Archivi categoria: ARTE

arte, mostre, artisti, foto d’arte, storia dell’arte,

LETTERATURA – L’omero di Santa Lucia Derek Walcott e il suo ultimo canto

Premio Nobel per la letteratura nel 1992, Derek Walcott ci ha lasciati a 87 anni, dopo avere vissuto sempre nella splendida isola di Santa Lucia, nei Caraibi.

Guadava il mondo “ con occhi di polipo”, un invertebrato che ha dimostrato grande intelligenza.

Derek Walcott, aveva sangue inglese, tedesco e nero; un cocktail travolgente, tanto che nessuna traduzione può rendere la bellezza dell’originale.

Dai critici americani è stato definito “ black writer of the Caribbean ”, ma lui si definisce non abbastanza nero per l’orgoglio degli africani; tanto che i neri non lo hanno mai riconosciuto come uno dei loro.

Di se diceva Sono un nero, rosso (di capelli), che ama il mare e che ha avuto una buona istruzione coloniale ”. I suoi nonni erano schiavi e la mamma che gli leggeva Shakespeare quando ancora era bambino.
Derek Walcott Era già noto nel 1962 per la collezione di poesie
“ The green night ”. Monumentale opera che comprende una rielaborazione dell’Odissea in 8.000 versi, dal titolo “Omeros ”.
Tradotto in italiano da Adelphi.

80 sono i titoli delle sue opere teatrali, non conosciute in Europa.

Accusato di soffrire di complesso di “ negritudine ”, rispose (in polemica con un collega): “ Sono stato morso, devo evitare l’infezione /altrimenti potrei essere morto …”.

Arte e floricultura a Milano – Brera una rosa per la nuova Brera ad Orticola 2017

5 – 7 maggio sono le date di Orticola che, ai Giardini Montanelli, presenterà un’idea di Philippe Daverio per James Brandburne, quest’ultimo direttore della Pinacoteca di Brera: una nuova rosa creata espressamente per promuovere la NUOVA GRANDE BRERA.

Dalla tonalità bicolore, rossa e gialla, la Rosa di Brera quando si apre vira verso i colori viola e crema. Resistente e dalla lunga fioritura si presenta come un soggetto interessante per tutti gli amanti dei giardini.

La rosa sarà coltivata nell’Orto botanico di Brera a partire dal mese di maggio e sarà messa in vendita dall’autunno 2018; dal vivaio Barni di Pistoia.

Non solo la rosa è la novità di Brera,  con 6.500 mq. dedicati all’arte moderna di inizio ‘900; con l’esposizione di due gradi collezioni quali la Jesi e la Vitali.

Vi saranno esposti per due anni, anche 26 pezzi del collezionista Mattioli.

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Weekend a Milano – Evento danza – Poesia e funambulismo con Luciana Savignano

Evento danza a Milano – Poesia e funambulismo con Luciana Savignano nel restaurato Teatro Gerolamo – 24 – 26 marzo 2017
“Funambolia” e “Luminare Minus”:

sulle tracce di una donna dalla pelle bianchissima; da un frammento di luna si fondono poesia, movimento, ricerca scientifica e nuove tecnologie. Da non perdere.

Teatro Gerolamo, Pzza Beccaria 8; orari diversi – entrata da 8 a 60 euro.

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Dopo più di trent’anni riapre il Gerolamo, gioiello dei teatri milanesi, l’unica ribalta europea appositamente costruita sulla misura degli spettacoli di marionette, per decenni attrazione e appuntamento privilegiato per un pubblico colto e appassionato e per generazioni di piccoli spettatori.

Arte a Milano – Ingresso libero dal 28 marzo al 30 aprile 2017 –

CODICE DI AVVIAMENTO FANTASTICO

a cura di Davide Quadrio e Massimo Torrigiani

AKI KONDO, MICHAEL LIN, SOUNDWALK COLLECTIVE,
GEORGINA STARR, NANDA VIGO, LORENZO VITTURI

Dal 28 marzo al 30 aprile 2017
Appartamento del Principe di Palazzo Reale, Milano

Ingresso libero

Codice di avviamento fantastico. Alcantara e 6 artisti in viaggio nell’Appartamento del Principe è una mostra promossa e prodotta dal Comune di Milano – Cultura, Palazzo Reale e Alcantara, appositamente concepita per le stanze dell’ Appartamento del Principe, aperta al pubblico da martedì 28 marzo a domenica 30 aprile 2017.

Terzo progetto espositivo di Alcantara a Palazzo Reale, Codice di avviamento fantastico è la seconda mostra di un ciclo a cura di Davide Quadrio e Massimo Torrigiani, volto a interpretare in chiave contemporanea uno spazio dalle importanti connotazioni storiche.

L’azienda, che produce e commercializza Alcantara ® nel mondo, con questo nuovo progetto prosegue l’esplorazione delle potenzialità espressive offerte dal proprio materiale attraverso il lavoro di alcune tra le più raffinate sensibilità artistiche del nostro tempo: artisti provenienti da diversi mondi creativi, invitati a misurarsi con la specificità di un medium unico, nel contesto eccezionale dell’Appartamento del Principe.

I sei artisti internazionali chiamati a prendere parte a questa ricognizione sono: Aki Kondo, Michael Lin, Soundwalk Collective, Georgina Starr, Nanda Vigo e Lorenzo Vitturi.

