Archivi categoria: vedere i grandi capolavori

capolavori d’ arte

Arte a Milano – Imerdibile Albrecht Dürer

Dürer e il Rinascimento tra Germania e Italia

Albrecht Dürer

l’apice del Rinascimento tedesco

una pietra fondamentale nella storia dell’arte

Pittura, disegno, grafica: l’apice del Rinascimento tedesco finalmente a Milano. Con la firma di Albrecht Dürer (1471 – 1528).

Arriva a Palazzo Reale dal 21 febbraio 2018, in una magnifica e rappresentativa selezione di opere di Dürer e di alcuni dei suoi più importanti contemporanei tedeschi e italiani, la mostra

“Dürer e il Rinascimento tra Germania e Italia”, circa 130 capolavori dell’acmè del Rinascimento tedesco nel suo momento di massima apertura verso l’Europa, sia al Sud (soprattutto Italia settentrionale) sia al Nord (Paesi Bassi).

L’artista di Norimberga quindi, ma anche l’affascinante quadro di rapporti artistici tra nord e sud Europa tra la fine del Quattro e l’inizio del Cinquecento, il dibattito religioso e spirituale come substrato culturale delle opere di Dürer, il suo rapporto con la committenza attraverso l’analisi della ritrattistica, dei soggetti mitologici, delle pale d’altare, la sua visione della natura e dell’arte tra Classicismo e Anticlassicismo, la sua figura di uomo e le sue ambizioni d’artista: il tutto raccontato in una mostra che per la prima volta porterà a Milano a Palazzo Reale fino al 24 giugno 2018 capolavori del maestro tedesco e del suo tempo.

La mostra, promossa dal Comune di Milano – Cultura, è prodotta e organizzata da Palazzo Reale di Milano e 24 ORE Cultura – Gruppo 24 ORE, ed è curata dal Prof. Bernard Aikema, Professore di Storia dell’arte moderna all’Università di Verona, con la collaborazione del Dott. Andrew John Martin. La carriera di Albrecht Dürer fu sicuramente prolifica e segnò un momento di grande effervescenza in termini socio-economici, artistici, culturali e intellettuali nella Germania meridionale (“Oberdeutschland”).

L’esposizione porterà in Italia in un’unica sede una magnifica e rappresentativa selezione di capolavori di Dürer, che rivela le qualità intrinseche delle sue opere nelle varie categorie da lui praticate – pittura, disegno e grafica – evidenziandone il carattere innovativo dal punto di vista tecnico, semantico, iconografico. Nella mostra figureranno circa 130 opere principalmente del maestro del Rinascimento tedesco fra pitture, stampe grafiche e disegni– che nelle mani di Albrecht Dürer assumono un valore e una centralità nel processo creativo praticamente senza precedenti, come verrà evidenziato nella mostra con osservazioni e riflessioni nuove.

La collezione sarà affiancata da alcune opere significative di artisti tedeschi suoi contemporanei come:

-Lucas Cranach, Albrecht Altdorfer, Hans Baldung Grien da un lato, e dall’altro di grandi pittori, disegnatori e artisti grafici italiani della Val Padana fra Milano e Venezia, come Giorgione, Andrea Mantegna, Leonardo da Vinci, Andrea Solario, Giovanni Bellini, Jacopo de’Barbari, Lorenzo Lotto.

IL PERCORSO ESPOSITIVO.

La mostra si articolerà per sezioni tematiche.
Si comincerà con l’autore e il suo rapporto con Venezia e l’Italia. A partire dal 1490, Dürer infatti si misurò con le varie teorie artistiche recepite in Italia, elaborando le varie idee sull’imitazione della natura e dell’arte sul piano teorico, con trattati sulla proporzione, sulla prospettiva e altro, ma anche su quello della pratica artistica. Con queste attività, Dürer si posizionava nell’assoluta avanguardia artistica e intellettuale dei suoi tempi. E di questo parlerà la seconda sezione della mostra “Geometria, misura, architettura”.
L’osservazione delle regole dell’arte veniva controbilanciata, nell’arte di Dürer e dei suoi contemporanei, dalla registrazione meticolosa della natura. Anche in questa terza sezione – “Scoprire la natura, scoprire il mondo”, il contributo degli artisti tedeschi, Dürer in testa, si è rivelato fondamentale, alla pari di quello di Leonardo da Vinci e altri pittori e disegnatori nord-italiani.
La mostra proseguirà dando una visione della persona di Albrecht Dürer e degli altri protagonisti di questa incredibile stagione artistica. “La scoperta dell’individuo”: l’uomo, l’artista, l’individuo scoperto attraverso l’opera, che è l’immagine esterna, quella del ‘ritratto’. Nella quinta sezione della mostra, “Dürer incisore: l’apocalisse e i cicli cristologici”, si cercherà di sviscerare un aspetto particolarmente discusso sui vari atteggiamenti di Dürer e dei suoi contemporanei nei confronti del dibattito religioso e spirituale dei suoi tempi.
Si approda quindi al tema del “Il Classicismo e le sue alternative”, ultima sezione che chiude il percorso espositivo con una riflessione sul “sistema estetico” che ha caratterizzato questo importantissimo periodo storico. Il modello classico o classicheggiante, corrente vincente e prevalente in Italia ma altrettanto presente in Germania, viene messo in forse nel mondo artistico teutonico di quel momento, attraverso una ridiscussione dei temi classici con una contrapposizione di espressioni che crea un vero e proprio fenomeno ‘anticlassico’.
Il Rinascimento ‘classico’ dunque come apertura internazionale, vera e propria trasmissione di idee tra nord e sud Europa, epoca d’oro – soprattutto quella della fine del 1400/inizi 1500 – che regalò al mondo le opere di Dürer. L’artista di Norimberga rappresenta nei suoi capolavori l’esempio più riuscito di questo momento di massima apertura culturale, caratterizzata dalla grande diffusione di nuove idee filosofiche e dallo sviluppo di cambi di paradigma senza confine, men che meno geografico.

