibili sul sito di Museimpresa.
Galleria Campari
La Galleria Campari, nata nel 2010 in occasione dei 150 anni di vita dell’azienda, è un museo aziendale di nuovissima concezione: uno spazio dinamico, interattivo e multimediale, interamente dedicato al rapporto tra il marchio Campari e la sua comunicazione attraverso l’arte e il design.
Il progetto nasce nell’ambito della riscrittura architettonica e funzionale dello storico stabilimento di Sesto San Giovanni, fondato da Davide Campari nel 1904. Tra il 2007 e il 2009 il complesso è stato interamente trasformato, con un progetto dell’architetto Mario Botta, per la realizzazione dei nuovi Headquarters del Gruppo Campari e del museo aziendale.
La Galleria Campari deve la propria forza all’unicità e alla ricchezza dell’Archivio storico, vero e proprio giacimento culturale trasversale, che raccoglie oltre 3.000 opere su carta, soprattutto affiche originali della Belle Époque, ma anche manifesti e grafiche pubblicitarie dagli anni ‘30 agli anni ‘90, firmate da importanti artisti come Marcello Dudovich, Leonetto Cappiello, Fortunato Depero, Franz Marangolo, Guido Crepax e Ugo Nespolo; caroselli e spot di noti registi come Federico Fellini e Singh Tarsem; oggetti firmati da affermati designer come Matteo Thun, Dodo Arslan, Markus Benesch e Matteo Ragni.
Quella di Campari è una storia fatta di brillanti intuizioni, di campagne pubblicitarie raffinate, di una strategia comunicativa all’avanguardia che ha vestito il prodotto di arte e design e ha saputo associarlo alla cultura e alla creatività italiane: la visita alla Galleria Campari è una totale immersione sensoriale nei principi di vitalità e proiezione verso il futuro che da sempre hanno caratterizzato il marchio. Le opere sono esposte sia in originale sia in versione multimediale, rielaborate da giovani Interaction Designer (Cogitanz) utilizzando modalità digitali quali un video-wall con 15 schermi dedicati ai caroselli dagli anni ‘50 agli anni ‘70, 8 proiettori in alta definizione che proiettano su una parete di 32 metri manifesti d’epoca animati, video dedicati ad artisti, immagini tratte dai calendari Campari e spot pubblicitari dagli anni ‘80 a oggi. Infine un tavolo interattivo con 12 schermi touch screen consente di fruire gran parte del vasto patrimonio artistico dell’azienda.
Galleria Campari ha da poco lanciato un’APP per smartphone che consente ai visitatori e al pubblico in generale, di poter fruire di approfondimenti sui contenuti in esposizione, di ulteriori contenuti aggiuntivi e di informazioni sempre aggiornate.
La Galleria offre servizi di prestito a musei ed esposizioni; di consulenza storico-critica a sostegno dei progetti curatoriali che includano materiale della collezione Campari; di visite guidate per privati, studenti ed esperti del settore.
Dal 2013, la sede del Gruppo ha destinato uno spazio anche all’arte contemporanea e ad alcune delle più interessanti voci dell’arte del nostro tempo: il Campari Wall è uno speciale spazio di dialogo con gli artisti, in collaborazione con gallerie prestigiose e vetrina per talenti creativi italiani e internazionali.
La Galleria Campari è uno spazio suggestivo ma anche un centro di ricerca e produzione culturale, che riassume in sé molto di ciò che ha fatto grande Milano e il nostro Paese: l’arte, il design e la capacità di fare impresa, dove l’innovazione poggia sulle solide basi offerte dalla tradizione.
 
 
Informazioni Utili:
 
Galleria Campari
HQs Gruppo Campari
Viale Gramsci, 161
Sesto S. Giovanni (MI)
T. 02 62251
 
Visite guidate gratuite e su prenotazione
Dal martedì al venerdì
Mattino: visite per gruppi (minimo 15 persone) su prenotazione. Ore 10.00 e 11.30.
Pomeriggio: visite su prenotazione. Ore 14.00, 15.30 e 17.00.
 
Ogni secondo sabato del mese
Visite su prenotazione: ore 10.00, 11.30, 14.00, 15.30 e 17.00.  
Ogni primo martedì del mese
Apertura serale con visita su prenotazione: ore 20.00.