Il titolo Codice di avviamento fantastico fa riferimento all’omonimo meccanismo descritto da Gianni Rodari (1920 – 1980) nel volumetto Grammatica della fantasia. Introduzione all’arte di inventare storie (Einaudi Ragazzi, 1973). L’autore spiega come attivare una filiera virtuosa tra pensieri, associazioni di immagini e vedute meravigliose per costruire testi letterari. Allo stesso modo, il percorso espositivo si struttura come una cosmologia di mondi sorprendenti sorti dal rapporto diretto con gli spazi e dislocati lungo le dieci stanze che compongono l’Appartamento del Principe. Ognuna è stazione di approdo per il viaggio immaginifico compiuto da ciascun artista, ma anche punto di partenza per la fantasia di ogni singolo visitatore che avrà l’occasione di percorrere questi spazi, normalmente chiusi al pubblico, per entrare in mondi paralleli, gettando l’occhio oltre la soglia e superando il limite tra reale e immaginazione.

Palazzo Reale
Piazza Duomo, 12 – 20122, Milano
www.palazzorealemilano.it

Musica classica jazz e musical a Venezia – TEATRINO DI PALAZZO GRASSI – Entrata libera a Le Salon Idéal

Domenica 26 marzo 2017 alle ore 18.00 – Al  Teatrino di Palazzo Grassi  una serata aperta gratuitamente al pubblico

TEATRINO DI PALAZZO GRASSI

Le Salon Idéal

Il Teatrino di Palazzo Grassi presenta un progetto musicale inedito che unisce musica classica, jazz, musical annullando la distanza tra musicisti e pubblico.

Le Salon Idéal, 2017. Marion Rampal – cantante, Irina Gurevich de Baghy – soprano, Ismaël Margain – pianoforte e saxofono,
Leslie Boulin Raulet – violino, Pierre-François Blanchard – pianoforte, Matteo Pastorino – clarinetto basso, Juliette Salmona – violoncello, Noëmi Waysfeld – cantante

Per il secondo anno consecutivo, Palazzo Grassi – Punta della Dogana invita Le Salon Idéal per due esclusivi appuntamenti: uno aperto liberamente al pubblico e uno dedicato ai titolari della Membership Card di Palazzo Grassi.

Sabato 25 marzo 2017 alle ore 17.00 i possessori della Membership card di Palazzo Grassi potranno assistere a un concerto privato all’ora del tè, condotto da Le Salon Idéal presso un appartamento affittato appositamente per loro e per questa incredibile occasione.

Domenica 26 marzo 2017 alle ore 18.00 la formazione si esibirà presso il Teatrino di Palazzo Grassi per una serata aperta gratuitamente al pubblico all’insegna della musica e della condivisione, che spazierà tra generi ed epoche differenti toccando le corde della sensibilità di ciascun spettatore.

Il programma, immaginato appositamente per il pubblico veneziano, si intitola Venise au fil de l’eau e omaggia la città dei dogi proprio in occasione del suo compleanno il 25 marzo, giorno in cui, secondo la tradizione, ricorre la consacrazione della Chiesa di San Giacometo a Rialto nel 421. La prestigiosa selezione musicale proposta da Le Salon Idèal include alcuni brani di compositori come Luigi Rossi (1597 – 1653), Antonio Vivaldi (1678 – 1741), Felix Mendelssohn (1809 – 1847), Jules Massenet (1842 – 1912) e Franz Liszt (1811 – 1886), le cui opere intramontabili si alterneranno a pezzi jazz originali e a testi tratti dalla cultura sonora contemporanea.

Nato a Parigi nel gennaio 2015, Le Salon Idéal è un happening musicale concepito e organizzato dalla giornalista francese Arièle Butaux che coinvolge artisti di primo piano, provenienti da differenti ambiti sonori.
I concerti de LeSalon Idéal sono momenti intimi, in cui i musicisti e il pubblico si incontrano in un’atmosfera rilassata, lontani dall’ambiente formale delle sale da concerto. In questo “salotto ideale” gli artisti possono sperimentare liberamente, senza frontiere, lasciando spazio al confronto e alla contaminazione tra generi. Concerto dopo concerto, i protagonisti cercano di instaurare una relazione sempre più vicina e diretta con gli spettatori, in un contesto che ricorda quello di una famiglia riunita a suonare e ascoltare.

Classica, jazz e musical si incontrano quindi con nuovi arrangiamenti sorprendenti e personali all’interno di un programma inedito, concepito per essere inclusivo e non elitario in grado di spaziare tra diverse proposte storiche e contemporanee.

VENISE AU FIL DE L’EAU

Sabato 25 marzo, ore 17.00 – Tea Time Musicale
Riservato ai possessori della Membership Card di Palazzo Grassi – Punta della Dogana.
Per info e prenotazioni: membership@palazzograssi.it | +39 041 2401347 (Lun – Ven dalle 9.00 alle 15.00)

Domenica 26 marzo, ore 18.00 – Le Salon Idéal
Teatrino di Palazzo Grassi
Ingresso libero sino a esaurimento posti.

Formazione
Pierre-François Blanchard – pianoforte
Leslie Boulin Raulet – violino
Irina Gurevich de Baghy – soprano
Ismaël Margain – pianoforte e saxofono
Matteo Pastorino – clarinetto basso
Marion Rampal – cantante
Juliette Salmona – violoncello
Noëmi Waysfeld – cantante

Tutti gli appuntamenti del Teatrino sono comunicati e costantemente aggiornati sul sito di Palazzo Grassi alla voce “calendario”.

www.palazzograssi.it

Arte a Milano – PASCALI SCIAMANO – Fondazione Carriero – Entrata libera il sabato o su appuntamento

Un palazzo di pregio del ‘400, ristrutturato da Gae Aulenti, dietro a San Babila, offre mostre di alto livello con entrata gratuita.

Un appuntamento da non perdere alla  Fondazione Carriero (l’unico spazio per l’Arte Contemporanea non dedicato alla vendita in centro Milano ed a ingresso sempre gratuito).