Dal 21 Febbraio 2018 al 24 Giugno 2018

MILANO

LUOGO: Palazzo Reale

CURATORI: Bernard Aikema

ENTI PROMOTORI:

  • Comune di Milano – Cultura

COSTO DEL BIGLIETTO: Intero € 12, Ridotto € 10

TELEFONO PER INFORMAZIONI: +39 0288445181

E-MAIL INFO: c.mostre@comune.milano.it

SITO UFFICIALE: http://mostradurer.it

Roma da non perdere – Borromini – San Carlo alle Quattro Fontane

Un vero gioiello dell’architettura 

Quando viaggiamo è bello cercare qualcosa di diverso dalle solite mete affollatisssime e scontate.

A Roma un capolavoro di Borromini, ci dà l’occasione di visitare San Carlo alle Quattro Fontane; un vero gioiello dell’architettura.

La chiesa fu progettata da un giovanissimo Borromini; architetto ticinese, che già mostrava tutto il suo genio.

Si era formato, come architetto, nel cantiere gotico del Duomo di Milano, ma poi era approdato a Roma in cerca di fortuna.

In questa chiesa si trova qualcosa di assolutamente nuovo:

-senso del movimento

-movimento continuo e circolare

-l’architrave irrompe nel timpano sopra l’altare maggiore, ne avvolge l’intera chiesa e dona una sensazione di respiro della cupola; come un polmone che si contraesse e si rilassasse davanti al visitatore con il capo all’insù …

-è l’inizio di qualcosa di nuovo.

Da non perdere !

 

Giappone del XIX secolo riscoperto nelle collezioni del MUSEC di Lugano

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Il Giappone del XIX secolo riscoperto al MUSEC di Lugano

Il museo MUSEC custodisce la collezione più grande al mondo di fotografie della Scuola di Yokohama

Il valore della collaborazione scientifica internazionale

Colmare un vuoto nella letteratura sulla definizione dei materiali pittorici usati nelle stampe e nelle fotografie giapponesi … blu di Prussia, d’importazione, utilizzato anche per fare i verdi o i viola … provato come i colori all’anilina, introdotti in Giappone verso il 1890, convivessero con i colori tradizionali … emporio commerciale olandese di Deshima, unica via di scambio con l’Occidente aperta dal 1603 al 1854 …

Il museo Musec è  un esempio virtuoso di progetto transfrontaliero sui Beni Culturali

1018 apertura Musec

TANTE SCOPERTE: cera d’api, per proteggere i colori delle antiche fotografie, sia per dare loro una luminosità sorprendente e affascinante …

MUDEC Lugano Analisi con raggi UV su una stampa xilografica 03

La ricerca condotta a Lugano dal Centro Speciale di Scienze e Simbolica dei Beni Culturali (CSBC) e dal Dipartimento di Scienza e Alta Tecnologia (DISAT) dell’Università degli Studi dell’Insubria su trenta opere delle collezioni giapponesi conservate al Museo delle Culture – MUSEC è inserita in un progetto sperimentale all’avanguardia e segna la strada per sviluppi futuri nell’ambito delle collaborazioni scientifiche internazionali antropologica.

La ricerca è stata supervisionata da Laura Rampazzi, direttrice del CSBS, e da

Moira Luraschi, responsabile delle collezioni giapponesi del MUSEC.

I risultati della ricerca sono confluiti in una tesi di laurea e, a breve, saranno editi in una pubblicazione del CSBS.

«Lo studio analitico delle prestigiose collezioni del MUSEC è stata una preziosa occasione per sperimentare alcune tecniche innovative di indagine non invasiva e portatile e di colmare un vuoto nella letteratura sulla definizione dei materiali pittorici usati nelle stampe e nelle fotografie giapponesi – dice Laura Rampazzi – I risultati sono stati eccezionali e molti pigmenti sono stati riconosciuti, ribadendo l’importanza della ricerca chimica per conoscere e conservare meglio il patrimonio artistico. Ogni fase della ricerca è stata condivisa con i curatori del MUSEC, con un approccio scientifico multidisciplinare che ancora una volta si è rivelato una cifra vincente del settore della conservazione dei beni culturali».

È anche un esempio virtuoso di progetto transfrontaliero sui Beni Culturali in grado di attrarre risorse significative. Un progetto che pone la Città di Lugano e il suo patrimonio d’arte al centro dello spazio europeo dell’investigazione.

Aggiunge Moira Luraschi:

«La collezione “Ceschin Pilone – Fagioli” custodita dal 2012 dal MUSEC è composta da 5’185 fotografie, tutte realizzate in Giappone fra il 1860 e il 1910 con la tecnica della stampa all’albumina e per lo più colorate a mano da artisti del tempo.

La Collezione è al centro di uno dei più importanti programmi di ricerca scientifica del MUSEC ed è stata oggetto di esposizioni a Lugano, Venezia, Napoli, Zurigo, Genova, Copenaghen e Parma. Per noi è una vera e propria “miniera” dalla quale attingere sempre nuovi spunti di ricerca e occasioni di collaborazioni internazionali, come quella prestigiosa e importante avviata con l’Università dell’Insubria».

 APPROFONDIMENTO

 

Blu di Prussia e cera d’api: il Giappone del XIX secolo riscoperto nelle collezioni del MUSEC di Lugano

Tecnologie all’avanguardia e ipotesi di studio suggestive.

Scoperte affascinanti e smentite sorprendenti.

C’è questo e molto altro ancora dietro le ricerche sperimentali condotte a Lugano dal Centro Speciale di Scienze e Simbolica dei Beni Culturali (CSBC) e dal Dipartimento di Scienza e Alta Tecnologia (DISAT) dell’Università degli Studi dell’Insubria su trenta opere delle collezioni giapponesi conservate al Museo delle Culture – MUSEC [stampe xilografiche (ukiyo-e), databili tra la fine del XVIII secolo e la metà del XIX, e fotografie all’albumina colorate a mano del periodo Meiji, tra il 1868 e il 1912].