LAC Lugano Arte e Cultura – Sabato 11 novembre 2017 Sala Teatro

Focus India | Danza

LuganoInScena presenta

Shantala Shivalingappa
“Akasha”

sabato 11 novembre 2017, ore 20.30, Sala Teatro
LAC Lugano Arte e Cultura

Programma completo su:
india.laclugano.ch

Shantala Shivalingappa è una delle massime interpreti contemporanee del Kuchipudi, uno dei sette stili di danza classica indiana che si basa sul Natya Sastra, un rigoroso trattato risalente a duemila anni fa. Il Kuchipudi è caratterizzato da una notevole fluidità nel movimento del busto e delle braccia, in contrasto con rapidi e secchi movimenti dei piedi. Si tratta di una vera e propria disciplina che richiede al contempo una tecnica e un’espressività eccezionali.

Lo spettacolo che presenta al LAC s’intitola Akasha che in hindi significa “cielo”; il termine sanscrito indica invece l’etere o lo spazio, ed è utilizzato per riferirsi all’essenza delle cose che appartengono al mondo materiale. “Si dice che l’Akasha abbia origine da una sorta di vibrazione sonora che genera energia e movimento. Si manifesta in diversi modi e può essere percepito a diversi livelli. A partire dallo spazio intorno a noi, che ci circonda e che contiene tutto ciò che conosciamo, per finire con una forma più sottile che si colloca oltre la dimensione spazio-temporale: l’infinito, l’indefinibile, lo spazio dell’Essere. Inconcepibile dalla mente, impercettibile dai sensi, pervade, abbraccia e contiene tutto ciò che esiste.” Attraverso la sua coreografia, Shantala interpreta questo concetto per dare vita a uno spettacolo capace di coinvolgere ed emozionare tutti gli spettatori. “Akasha è la luce e l’origine di tutto. Attraverso le vibrazioni generate dal suono e dal movimento, da questa energia pura e senza tempo, nasce lo spazio infinito che può espandersi dentro di noi, senza confini.”

INCONTRO CON L’ARTISTA

Domenica 12 novembre, alle ore 14:00, Shantala incontrerà il pubblico prima della proiezione del cortometraggio Bhairava (2017) e del documentario Shantala (2017) a lei dedicati.

 

INFORMAZIONI SPETTACOLO “AKASHA”
Sabato 11.11.2017 | ore 20:30 | Sala Teatro LAC
LuganoInScena
Shantala Shivalingappa: coreografia/direzione artistica/interpretazione
J. Ramesh: voce
B. P. Haribabu, N. Ramakrishnan: cimbali/percussioni
K. S. Jayaram: flauti
Una produzione Compagnia Shantala Shivalingappa
 

I PROSSIMI HIGHLIGHTS DI FOCUS INDIA

Concerto di Nishat Khan
Sabato 18.11.2017 | ore 17:00 | Sala Teatro
LuganoMusica
In co-produzione con LAC Lugano Arte e Cultura
Nishat Khan è riconosciuto in tutto il mondo come uno dei più importanti suonatori di sitar del nostro tempo, capace di varcare i confini nazionali grazie alla sua straordinaria capacità espressiva e all’incredibile padronanza tecnica dello strumento. Nell’ambito del progetto Focus India, LuganoMusica e LAC Lugano Arte e cultura presentano il concerto di Nishat Khan, celebre e acclamato musicista indiano che è già stato definito dalla stampa internazionale “il più elegante suonatore di sitar della nuova generazione.”

“Rising” di Aakash Odedra
Sabato 16.12.2017 | ore 20:30 | Sala Teatro
LuganoInScena
In co-produzione con LAC Lugano Arte e Cultura
La danza contemporanea di oggi incontra lo stile della danza indiana tradizionale nel lavoro del danzatore angloindiano Aakash Odedra, del quale Rising è uno degli spettacoli più applauditi. Rising comprende tre diversi lavori di altrettanto importanti coreografi contemporanei, operativi soprattutto nel nord Europa. Accanto a queste tre coreografie, Aakash propone anche Nritta, una sua creazione di danza tradizionale indiana Kathak, come per negoziare con le convenzioni della tradizionale danza classica indiana la necessità di una continua, aperta e rinnovata ricerca di compatibilità fra le culture.