PASCALI SCIAMANO

A cura di Francesco Stocchi
venerdì 24 marzo 2017 – sabato 24 giugno 2017
Opening: giovedì 23 marzo ore 19:00

rsvp: press@paolamanfredi.com

Numerosi laboratori didattici gratuiti; anche per i bimbi più piccoli.

Nella foto di copertina: Pino Pascali vestito di rafia fotografato nel suo studio, 1968. Foto Andrea Taverna.
Courtesy Fabio Sargentini – Archivio L’Attico

Fondazione Carriero è lieta di presentare da venerdì 24 marzo 2017 sino a sabato 24 giugno 2017 la mostra Pascali Sciamano a cura di Francesco Stocchi, una nuova esposizione prodotta e organizzata dalla Fondazione per gli spazi di Casa Parravicini, in collaborazione con la Fondazione Pino Pascali.

L’esposizione presenterà il lavoro dell’artista Pino Pascali (Bari, 1935 – Roma, 1968) in dialogo con testimonianze di arte e artigianato africano, con il desiderio di esplorare la produzione scultorea di Pascali.

Pascali Sciamano si inserisce coerentemente nel percorso iniziato dalla Fondazione Carriero con imaginarii (settembre 2015), FONTANA • LEONCILLO Forma della materia (aprile 2016) e Fasi Lunari (ottobre 2016), mostre il cui punto cardine è l’approccio curatoriale dialogico e la tensione costante verso ricerca e sperimentazione.

La mostra sarà accompagnata da un catalogo edito da Fondazione Carriero.

INFORMAZIONI PRATICHE

Mostra
PASCALI SCIAMANO
a cura di Francesco Stocchi
dal 24 marzo 2017 al 24 giugno 2017

Fondazione Carriero
via Cino del Duca 4 – 20122 Milano
Orario: aperto tutti i giorni su appuntamento
Sabato accesso libero dalle 11:00 alle 18:00
Domenica chiuso

Informazioni e prenotazioni
info@fondazionecarriero.org
+39 02 36747039

Cultura a Milano – Progetto Di Casa in Casa – QUATTRO CASE MUSEO PER UNA CITTÀ

DI CASA IN CASA

QUATTRO CASE MUSEO PER UNA CITTÀ

Le quattro case museo di Milano

– Museo Bagatti Valsecchi, Casa Boschi di Stefano, Villa Necchi Campiglio e Museo Poldi Pezzoli, in partenariato con la Fondazione Adolfo Pini e il suo progetto Storie Milanesi

presentano la nuova iniziativa Di Casa in Casa, realizzata grazie al contributo di Fondazione Cariplo per il bando “Cultura e aree urbane”, in collaborazione con il Comune di Milano.

“Dopo il grande successo di Museocity che ha spalancato le porte di tante case museo, atelier d’artista e musei d’impresa, svelando a cittadini e turisti luoghi e collezioni ‘nascoste’ e ignote ai più, questo nuovo progetto ci porta alla scoperta di quattro case museo milanesi che hanno trovato modi nuovi per proporsi al pubblico, anche a quello più giovane, con un ventaglio di opportunità: dalle più tradizionali e sempre apprezzate visite guidate al digitale e interattivo chatbot game.

Una vera e propria caccia al tesoro che ci accompagna in giro per la città mostrandoci percorsi inediti e nuovi itinerari nel segno della bellezza”, dichiara l’assessore alla Cultura Filippo Del Corno.

Il progetto Di Casa in Casa, una passeggiata tra gli affascinanti quartieri di Milano, che ci permette di conoscere la città in modo diverso, propone itinerari integrati che uniscono temi artistici e architettonici alle esigenze del nuovo turismo milanese e internazionale, promuovendo una più aggiornata diffusione delle tradizioni culturali e produttive ambrosiane.

A disposizione del pubblico vi sono diverse modalità di fruizione: consultando in autonomia il sito internet o partecipando a visite guidate organizzate o, per gli utenti più giovani, utilizzando l’avventura digitale del chatbot game.

Il visitatore, collegandosi al nuovo sito casemuseo.it – realizzato dalla web agency Beecreative, totalmente rinnovato nei contenuti e con una nuova veste grafica accattivante e ricca di immagini – e consultando la mappa geolocalizzata Di Casa in Casa, può scegliere uno dei percorsi tematici proposti, ideati da Stefano Zuffi, individuando la zona di Milano, la durata della visita e la tipologia, tra architettura, arte, artigianato, bambini, design, gusto e musei.

Le quattro istituzioni museali propongono quindi una prima selezione di eccellenze cittadine, negozi, botteghe storiche, gallerie d’arte e ristoranti...inseriti in tredici percorsi, quali ad esempio: tra Manzoni e Verdi, alla scoperta della letteratura e della musica milanese; dimore e giardini, il cuore verde di Milano; design nella Milano del Novecento; percorsi dedicati alle famiglie con bambini, come Passeggiare con i bimbi.

Si tratta di una serie di percorsi inediti, che uniscono la cultura alla tradizione, la creatività artistica a quella artigianale, la grande architettura urbana all’area verde, permettendo ai visitatori di diverse fasce di età di orientarsi con consapevolezza tra le offerte culturali della città in tema di arte e musica, ma anche in ambiti commerciali legati ad esempio al design, al cibo, all’educazione.

Inoltre, il visitatore può scegliere di essere accompagnato grazie ad un programma di visite guidate realizzato da Art in the City: con cadenza mensile, questi itinerari narrati hanno l’obiettivo di valorizzare i nessi e i rimandi che legano le quattro case museo tra di loro e alle diverse realtà storiche e di quartiere, con la possibilità di offrire i percorsi anche in lingua inglese per i turisti.