Le analisi dei ricercatori hanno dimostrato che nel Giappone politicamente chiuso ai contatti con l’estero, tra il ’700 e l’800, era ampiamente diffuso un materiale di importazione come il blu di Prussia, utilizzato anche per fare i verdi o i viola.

E che sulle fotografie colorate all’albumina erano stesi leggerissimi strati di cera d’api, sia per proteggere i colori sia per dare loro una luminosità sorprendente e affascinante.

I ricercatori del CSBS e del DISAT hanno analizzato le opere con uno spettrofotometro infrarosso e uno visibile, affiancati da indagini di imaging e hanno identificato la composizione chimica dei pigmenti confrontando questi ultimi con quelli inseriti in una banca dati composta anche da pigmenti tradizionali giapponesi preparati a partire da cortecce, radici e frutti fatti arrivare appositamente da Tokyo.

Le informazioni così ottenute hanno permesso di approfondire la conoscenza non soltanto “chimica”, ma anche storico-culturale dell’uso dei colori nell’iconografia giapponese del XVIII-XIX secolo e di ampliare in modo ragguardevole le notizie sui materiali e le tecniche in uso.

Dalle analisi è emerso come il blu di Prussia fosse presente sia nelle stampe xilografiche (ukiyo-e) sia nelle fotografie all’albumina. È ragionevole quindi credere che il blu di Prussia non fosse solo il vezzo di un artista famoso come Hokusai (1760-1849), ma fosse invece diffuso anche tra gli artisti del “Giappone delle frontiere chiuse”.

Ciò significa pure che i giapponesi importavano sostanze coloranti europee, almeno dal Settecento, attraverso lo strettissimo imbuto costituito dall’emporio commerciale olandese di Deshima, unica via di scambio con l’Occidente aperta dal 1603 al 1854.

La ricerca ha colmato anche una notevole lacuna bibliografica relativa alle fotografie all’albumina giapponesi: è stato infatti provato come i colori all’anilina, introdotti in Giappone verso il 1890, convivessero con i colori tradizionali (senza cioè soppiantarli) almeno fino al 1906.

La coloritura realizzata dai maestri della pittura giapponese fa delle opere della Scuola di Yokohama il capitolo più eccellente della fotografia dell’Ottocento. E va ricordato che il MUSEC custodisce la collezione più grande al mondo di fotografie della Scuola di Yokohama, depositate a Lugano dalla Fondazione «Ceschin Pilone» di Zurigo.

musec

Villa Malpensata, via Giuseppe Mazzini 5, CH-6900 Lugano
Tel. +41 (0)58 866 6960, e-mail info@musec.ch, www.musec.ch 4/4

Mudec Lugano Analisi su una fotografia all’albumina 02
Mudec Lugano esame fotografia all’albumina 01

Didascalie foto :
01.Analisi spettrometriche effettuate su una fotografia giapponeseall’albumina. © 2017 MUSEC Lugano

02.Analisi realizzate con uno spettrofotometro su una fotografia giapponese all’albumina raffigurante una geisha sotto alberi di ciliegi in fiore.

© 2017MUSEC Lugano
03.Analisi con raggi ultravioletti effettuate su una stampa xilografica giapponese. © 2017 MUSEC Lugano

FOTO DI COPERTINA 04.Stampa xilografica giapponese in cui è stato rilevato il pigmento del blu di Prussia. L’opera risale al 1800 circa e raffigura un attore del teatro kabuki. © 2017 MUSEC Lugano.

 

Arte imperdibile a Milano – Caravaggio a Villa Reale

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Dal 28 settembre 2017 al 29 gennaio 2018

«Dentro Caravaggio»

A cura di Rossella Vodret

In occasione del VI centenario dalla morte di Caravaggio.

—  20 opere provenienti da tutto il mondo. Un’occasione unica per vedere i capolavori del maestro senza muoversi dall’Italia.

La mostra riunisce la carriera di un grande e controverso maestro dell’arte, dai suoi anni lombardi al soggiorno romano e napoletano, per arrivare a Malta e alla Sicilia. Solo 14 anni di una carriera “fulminante”, come la sua vita.

Caravaggio; uomo dalla vita inquieta e dai capolavori affascinanti,  capace di scandalizzare, forse, anche a distanza di 400 anni.

Dentro Caravaggio

Palazzo Reale

Nuovi orari prolungati per la mostra

Il 29 settembre 1571 nasce a Milano Michelangelo Merisi detto il Caravaggio, autore in poco meno di quindici anni – morirà nel 1610 dopo una vita burrascosa finita tragicamente – di un profondo rinnovamento della tecnica pittorica caratterizzata dal naturalismo dei suoi soggetti, dall’ambientazione realistica e dall’uso personalissimo della luce e dell’ombra.

Caravaggio sarà preso a modello da molti artisti del Seicento in Italia e in tutta Europa, al punto da far nascere il termine caravaggismo per definire la sua influenza che si protrarrà, con alterne vicende, sino all’Ottocento, anche se, alla grande fama in vita, era seguito un oblio di due secoli.

L’opera di Caravaggio è stata riscoperta e consacrata nel Novecento grazie agli studi di Roberto Longhi che nel 1951 gli dedicò una mostra epocale nel Palazzo Reale di Milano.

E Milano torna a omaggiare il grande artista con la mostra Dentro Caravaggio, sempre a Palazzo Reale con venti capolavori del Maestro riuniti qui per la prima volta tutti insieme.

Un’esposizione unica non solo perché presenterà al pubblico opere provenienti dai maggiori musei italiani e da altrettanto importanti musei esteri ma perché, per la prima volta le tele di Caravaggio saranno affiancate dalle rispettive immagini radiografiche che consentiranno al pubblico di seguire e scoprire, attraverso un uso innovativo degli apparati multimediali, il percorso dell’artista dal suo pensiero iniziale fino alla realizzazione finale dell’opera.

La mostra è promossa e prodotta da Comune di Milano–Cultura, Palazzo Reale e MondoMostre Skira, in collaborazione con il MIBACT Ministero dei Beni e delle Attività Culturali e del Turismo. Il Gruppo Bracco è Partner dell’esposizione per le nuove indagini diagnostiche. L’allestimento sarà progettato da Studio Cerri & Associati. La mostra è curata da Rossella Vodret, coadiuvata da un prestigioso comitato scientifico presieduto da Keith Christiansen e vuole raccontare da una prospettiva nuova gli anni della straordinaria produzione artistica di Caravaggio, attraverso due fondamentali chiavi di lettura: le indagini diagnostiche e le nuove ricerche documentarie che hanno portato a una rivisitazione della cronologia delle opere giovanili, grazie appunto sia alle nuove date emerse dai documenti, sia ai risultati delle analisi scientifiche, da diversi anni la nuova frontiera della ricerca per la storia dell’arte come per il restauro.

Saranno così presenti in mostra anche alcuni selezionati documenti, provenienti dall’Archivio di Stato di Roma e di Siena relativi alla vicenda umana e artistica di Caravaggio, che hanno cambiato profondamente la cronologia dei primi anni romani e creato misteriosi vuoti nella sua attività.

Mancano, infatti, notizie tra la fine del suo apprendistato presso Simone Peterzano nel 1588 e il 1592 quando compare a Milano in un atto notarile.

Così come l’arrivo a Roma è documentato solo all’inizio del 1596 e dunque rimane misteriosa la sua vicenda in questi otto anni, non pochi per un pittore che ha lavorato in tutto meno di quindici anni.

Tra i musei e le collezioni italiane che partecipano alla mostra ricordiamo: Galleria degli Uffizi, Palazzo Pitti e Fondazione Longhi, Firenze; Galleria Doria Pamphilj, Musei Capitolini, Galleria Nazionale d’Arte Antica-Palazzo Corsini, Galleria Nazionale d’Arte Antica-Palazzo Barberini, Roma; Museo Civico, Cremona; Banca Popolare di Vicenza; Museo e Real Bosco di Capodimonte e Gallerie d’Italia Palazzo Zevallos, Napoli.

Tra i prestiti più prestigiosi dall’estero: Sacra famiglia con San Giovannino (1604-1605) dal Metropolitan Museum of Art, New York; Salomé con la testa del Battista (1607 o 1610) dalla National Gallery, Londra; San Francesco in estasi (c.1597) dal Wadsworth Atheneum of Art di Hartford; Marta e Maddalena (1598) dal Detroit Institute of Arts; San Giovanni Battista (c.1603) dal Nelson-Atkins Museum of Art di Kansas City; San Girolamo (1605-1606) dal Museo Montserrat, Barcellona.

La tecnica di Caravaggio è stata oggetto di uno studio approfondito promosso dal MiBACT che, a partire dal 2009, in collaborazione con la Soprintendenza Speciale per il Polo Museale Romano e con l’Istituto Superiore per la Conservazione e il Restauro, ha analizzato attraverso una importante campagna di indagini diagnostiche le ventidue opere autografe presenti a Roma: “Sono emerse così – afferma la curatrice Rossella Vodret – alcune costanti nelle modalità esecutive di Caravaggio, ma sono venuti anche alla luce elementi esecutivi inaspettati e finora del tutto sconosciuti: dagli strati di pittura sono affiorate una serie di immagini nascoste.

Inoltre è stato sfatato il mito che Caravaggio non abbia mai disegnato, dacché sono apparsi tratti di disegno sulla preparazione chiara utilizzata nelle opere giovanili”.

Il cambiamento cruciale nella sua tecnica avviene nel 1600 quando Caravaggio viene chiamato a dipingere la Cappella Contarelli in San Luigi dei Francesi: primo incarico pubblico e su tele di grandi dimensioni.

Gli viene dato un solo anno di tempo per completare l’opera e un compenso all’epoca straordinario: 400 scudi.

Abituato a dipingere “tre teste” al giorno per appena un grosso l’una, come ci dicono le fonti documentarie, si può comprendere come questa commessa rappresenti una svolta fondamentale per la carriera e la vita dell’artista.

Nelle tele Contarelli la preparazione è scura, sempre in doppio strato, composta da terre di diverso tipo, pigmenti e olio.

In sostanza, Caravaggio parte dalla preparazione scura e aggiunge soltanto i chiari e i mezzi toni, dipingendo solo le parti in luce.

Di fatto non dipinge le figure nella loro interezza, ma solo una parte.  In tutto il resto del quadro non c’è nulla: il fondo scuro e le parti in ombra sono resi solo con la preparazione, non c’è pittura.

Attraverso le riflettografie e le radiografie, che penetrano in diversa misura sotto la superficie pittorica, si è potuto seguire il procedimento creativo di Caravaggio, i suoi pentimenti, rifacimenti, aggiustamenti nell’elaborazione della composizione. A tale proposito opera emblematica è il San Giovannino di Palazzo Corsini, dove le analisi ci permettono di leggere l’aggiunta di un agnello, simbolo iconografico poi eliminato.

Alla campagna di indagini eseguita tra il 2009 e il 2012 sulle opere romane di Caravaggio, a cura dell’Istituto Superiore per la Conservazione e il Restauro e dell’Opificio delle Pietre Dure, faranno seguito, grazie al sostegno del Gruppo Bracco, nuove importanti indagini diagnostiche sulle altre opere in mostra, comprese quelle provenienti dall’estero di cui, con un progetto congiunto Università degli Studi di Milano-Bicocca e CNR, verrà proposta in mostra una innovativa elaborazione grafica per renderle più leggibili al grande pubblico.