Gli itinerari alla scoperta della città di Milano si arricchiscono con i percorsi proposti da Storie milanesi, un progetto della Fondazione Adolfo Pini, complementare a Di Casa in Casa.

La piattaforma digitale storiemilanesi.org, lanciata nel 2014, è consultabile sia in italiano sia in inglese, con diverse chiavi di lettura e filtri tematici che consentono di scoprire 15 case museo, atelier d’artista, studi di architetti e designer e i loro quartieri.

I personaggi di Storie Milanesi trovano voce nei racconti scritti da Gianni Biondillo, fruibili anche attraverso l’ascolto. Numerosi gli approfondimenti storici, culturali e architettonici che accompagnano il viaggiatore in un percorso urbano inedito per guardare alla città, ai suoi quartieri, con lo sguardo di quei cittadini che hanno lasciato un patrimonio di cultura, di saperi e di bellezza.

Una grande novità del progetto Di Casa in Casa, che conferisce alla rete delle case museo un vero e proprio primato in ambito di didattica museale, è il chatbot game messo a punto da InvisibleStudio: un gioco articolato su quattro itinerari, uno per ciascuna casa museo, in cui un personaggio virtuale dialoga con i visitatori tramite l’app Facebook Messenger. Chiamati a risolvere enigmi relativi alle dimore e alla porzione di città in cui si trovano, gli utenti sono coinvolti attraverso un meccanismo serrato di domanda e risposta che li attira in un territorio di connessioni e rimandi. Il gioco è rivolto al pubblico dei più giovani, invitandolo all’osservazione attenta delle case museo e dei luoghi della città.

Il progetto è inoltre arricchito da un breve documentario, a cura di TVN Mediagroup, con la voce narrante di Lella Costa, e da un trailer che verrà diffuso nei cinema del circuito Spazio Cinema e negli spazi del Comune.

Anche la grafica del circuito case museo di Milano è stata rinnovata a cura di MStudio ed è coordinata con il sito, i materiali promozionali e il video.

Il circuito delle quattro case museo di Milano è ora anche presente sui canali social Facebook e Instagram, che vedono la collaborazione di Esterni per la promozione del progetto.

Importante: ora è possibile acquistare on line la Casa museo card al costo di 20 euro intero e di 10 euro ridotto, che consente l’ingresso nella quattro dimore, con la validità di un anno.


Fondazione Artistica Poldi Pezzoli «Onlus»

Museo: Via A. Manzoni, 12 – 20121 Milano
Centralino: 02 45473800
Fax: 02 45473811 www.museopoldipezzoli.it
P.IVA 04265690158 CF 80068270158
Orari apertura museo:
da mercoledì a lunedì ore 10.00 – 18.00 orario continuato. MARTEDI’ CHIUSO.

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Arte a Milano Santiago Sierra al Pac

MEA CULPA

Museo PAC – Milano

Santiago Sierra e la sua arte di protesta saranno a Milano

dal 28 marzo fino al 4 giugno 2017

Una cinquantina di opere, installazioni e performance, realizzate dal 1997 in poi .

Sierra ha trascorso la sua vita denunciando le ingiustizie che affliggono il mondo: dallo sfruttamento dell’uomo a quello della natura, dalle discriminazioni alle disuguaglianze.

Pagò delle persone che vivevano precariamente, affinché si facessero tatuare una linea sulla schiena ed esponendole quindi a dorso nudo al pubblico.

INFORMAZIONI PER IL PUBBLICO 

ART WEEK

ART WEEK visite guidate gratuite + biglietto ridotto
02 Aprile 2017 ore 16:30 e 18:00

Anche il PAC è parte di Artweek, la settimana che dal 27 marzo al 2 aprile 2017 in occasione di miart vedrà Milano fulcro dell’arte contemporanea con inaugurazioni, aperture straordinarie, visite guidate, contenuti speciali ed eventi, realizzati in collaborazione con tutte le istituzioni pubbliche e private che aderiscono all’iniziativa.

Al PAC è possibile partecipare a due visite guidate gratuite – ore 16:30 (con il curatore) e ore 18:00 – con biglietto ridotto alla mostra SANTIAGO SIERRA MEA CULPA

PRENOTAZIONE non necessaria
INFO didattica.pac@gmail.com — T 3395713185

Arte a Milano – MUDEC – Museo delle Culture – Vasilij Kandinskij 15 marzo – 9 luglio 2017

Foto: Kandinskij_Composizione217

Foto: Kandinskij_Mosca-piazza-rossa

MUDEC – Museo delle Culture di Milano, 15 marzo – 9 luglio 2017

Vasilij Kandinskij

… un vero poeta del colore  dell’anima e della musica … sin dalla giovinezza aveva studiato musica, … Dopo aver compiuti gli studi universitari di Giurisprudenza ed essersi specializzato in Economia politica, a circa trent’anni Kandinskij decise di dedicarsi esclusivamente alla pittura … Mosca fu per lui una perfetta fusione di suono e colore, secondo l’ideale che preseguì per tutta la vita.

Kandinskij amava ripetere: “Per anni ho cercato di ottenere che gli spettatori passeggiassero nei miei quadri: volevo costringerli a dimenticarsi, a sparire addirittura lì dentro”.

Vasilij Kandinskij arriva in Italia dal 15 marzo 2017 e si ferma al MUDEC – Museo delle Culture di Milano, con una mostraassolutamenteinedita, ricca di 49 sue opere che raccontano il “periodo del genio” dell’artista russo che porta alla svolta completa verso l’astrazione, e di 85 tra icone, stampe popolaried esempi di arte decorativa.