Comune di Milano – Cultura, Palazzo Reale, MondoMostre Skira

Musei . Google ve li mostra gratis !

Oggi già possiamo visitare le mostre d’arte più importanti, a costo zero, attraverso il Google Cultural Institute.

Con il Google Cultural Institute, possiamo vedere moltissime mostre online: dal British Museum al Museo Galilei di Firenze

QUESTO LINK MERITA LA VISITA DA PARTE DI OGNI APPASSIONATO D’ARTE:

http://www.google.com/culturalinstitute/home?hl=it

all’interno World Wonders per visitare i palazzo più famosi al mondo, con la possibilità di ingrandire i particolari e dovizia di foto storiche in occasioni di visite di monarchi e presidenti.

-57.000 opere d’arte digitalizzate

-430.000 gallerie personali create dagli utenti

-7,4 milioni di iscritti alla pagina Google+ dedicata all’arte project

-400 musei aderenti di 50 Paesi, tra cui: National Gallery, British Museum  e Tate Museum di Londra, Metropolitan di New York, Uffizi di Firenze, Musei Capitolini, Ermitage di San Pietroburgo e poi musei cinesi, giapponesi, coreani ecc… tutti di importanza internazionale.

Google Cultural Institute, conta oltre 6 milioni di fotografie, filmati e documenti tutti di altissimo livello.

Il Google Cultural Institute offre a tutti la possibilità di “visitare” ( a costo zero !) le ultime mostre d’arte dei musei più importanti  ed essere aggiornati sulle più recenti scoperte archeologiche.

Provate questo link sui più importanti musei del mondo: http://www.google.com/culturalinstitute/collections?projectId=art-project&hl=it

British Museum

Il British Museum è stato uno dei primi siti ad intuire l’importanza e le infinite possibilità del web.

In questo modo il British Museum è divenuto  il sito turistico più popolare del Regno Unito e quarto museo al mondo per numero di visitatori.

Imperdibile è la visita alla tomba di Sutton Hoo, intatta per 1.400 anni fino alla scoperta nel 1939.

Ci piace ribadire che la a visita “ON LINE”  alla mostra  Sutton Hoo sia gratuita, come tutto il sito.

Sutton Hoo, fu la una nave funeraria anglosassone; l’esposizione svela i retroscena del ritrovamento:  filmati degli scavi e foto del celeberrimo elmo e della fibbia per cintura in oro massiccio.

WORLD WONDERS; per vedere le scenografie naturalistiche più impressionanti del

mondo intero:

DA NON PERDERE ANCHE LO SCENOGRAFICO E INTERESSANTISSIMO WORLD WONDERS:

LINK: http://www.google.com/intl/en/culturalinstitute/worldwonders/

Molto altro potrete scoprire da soli, secondo i vostri interessi, navigando su:      http://www.google.com/culturalinstitute/home?hl=it

Forse un giorno anche i viaggi li faremo da casa, senza bruciare il carburate degli aerei; certamente è una possibilità

interessante per chi, per costi, età, tempo a disposizione o problemi fisici, non può muoversi.

 

 

ARTE E L’IMPEGNO OGGI PERDUTO – RICORDO DI GUERNICA CHE SEGNO’ UNA SVOLTA NELL’ARTE

80 ANNI FA PICASSO CREAVA ” GUERNICA

Il 26 aprile 1937 la cittadina di Guernica veniva distrutta dai bombardamenti. Appoggiati dai fascisti italiani, i raid tedeschi fecero 1.654 morti e circa 900 feriti. Trenta o quaranta tonnellate di bombe ( incendiarie o a scheggia ) furono sganciate di lunedì; giorno di mercato. Una strage di civili. Lo scopo di tanta violenza fu solo la volontà di  stroncare il morale tra le forze repubblicane.

Un mese di lavoro intensissimo e Picasso presentò la sua opera ” Guernica “. Un capolavoro che fu stroncato dalla critica, anche dalla sinistra.

Oggi, al Museo Reina Sofia di Madrid, c’è sempre folla di fronte al grande dipinto di Picasso; moltissime le scolaresche.

Oltre 7 metri di lunghezza per tre metri e mezzo di altezza; queste sono le dimensioni di uno dei più significativi lavori artistici della storia dell’arte.

Arte a Parigi al Louvre – ” Vermeer e i maestri della pittura di genere ” – Mostre da non perdere

“Vermeer e i maestri della pittura di genere”

AL MUSEO DEL LOUVRE

DAL 22 FEBBRAIO A 22 MAGGIO 2017

Evidenziare il rapporto tra gli artisti della  tendenza pittorica che conobbe il massimo sviluppo nel Seicento; che fu il  secolo d’oro della pittura olandese ”

L’ esposizione permette ai visitatori di capire come Vermeer e gli altri artisti attivi nella stessa epoca, si misurassero nel dipingere scene eleganti e raffinate; come una rappresentazione ingannevolmente innocua del quotidiano.

Nei primi anni del 1650, gli artisti cominciano a concentrarsi su scene idealizzate e superbamente realizzate che riguardano la vita privata messa sulla scena del quadro.

I membri delle élite olandese, volevano mostrare il loro status sociale, richiedendo un’arte che riflettesse  la loro immagine del mondo benestante.

Sala Napoleone Museo del Louvre

dal 22 febbraio a 22 maggio 2017

orari mostra e Museo del Louvre Aperto tutti i giorni tranne il martedì dalle 09:00 alle 18:00. Notturne il mercoledì e venerdì fino alle 21:45.
costo biglietto Museo del Louvre € 15

ARTE in OLANDA – Noordbrabants Museum acquista uno straordinario acquerello di Vincent van Gogh

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Il Noordbrabants Museum acquista uno straordinario acquerello di Vincent van Gogh.

Il Museo festeggia la sua nuova acquisizione aprendo gratuitamente le sue porte al pubblico sabato 10 dicembre

 – Il Noordbrabants Museum ha acquistato da un privato Il giardino della canonica a Nuenen di Vincent van Gogh (1853-1890), che risale al periodo tra ottobre e novembre del 1885.

È l’ultimo acquerello di cui si sa con certezza che fu dipinto a Nuenen ed è particolarmente significativo nell’opera dell’artista.

Questa acquisizione, la più importante in assoluto per il Noordbrabants Museum, rispecchia la sua aspirazione a mostrare una panoramica rappresentativa del periodo trascorso da Van Gogh nel Brabant alla luce di opere originali dell’artista.

Il giardino della canonica a Nuenen è stato acquistato grazie al sostegno finanziario di BankGiro Loterij, Mondriaan Fonds, VSBfonds, gli Amici del Museo, Renschdael Art Foundation e Coen Teulings. BankGiro Loterij ha contribuito erogando quasi la metà della somma totale di 1 milione di euro devoluta per l’acquisto. Per festeggiare la sua nuova acquisizione.

Importanza per Collectie Nederland (Patrimonio culturale dei Paesi Bassi)
Vincent van Gogh abitò per quasi un anno e mezzo presso i suoi genitori nella canonica a Nuenen.

Il giardino dietro la canonica era un luogo prediletto dall’artista che vi compose parecchi lavori, a volte molto ambiziosi.

Per motivi diversi l’acquerello è particolarmente significativo nell’opera di Van Gogh.

In una lettera al fratello Theo egli scrisse: “Ho fatto anche uno studio dello stagno nel giardino della casa in autunno.

Questo luogo è senza dubbio adatto per un dipinto.

In un secondo momento egli realizzò da questo acquerello un quadro – di grandi dimensioni, che conosciamo soltanto da riproduzioni in bianco e nero – andato perduto durante la seconda guerra mondiale.

L’acquerello può dare un’impressione, seppure approssimativa, di quale fu la gamma cromatica del dipinto.

Entrambe le opere erano intese come preparazione per una composizione ben ponderata con figure, il tipo di raffigurazione che Van Gogh fin dall’inizio della sua carriera artistica mirava a dipingere.

È inoltre il suo primo esperimento con un soggetto che avrebbe raffigurato anche a Parigi e ad Arles, persone e coppiette che passeggiano in un bel giardino o in un parco idilliaco. Il foglio, una delle ultime opere che l’artista realizzò a Nuenen – e l’unico acquerello – mostra come Van Gogh avesse adottato una gamma di colori più chiari dopo avere visitato il Rijksmuseum nell’ottobre del 1885.

Lo studio dei maestri del passato in quel museo gli aveva fatto comprendere che la sua tavolozza era troppo scura e, una volta tornato a Nuenen, egli mise immediatamente in pratica quanto aveva intuito.

L’attraente ricchezza dei colori (ben conservata) nella raffigurazione ne è il risultato.

Si presume che l’acquarello sia stato acquistato dal rinomato critico e pedagogo d’arte H.P. (Hendrik) Bremmer, che più tardi fu consulente di Helene Kröller-Müller. Dopo la sua morte divenne proprietà degli eredi. Intorno al 1969 l’acquerello entrò a far parte della collezione da cui ora è stato acquistato.

Importanza per il Noord-Brabant

Cinque istituzioni culturali del Brabant – Van Gogh Village (il paese di van Gogh) a Nuenen, Vincents Tekenlokaal (l’aula di disegno di van Gogh) a Tilburg, Van Goghkerk (la chiesa di Van Gogh) a Etten- Leur, Vincent van Goghhuis (la casa di Van Gogh) a Zundert e il Noordbrabants Museum a ’s- Hertogenbosch – hanno unito le loro forze creando Van Gogh Brabant per conservare e condividere il patrimonio culturale legato a Van Gogh nel Brabant.

L’associazione collabora in misura crescente con Van Gogh Europe, un’alleanza internazionale tra diverse organizzazioni nei Paesi Bassi, in Belgio e Francia, impegnata nella conservazione e nella promozione comune del patrimonio culturale legato a Van Gogh. L’acquisto è inoltre in linea con la politica della regione Noord-Brabant, che nei prossimi anni si propone di dare maggiore rilievo al legame tra il pittore e il Brabant. Un dettaglio interessante dell’opera acquistata è che vi è raffigurata una località del patrimonio culturale legato a Van Gogh nel Brabant.

Van Gogh nel Noordbrabants Museum

Il Noordbrabants Museum espone come unico museo nel sud dei Paesi Bassi opere originali di Vincent van Gogh nella sezione Storia del Brabant, più precisamente nel padiglione dedicato all’artista e al periodo che egli trascorse in questa regione. Oltre a un dipinto di sua proprietà (Contadina che zappa), il Museo ha due opere in comodato d’uso permanente dal Rijksdienst voor het Cultureel Erfgoed, l’agenzia nazionale olandese per il patrimonio culturale, e alcune in comodato temporaneo dal Van Gogh Museum. L’acquisto verrà ad aggiungersi alle opere nel padiglione dedicato a Van Gogh. A causa della sua fragilità, l’acquerello verrà esposto soltanto per un determinato periodo, vale a dire fino al 19 marzo 2017. Dopo alcuni mesi lontano dalle luci della ribalta, l’acquerello verrà nuovamente esibito al pubblico in una vetrina speciale dove può rimanere più a lungo.

Ricerca e presentazione Radiografia di Van Gogh

Tra il 1884 e il 1888 Van Gogh riutilizzò con una certa regolarità le tele già dipinte. Il Noordbrabants Museum vuole conoscere meglio quello che si nasconde sotto il colore di una serie di dipinti che fanno parte dell’esposizione permanente.

Per questo la primavera prossima cinque dipinti verranno studiati utilizzando varie tecniche: raggi x, fotografia all’infrarosso, riflettografia in infrarosso, fotografia in luce radente.