Le opere, alcune delle quali mai viste prima in Italia, provengono dai più importanti musei russi, come l’Ermitage di San Pietroburgo, la Galleria Tret’jakov, il Museo di Belle Arti A.S. Puškin e il Museo Panrusso delle Arti Decorative, delle Arti Applicate e dell’Arte Popolare di Mosca.

La mostra rivela il periodo della formazione dell’immaginario visivo dell’artista, profondamente radicato nella tradizione russa, e il suo percorso di svolta ormai già compiuta verso l’astrazione, dall’ultimo Ottocento fino al 1921, quando si trasferì in Germania per non fare più ritorno in madrepatria.

Promossa dal Comune di Milano-Cultura e da 24 ORE Cultura – Gruppo 24 ORE, che ne è anche il produttore, e curata da Silvia Burini, professoressa di Storia dell’Arte Russa e direttrice del Centro Studi Sulle arti della Russia CSAR Università Ca’ Foscari Venezia, e Ada Masoero, critico d’arte e giornalista, la mostra accompagnerà i visitatori in un viaggio immaginario nella Russia dell’artista fino al 9 luglio 2017.

“Il linguaggio artistico di Kandinskij si forma nella tradizione culturale russa, così come mette in luce con grande profondità questa mostra nelle suggestioni, nei modelli, nell’uso dei colori che l’artista apprende ed elabora – afferma l’Assessore alla Cultura Filippo Del Corno – La nuova concezione della rappresentazione del reale così formata nella poetica di Kandinskij ne condiziona fortemente tutti gli sviluppi artistici successivi, segnando un autentico punto di non ritorno”.

L’esposizione, che cade nell’anno del centenario della Rivoluzione russa e a ridosso delle celebrazioni del centocinquantesimo anniversario della nascita dell’artista, è un progetto “site-specific”, legato alla vocazione del MUDEC-Museo delle Culture: è, infatti, fondato sul rapporto tra arte ed etnografia e sulla metafora del viaggio come avventura cognitiva. Tutti aspetti sperimentati dal fondatore dell’astrattismo, che rivoluzionò buona parte della successiva ricerca espressiva nel mondo, e che ha sempre mostrato interesse per un approccio scientifico alla realtà e per le esplorazioni.

Dipinti, acquerelli, disegni e incisioni di Kandinskij, antiche icone, stampe, tessuti e oggetti di arte applicata consentiranno allo spettatore – che avrà a disposizione, lungo il percorso, anche installazioni multimedialiintegrate, ideate e curate da Giuseppe Barbieri, professore di Storia dell’arte moderna all’Università Ca’ Foscari Venezia – di comprendere l’origine e lo sviluppo del codice simbolico dell’artista, in un viaggio affascinante e totalmente “immersivo” tra le sue fonti visive russe (la mostra ospita anche quattro icone, 15 stampe popolari e una sessantina dioggetti d’arte decorativa) cui l’artista attinse costantemente.

Il viaggio, cifra riassuntiva dell’esistenza stessa dell’artista,diventa, dunque,anche la cifra del percorso espositivo: un pellegrinaggio attraverso la Russia, le sue immagini, le sue atmosfere, laboratorio mentale dell’artista, ma anche un itinerario verso l’astrazione e, di conseguenza, un viaggio nelle “vibrazioni dell’anima” di Kandinskij, uomo di intensa e profonda spiritualità.

IL PERCORSO ESPOSITIVO.

SEZIONE INTRODUTTIVA
La mostra Kandinskij, il cavaliere errante. In viaggio verso l’astrazione parla di un duplice viaggio: un viaggio reale – quello compiuto da Vasilij Kandinskij nei suoi anni universitari, nel nordico Governatorato di Vologda – che fu generatore di emozioni tanto potenti e incancellabili da mutare, di lì a qualche anno, il corso della sua vita– e uno ideale, interiore: quell’itinerario che, attraverso tappe progressive e ritorni sui propri passi, improvvise folgorazioni spirituali e profonde riflessioni teoriche, lo avrebbe condotto da una pittura figurativa, posta ancora nel solco della tradizione, a un’assoluta e sovversiva non-oggettività, portandolo a un distacco dal reale («dall’Oggetto», come scrive lui) che avrebbe rivoluzionato l’arte del Novecento.
In questa mostra il visitatore è invitato a compiere un’esperienza di “viaggio” all’interno del laboratorio creativo dell’artista, alla ricerca dei quei segni che dapprima lo hanno avvolto, poi conquistato e infine guidato verso l’astrazione.
Gli oggetti esposti (icone, stampe popolari russe o lubki, giocattoli, arredi), che ovviamente non possono essere riferiti autograficamente a Kandinskij, ma da cui l’artista era circondato sin dall’infanzia al pari di quelli che vide nel suo viaggio al Nord, aiutano il visitatore a ricostruire il suo immaginario, nutrito della lezione dell’arte popolare russa e delle icone, e a comprendere come prenda forma il suo linguaggio espressivo, dalle prime opere figurative fino alla totale liberazione dalla schiavitù dell’«Oggetto».