La presentazione Radiografia di Van Gogh (dal 24 giugno 2017 al 21 gennaio 2018) esporrà i risultati di questa ricerca.

Informazioni per i visitatori di Noordbrabants Museum
Het Noordbrabants Museum
Verwersstraat 41, ’s-Hertogenbosch
T +31 (0)73 – 6877 877
www.hetnoordbrabantsmuseum.nl

Aperto dal martedì alla domenica, dalle ore 11 alle 17.
Chiuso il lunedì (ad eccezione dei giorni festivi), a Capodanno, durante il Carnevale, la festa del re e a Natale.
Prezzo del biglietto per Noordbrabants Museum
Adulti: € 12,-
Museumkaart (carta musei), Ver. Rembrandt e ICOM: ingresso gratuito
Ragazzi dai 4 ai 17 anni: ingresso gratuito

Il Noordbrabants Museum costituisce insieme allo Stedelijk Museum ’s-Hertogenbosch il quartiere dei musei a ‘s-Hertogenbosch, uno dei principali poli culturali dei Paesi Bassi.
Prezzo del biglietto cumulativo, Combiticket, per il Noordbrabants Museum e lo Stedelijk Museum ’s- Hertogenbosch
Adulti: € 15,-
Museumkaart (carta musei), Ver. Rembrandt e ICOM: ingresso gratuito
Ragazzi dai 4 ai 17 anni: ingresso gratuito

Eventi a Ravenna sino all’ 11 dicembre la città festeggia – Alcuni concerti sono gratuiti – Ravenna celebra il Ventennale dei suoi Monumenti Unesco

Monumenti Unesco di Ravenna
Periodo di svolgimento: dal 07/12/2016 al 11/12/2016
Venti anni fa, il 7 dicembre 1996, l’Assemblea del Centro del Patrimonio Mondiale dell’UNESCO ha sancito l’iscrizione dei monumenti paleocristiani e bizantini di Ravenna nella Lista del Patrimonio dell’Umanità:

Mausoleo di Galla Placidia, il Battistero Neoniano, la Basilica di Sant’Apollinare Nuovo, il Battistero degli Ariani, la Cappella Arcivescovile, il Mausoleo di Teoderico, la Basilica di San Vitale e la Basilica di Sant’Apollinare in Classe

Dal 7 all’11 dicembre la città festeggia questo anniversario con una serie di iniziative dedicate ai suoi monumenti più eccezionali.
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I monumenti UNESCO in occasione delle celebrazioni (dal 8 all’11 dicembre) osserveranno i seguenti orari:

Opera di Religione
Basilica di San Vitale | Ore 9.30 – 18
Mausoleo di Galla Placidia | Ore 9.30 – 18
Basilica di Sant’Apollinare Nuovo | Ore 10 – 18
Battistero Neoniano | Ore 10 – 18
Ultimo ingresso 15 minuti prima dell’orario di chiusura
Cappella Arcivescovile | Ore 10 – 18
Ultimo ingresso 30 minuti prima dell’orario di chiusura
Polo Museale Emilia-Romagna (sede di Ravenna)
Solo nella giornata di giovedì 8 dicembre ingresso gratuito ai seguenti monumenti:
Mausoleo di Teodorico | Ore 8.30 – 16.30
Battistero degli Ariani | Ore 8.30 – 16.30
Basilica di Sant’Apollinare in Classe | Ore 8.30 – 19.30 (feriali) / Ore 13 – 19.30 (domenica e festività religiose)

Visite guidate
Giovedì 8 dicembre | Dalle 10 alle 12 e dalle 14 alle 16
I monumenti Unesco illustrati dai giovani FAI
In tutti i Monumenti UNESCO

Venerdì 9 dicembre | Dalle 10 alle 12 e dalle 14 alle 16
Visite guidate dei monumenti Unesco
In tutti i Monumenti UNESCO

Sabato 10 dicembre | Dalle 14 alle 17
Visite guidate al Museo Arcivescovile e alla Cappella di Sant’Andrea
A cura del Gruppo Pietre Vive

Domenica 11 dicembre | Dalle 11 alle 13
Visite guidate alla Basilica di San Vitale
A cura del Gruppo Pietre Vive

Domenica 11 dicembre | Dalle 14.30 alle 16.30
Visite guidate alla Basilica di Sant’Apollinare Nuovo
A cura del Gruppo Pietre Vive

Celebrazioni in musica

Giovedì 8 dicembre | Ore 18.30
Plaudat nunc organis
Basilica di Sant’Apollinare Nuovo
Concerto del Coro Polifonico Ludus Vocalis
Stefano Sintoni • direttore; Andrea Berardi • organista
A cura di Opera di Religione. Ingresso gratuito

Concerto di Natale | Ore 21
Chiesa di San Giovanni Battista, via G. Rossi
Young Musicians European Orchestra
Jonathan Roozeman • violoncellista; Adriana Cristea • violinista; Giacomo Banella • contrabbassista; Matthieu Mantanus • direttore
Musiche di Paganini, Ciaikowsky, Bottesini, Rossini.
Al Concerto parteciperanno anche piccoli coristi provenienti dalle scuole ravennati e della provincia. A cura di Emilia Romagna Concerti.
Ingresso a pagamento: 10€ (navata laterale non numerata); 20€ (navata laterale numerata); 30€ (navata centrale numerata terzo settore); 50€ (navata centrale numerata secondo settore); 75€ (navata centrale numerata primo settore)
Ingresso a pagamento: tickets@teatroalighieri.org

Sabato 10 dicembre | Ore 18.30

Concerto per 2 Oboi e Organo
Basilica di San Vitale
Luigi Lidonnici e Ilaria da Maximy • oboisti; Stefano Sintoni • organista
A cura di Opera di Religione. Ingresso gratuito

Invasioni musicali
A cura de LaCorelli

Sabato 10 dicembre
Piazzetta del Battistero degli Ariani | Ore 15
Nicola Nieddu e Davide Tardozzi
Improvvisazione per violino e chitarra