PRIMA SEZIONE
VOLOGDA: IL VIAGGIO “DENTRO IL QUADRO”
Durante gli studi universitari di legge Kandinskij si appassionò all’etnografia e al folklore e nel 1889 volle compiereuna spedizione nel lontano Governatorato di Vologda, 500 chilometri a nord di Mosca, per la Società imperiale di Scienze naturali, Etnografia e Antropologia.
Viaggiava solo, felicemente immerso nella natura selvaggia del luogo, ma lo colpì soprattutto la profusione di colori e di decori che vide sulle vesti dei suoi abitanti Komi-Zirjani (ai suoi occhi «vive immagini dipinte che si muovevano su due gambe») e, più ancora, nelle isbe, con le stanze interamente rivestite da un manto di decorazioni vividamente colorate, e affollate di stampe popolari (lubki). Scriverà nell’autobiografia: «Ricordo ancora che, entrando per la prima volta nelle sale di un’isba, restai inchiodato di stupore davanti alle pitture sorprendenti che da ogni lato mi circondavano. Quando infine penetrai nella camera, mi trovai circondato da ogni parte dalla Pittura: come se io stesso fossi penetrato nella Pittura».
Per anni avrebbe cercato un linguaggio pittorico che coinvolgesse allo stesso modo gli spettatori, fino a farli «passeggiare» nei suoi dipinti, dimentichi di tutto: raggiungerà questo ambizioso obiettivo quando darà vita all’astrazione.
Gli abiti e i tessuti, gli arredi e gli oggetti d’uso, i giocattoli e i lubki esposti in mostra, tutti provenienti dalla regione di Vologda, intendono ricostruire la fantasmagoria di colori e decori che folgorò Kandinskij nel suo viaggio.

SECONDA SEZIONE.
IL CAVALIERE ERRANTE
Il tema del cavallo e cavaliere attraversa l’intero percorso artistico di Kandinskij, radicato com’è nel suo immaginario infantile. Nell’autobiografia l’artista rammenta quando con la zia giocava con un cavallino di stagno, che lui, bambino, tentò di ritrarre in un acquarello.
Come per molti altri artisti del tempo, desiderosi quanto lui di affrancarsi dalle convenzioni accademiche, il linguaggio visivo dell’infanzia rappresentava un mezzo privilegiato, insieme alle arti folkloriche, per guardare il mondo con uno sguardo più libero e autonomo.
Dotato di un occhio prensile («Ero condannato a ‘guardare’ senza tregua», scrive) e di una prodigiosa memoria visiva, Kandinskij accumulò una grande quantità d’immagini legate alle fiabe russe e tedesche ascoltate nell’infanzia, agli eroi delle leggende russe, immortalati, come i santi, nei lubki (le stampe popolari) e ai protagonisti delle icone, primo fra tutti san Giorgio, patrono di Mosca, il santo guerriero che, da cavallo, trafigge il drago.
In questa sezione si susseguono le sue bellissime incisioni ispirate alle fiabe, i lubki raffiguranti indomiti cavalieri combattenti o variopinti uccelli del paradiso, giocattoli e oggetti decorati con il tema pervasivo del cavallo, e una splendida icona di San Giorgio del primo Cinquecento, accostati al più fiabesco dei dipinti che egli dedicò a quel santo e a dipinti e acquarelli già totalmente astratti, nei quali però torna in filigrana (talora anche nei titoli, come in Improvvisazione 20-Due cavalli) questo tema mai dimenticato.

TERZA SEZIONE.
MOSCA MADRE
«Mia madre era nata a Mosca e incarnava tutte le caratteristiche di questa città: una bellezza seria e severa, una semplicità di razza, un’energia naturale, una sensibilità forte e personale, una calma solenne e maestosa, un dominio di sé quasi eroico, un misto di convenzioni tradizionali e di vera libertà spirituale. In una parola, sotto forma umana: Nostra Madre Mosca dalla pietre bianche e dalle cupole d’oro».
Kandinskij era profondamente legato alla madre e altrettanto lo era alla sua città natale, Mosca, con la quale sembra identificarla.
In questa sezione scorrono i luoghi della sua vita: Odessa, dove visse da bambino, sentendosi «un ospite», poi Monaco, con Schwabing, il sobborgo bohémien dove viveva, il vicino lago di Kochel, e Murnau, il villaggio bavarese dove villeggiava d’estate e dove creò dipinti dai colori incandescenti. E Mosca, dove rientra dalla Germania nel 1914. Di lì a poco le dedicherà un capolavoro come Piazza Rossa: un dipinto astratto, nel quale tuttavia ancora si riconoscono chiese, campanili, palazzi, colti nella sua ora prediletta, il crepuscolo, quando – scrive Kandinskij – «Mosca si liquefa, diventa una macchia enorme. Come il “forte” finale di un’immensa orchestra, Mosca risuona vittoriosamente. Il rosa, il lilla, il giallo, il bianco, il turchino, il verde, il rosso fiamma delle case e delle chiese si uniscono al coro [con] la rossa muraglia del Cremlino. E sopra a tutto, come un grido di trionfo, […] la linea bianca del campanile di Ivan Velikij […] e la testa d’oro della sua cupola, il vero sole di Mosca».

QUARTA SEZIONE.
MUSICA DELL’ASTRAZIONE
La conquista dell’astrazione fu per Kandinskij la meta di un lungo e tortuoso itinerario, intellettuale prima ancora che pittorico. Fu però una folgorazione improvvisa a illuminarlo: a Monaco, entrando al crepuscolo nello studio, scrive, «vidi un quadro dalla bellezza indescrivibile, imbevuto di un ardore interno. Mi avvicinai a questo quadro misterioso, su cui non vedevo altro che forme e colori e il cui contenuto mi era incomprensibile: trovai subito la chiave del mistero: era un mio quadro, appoggiato alla parete di lato. […] Seppi allora in modo preciso che l’oggetto nuoce ai miei quadri».
Con che cosa sostituire, però, l’oggetto, senza cadere in una pittura meramente ornamentale? Dopo molto riflettere capì che, in quel tempo dominato dal materialismo, occorreva esplorare nuovamente l’interiorità.
Per penetrare nel mondo misterioso dello spirito, Kandinskij si affidò al colore e alla forma: dimenticato il dato reale, andò in cerca della «vibrazione interiore» che esso genera nello spirito umano, prendendo a modello la musica, «la più astratta delle arti». Specie quella di Arnold Schönberg, le cui esperienze musicali, scriveva, «non sono acustiche, ma puramente psichiche […]. Con lui comincia la “musica del futuro”».
Con Kandinskij inizierà la pittura del futuro. A provarlo, in questa sezione, sono numerosi capolavori non-oggettivi, alcuni mai visti prima in Europa, come il suo primo dipinto astratto, Quadro con cerchio (1911), e Tratto nero (1920), entrambi dal Georgian National Museum di Tbilisi.