Portico della Basilica di Sant’Apollinare Nuovo | Ore 15.45
Michele Soglia
Marimba sola
Giardino del Battistero Neoniano | Ore 16.30

Coro UNICEF Da fratello a fratello
Aspettando “i bimbi per i bimbi”
Piazza del Popolo | Ore 17.30
Accensione dell’albero di Natale donato dalla città di Andalo e ornato da Pandora
Concerto di ODG Big Band
Accendiamo l’albero di Natale

Domenica 11 dicembre

Giardino d’ingresso alla Basilica di San Vitale | Ore 10
Quartetto di ottoni YouBrass Ensemble
Misticanza musicale per ottoni
Piazzetta del Battistero degli Ariani | Ore 10.45
Quintetto di ottoni Romagna Brass
Barock’n’roll
Piazza del Popolo | Ore 11.30
YouBrass Ensemble, Romagna Brass, ottoni della Scuola di Musica G. Sarti di Faenza
Brass Party
Giardino del Battistero Neoniano | Ore 12
Ottoni della Scuola di Musica G. Sarti di Faenza
Christmas carol
Piazza del Popolo | Ore 14
Carlo Botti Piano Solo
in collaborazione con Fondazione Istituto Liszt di Bologna
Albero di Natale
Piazza del Popolo | Ore 14.45
Allievi dell’Istituto Superiore di Studi Musicali G. Verdi di Ravenna
Invasioni pianistiche

Arte da non perdere a Roma – Ingresso gratuito “ Dall’antica alla nuova Via della Seta ” – Palazzo Quirinale

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Mostra “Dall’antica alla nuova Via della Seta”

Dal 6 dicembre 2016 al 26 febbraio 2017 il Palazzo del Quirinale ospita, nella Galleria Alessandro VII, la mostra “Dall’antica alla nuova Via della Seta” che illustra la storia millenaria dei rapporti tra la Cina e l’Occidente, in particolare l’Italia.

UNA MOSTRA DA NON PERDERE; UNA SUMMA DI ELEGANZA E RAFFINATEZZA CHE OGGI POSSIAMO SOLO GUARDARE, MA FORSE NON SIAMO PIU’ IN GRADO NEMMENO DI RIPRODURRE.

Una piastrella che riproduce il gioco del polo dai tempi dell’antica Persia … alle  raffinatissime babbucce di qualche principessa orientale … sete, ceramiche, pietre, oggetti  preziosi e la perizia dei cartografi e tante altre eleganti sorprese.

Le vie commerciali tra oriente e occidente si perdono nei millenni, vi furono vie della giada e altre vie; ancora prima di quella della seta.

Il termine “La Via della Seta” è stato coniato nel 1877 dal geografo tedesco Ferdinand von Richthofen.

Dai tempi dei romani, la via della seta rappresentò una serie di luoghi di scambi continui di beni, conoscenze, usanze, pratiche, idee e fedi religiose con metodi che oggi ci appaiono molto più tolleranti e aperti di quelli attuali. 

Comunque, il Presidente cinese Xi Jinping ha, da poco tempo, illustrato un progetto della Repubblica Popolare Cinese per l’apertura di una “Nuova Via della Seta” che collegherebbe l’antica città di Xi’an con Rotterdam e con altre grandi città europee; Venezia compresa.

La mostra si articola in diverse sezioni che espongono ottanta capolavori antichi provenienti dalle più importanti istituzioni museali europee e italiane tra cui il British Museum, il Musée du Louvre, il Musée Cernuschi e Guimet di Parigi, il Museo di Berlino, il Museo di Lione, il Museo d’Arte Orientale di Torino, il Museo delle Civiltà / Museo d’Arte Orientale “Giuseppe Tucci” di Roma, la Biblioteca Nazionale Centrale e il Museo del Bargello di Firenze, il Museo del Tesoro di San Domenico di Perugia, il Museo Archeologico Nazionale di Napoli, la Biblioteca Nazionale Marciana di Venezia, i Musei Vaticani.

Saranno presenti anche una ventina di opere moderne provenienti dalla Cina e realizzate da grandi artisti cinesi contemporanei.

Lungo l’antica Via della Seta che attraversava il vasto continente euroasiatico, l’Oriente e l’Occidente sono entrati in contatto e si sono arricchiti rispettivamente con lo scambio di merci, tecniche e informazioni di ogni genere.

Missionari di varie fedi, Cristiani, Confuciani e Buddhisti, seguendo le piste della Via della Seta, si sono conosciuti, hanno dialogato e contribuito a diffondere un clima di tolleranza cha ha scavalcato le frontiere incerte degli Stati e aiutato i popoli a crescere.

Tra gli uomini che hanno affrontato il lungo viaggio dall’Italia alla Cina, Marco Polo, i gesuiti Matteo Ricci e Martino Martini hanno avvicinato i nostri due popoli e il loro ricordo è ancora vivo nel cuore dei Cinesi di oggi.

La mostra è curata da Louis Godart, Consulente del Presidente della Repubblica in materia di iniziative ed eventi culturali ed espositivi, in collaborazione con David Gosset e Maurizio Scarpari.

L’ingresso è gratuito. Occorre prenotarsi con le seguenti modalità: on line sul sito http://palazzo.quirinale.it, tramite Call Center, tel. 06 39.96.75.57, o presso l’Infopoint, salita di Montecavallo 15.

Giorni di apertura dal 6 al 18 dicembre 2016 e dal 10 gennaio al 26 febbraio 2017 : martedì – mercoledì – venerdì – sabato – domenica
Giorni di apertura dal 19 dicembre 2016 al 9 gennaio 2017: 19-20-21-22-23-27-28-29-30 dicembre 2016 e 3-4-5 gennaio 2017

Orario: dalle ore 10.00 alle 16.00 (ultimo ingresso ore 15.00).