LE INSTALLAZIONI MULTIMEDIALI.

La mostra propone anche degli strumenti di interazione multimediale con le opere di Kandinskij, per consentire al visitatore un’esperienza “immersiva” nel mondo dell’artista russo. Si tratta di un apparato di Information and Communication Technologies, multimediale e interattivo, progettato e curato da Giuseppe Barbieri, professore di Storia dell’arte moderna all’Università Ca’ Foscari Venezia, e dagli artisti visivi di camerAnebbia.

L’obiettivo – come scrive Giuseppe Barbieri – è quello di «inserire lo spettatore nell’universo visivo che costituisce il background del pittore russo, coinvolgendolo nella dimensione reale e metaforica del viaggio».

Nella sala introduttiva una grande proiezione su due pareti presenta una selezione di pagine del diario del viaggio dell’artista nel Nord della Russia, opportunamente tridimensionalizzate, foto di primo Novecento e più recenti, nonché una serie di dettagli degli oggetti d’arte applicata che il visitatore ritroverà nella prima sezione della rassegna, e che furono fonte d’ispirazione per la ricerca dell’artista: l’obiettivo è quello di far percepire al visitatore un’esperienza sensoriale “avvolgente” simile a quella che dovette affascinare Kandinskij nel suo viaggio a Vologda.

Nella seconda installazione i visitatori vedono proiettati su una parete di ampie dimensioni i particolari di sei opere di Kandinskij presenti in mostra. Toccando queste sei immagini digitali con il palmo della mano iniziano altrettante grandi e coinvolgenti “storie visive” (Visualtelling,le ha definite Barbieri) che consentono di comprendere, di volta in volta, la ricchezza della tavolozza dell’artista, le “grandi forme” sottostanti le sue composizioni, i rapporti simbolici dei diversi colori, la genesi dell’opera stessa…

Alla fine del percorso, a conclusione della sezione dedicata alla “musica dell’astrazione”, in una “stanza sonora” interattiva, pur di ridotte dimensioni, i visitatori possono grazie all’ascolto di brevi frammenti musicali schönberghiani – selezionati da un’esperta musicologa come Giada Viviani – rivivere e condividere, con i movimenti del loro corpo, una profonda esperienza emozionale e multimediale tra musica e pittura, simile a quella che tanto fortemente ha colpito, in stagioni e momenti diversi, l’attenzione dell’artista russo.

INFO UTILI:

SEDE ESPOSITIVA e DATE MUDEC – Museo delle Culture di Milano (Via Tortona, 56)
Dal 15 marzo al 9 luglio 2017.
ORARI Lun 14.30 ‐19.30 | Mar, Mer, Ven, Dom 09.30 ‐ 19.30 | Gio, Sab 9.30‐22.30
Il servizio di biglietteria termina un’ora prima della chiusura
BIGLIETTI Intero € 12,00 | Ridotto € 10,00
INFORMAZIONI E PRENOTAZIONIwww.ticket24ore.it | Tel. +39 0254917

Evento per viaggiatori e amanti della cultura a Torino – COSE D’ALTRI MONDI – Palazzo Madama

COSE D’ALTRI MONDI

Raccolte di viaggiatori
tra Otto e Novecento

Palazzo Madama – Sala Atelier
Piazza Castello – Torino

6 aprile – 11 settembre 2017

Inaugurazione
mercoledì 5 aprile 2017 ore 17.30
6 aprile 2017 – 11 settembre 2017

Il 6 aprile nella Sala Atelier di Palazzo Madama apre la mostra Cose d’altri mondi.

… testi buddhisti in lingua Pali, scritti su foglie di palma dorate e chiusi da tavolette in lacca rossa e oro … ventagli in carta di gelso … collana d’artigli di giaguaro dell’America centrale … inquietante quasi quanto la Tsantsa, la testa umana miniaturizzata portata sul petto  …

Raccolte di viaggiatori tra Otto e Novecento, un viaggio attraverso quattro continenti illustrato da opere d’arte provenienti dalle ricche collezioni etnografiche del museo e da prestiti di altri musei del territorio piemontese.

In tutto sono esposti fino all’11 settembre 2017 più di 130 oggetti, tra armi, strumenti musicali, oggetti sacri, ornamenti, in gran parte mai esposti prima d’ora al pubblico, entrati nelle collezioni di Palazzo Madama grazie alle donazioni di diplomatici, imprenditori, artisti, commercianti e aristocratici.

Reperti archeologici dell’America pre-colombiana. Tamburi, sonagli e lire congolesi.

Pagaie cerimoniali, clave e tessuti in corteccia d’albero provenienti dalle isole dell’Oceania.

Testi sacri e sculture buddhiste.

E ancora manufatti africani, maschere del Mali e della Nigeria; un meraviglioso pariko (diadema) di penne multicolori usato dai Bororo del Mato Grosso nelle cerimonie; opere queste provenienti rispettivamente da due importanti musei etnografici del territorio piemontese: il Museo Etnografico e di Scienze Naturali Missioni della Consolata di Torino e il Museo Etnologico Missionario del Colle Don Bosco.

La mostra – curata da Maria Paola Ruffino e Paola Savio, storiche dell’arte di Palazzo Madama – riconduce a un’epoca in cui con sguardo positivista si studiavano i mondi lontani dall’Occidente e quindi esotici. Una stagione in cui i maggiori musei europei si aprirono ad accogliere reperti e manufatti di popoli e continenti diversi alla ricerca di nuove chiavi di lettura per la propria storia e cultura.

A Palazzo Madama il percorso espositivo si articola in quattro principali sezioni: Africa, Asia, America e Oceania.

Nell’Africa troviamo una selezione di armi e strumenti musicali raccolti dal marchese Ainardo di Cavour, durante un avventuroso viaggio compiuto nel 1862 nella regione detta Sennar (tra Egitto e Sudan), e da Tiziano Veggia, che lavora nella prima metà del Novecento alla costruzione di ferrovie in Congo, nonché dai Missionari della Consolata, in contatto con numerose etnie, quali i Bambara nel Mali, gli Yoruba in Nigeria e i nomadi Beja.

Dall’Asia proviene la collezione di sculture sacre, stoffe, avori intagliati ed altri oggetti d’uso, esposta per la prima volta, che l’imprenditore Bernardo Scala nel 1880 porta con sé al suo rientro dallo Stato del Myanmar (allora detto Birmania).

Di particolare fascino sono i testi buddhisti in lingua Pali, scritti su foglie di palma dorate e chiusi da tavolette in lacca rossa e oro che sono stati restaurati per la mostra, e gli oggetti provenienti dalla Corea donati dal conte Ernesto Filipponi di Mombello nel 1888: ventagli in carta di gelso dipinta e un libro che mostra esempi delle Cinque Relazioni Umane confuciane, in scrittura cinese e coreana a scopo divulgativo.

Nella seconda metà dell’Ottocento s’intensificano i viaggi oltreoceano, come testimoniano le numerose raccolte rappresentate nella sezione dedicata all’America.

Dal Messico provengono gli oggetti precolombiani donati al museo nel 1876 dall’imprenditore Zaverio Calpini. Reperti rari e preziosi quali le sculture olmeche, urne cinerarie zapoteche, ornamenti d’oro e idoli della cultura Maya, Mixteca e Azteca, e anche manufatti più comuni quali gli stampi in terracotta a rilievo per decorare il corpo o i rocchetti in ossidiana da inserire nei lobi delle orecchie, che trovano sintonie inaspettate negli usi e nella cultura contemporanea.

Dal Perù arrivano i pettorali e pendenti in argento e oro donati da Giovanni BattistaDonalisio, console di Panama. Resta invece ignoto il nome di chi abbia offerto al museo di Palazzo Madama la collana d’artigli di giaguaro dell’America centrale; inquietante quasi quanto la Tsantsa, la testa umana miniaturizzata portata sul petto quale trofeo dai guerrieri della tribù Jívaro in Ecuador, offerta ai concittadini da Enrico della Croce di Dojola nel 1873.

L’Oceania costituisce l’ultima sezione della mostra, con una selezione tra gli oltre 200 oggetti donati nel 1872 da Ernesto Bertea. Avvocato e pittore, Bertea non viaggia personalmente oltreoceano, ma acquista forse a Londra questo eccezionale nucleo di manufatti provenienti dalle isole polinesiane e Salomone, di pregio pari a quelli del British Museum. Tra gli oggetti esposti delle clave rompitesta, lance, fiocine, pagaie cerimoniali dipinte e intagliate a intrecci geometrici e alcuni tapa, tessuti fatti di fibra di corteccia battuta e decorata a stampo con motivi di linee e geometrie regolari.

Il percorso nel suo articolarsi è carico di sorprese e suggestioni e consente di scoprire opere esteticamente insolite e stupefacenti a tal punto da sembrare oggetti attinenti a certa illustrazione fantasy contemporanea o persino progettati da culture extraterrestri.

Main sponsor della mostra è Autocentauro – Mercedes-Benz, uno dei più importanti concessionari Mercedes-Benz d’Italia. Per partecipare attivamente alla vita culturale e artistica di Torino, Autocentauro ha deciso di sostenere le mostre che Palazzo Madama dedica al tema del viaggio: sia “Cose d’altri mondi. Raccolte di viaggiatori tra Otto e Novecento” sia la mostra “Odissee. Diaspore, invasioni, migrazioni, viaggi e pellegrinaggi” in programma nell’autunno del 2017.

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Palazzo Madama – Museo Civico d’Arte Antica
Fondato nel 1863, il museo è oggi ospitato in uno dei più antichi e affascinanti palazzi della città, con testimonianze architettoniche e di storia dall’età romana al Barocco di Filippo Juvarra. Le raccolte contano oltre 60.000 opere di pittura, scultura e arti decorative dal periodo bizantino all’Ottocento. www.palazzomadamatorino.it

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Piazza Castello, Torino

Orario: lun-dom 10.00-18.00, chiuso il martedì. La biglietteria chiude 1 ora prima
Biglietto museo: intero 10 euro, ridotto 8 euro, gratuito fino ai 18 anni.

Fondazione Torino Musei. 150.000 opere d’arte, 2000 anni di storia, 4 musei.

Nata nel 2002, ne fanno parte GAM – Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea, Palazzo Madama – Museo Civico d’Arte Antica, Borgo Medievale e MAO Museo d’Arte Orientale. Lo straordinario patrimonio, tra collezioni, raccolte e strutture, rende l’offerta culturale torinese una delle prime in Italia, anche grazie a collaborazioni attive con i più importanti musei e fondazioni nazionali e internazionali. www.fondazionetorinomusei.it