Mostre a Vicenza – Pittura e scultura tra Ottocento e Novecento – Italia / Germania

Presentata alla Basilica Palladiana di Vicenza la grande mostra
Italia Germania.

Pittura e scultura tra Ottocento e Novecento. Da Canova a Kiefer,
prima tappa della trilogia espositiva

Ispirazione Europa. Dialoghi d’arte tra il XIX e il XX secolo.

In mostra oltre 160 opere, tra gli altri, di:

• Canova, De Chirico, Boccioni, Dix, Kandinskij, Fontana, Burri, Vedova, Beuys, Baselitz, Richter, Kiefer

 È stata presentata oggi alla stampa nazionale, in Basilica Palladiana di Vicenza, la grande mostra Italia Germania. Pittura e scultura tra Ottocento e Novecento. Da Canova a Kiefer, visitabile al pubblico dal 14 novembre al 2 maggio 2027. Venerdì 13 novembre il Presidente della Repubblica Sergio Mattarella inaugurerà l’esposizione con una cerimonia ufficiale al Teatro Olimpico.

Un progetto triennale
L’esposizione costituisce la prima tappa dell’ampio progetto espositivo triennale Ispirazione Europa. Dialoghi d’arte tra il XIX e il XX secolo, volto ad indagare il ruolo fondativo delle arti nella costruzione di una visione identitaria europea. Il ciclo proseguirà

• nel 2027 esplorando il legame Italia Francia, per concludersi nel 2028 con un focus dedicato al rapporto Italia Spagna, ricostruendo una trama fitta di viaggi, incontri, influenze e confronti che hanno trasformato il linguaggio dell’arte e, più in generale, la visione culturale dell’Europa. L’opera d’arte viene indagata come un vero e proprio «sistema satellitare»: un organismo complesso capace di intercettare messaggi, raccogliere eredità passate e rispondere con tenacia ed etica alle pressioni, alle crisi e alle ricostruzioni della società europea.

Il Progetto curatoriale
Sono 168 le opere esposte per questa occasione, prestate da oltre 60 tra le più prestigiose istituzioni culturali italiane e internazionali, e da diverse collezioni private. Oltre al Mart di Trento e Rovereto, alla Casa di Goethe e al Museo Gypsotheca Antonio Canova di Possagno, tra gli altri anche il Museo Nazionale Thyssen-Bornemisza di Madrid, il Museo d’Arte della Carolina del Nord di Raleigh, le Collezioni Statali d’Arte di Dresda, il Museo MKM Küppersmühle per l’Arte Moderna di Duisburg, le Collezioni Statali di Pittura di Monaco di Baviera, i Musei Vaticani, le Gallerie degli Uffizi di Firenze, i Musei Civici di Venezia, il Museo del Novecento di Milano, la Galleria Nazionale d’Arte Moderna e Contemporanea di Roma, le Gallerie d’Italia – Intesa Sanpaolo, la Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea di Torino, Palazzo Maffei, le Fondazioni Emilio e Annabianca Vedova, la Fondazione Lucio Fontana, la Fondazione Bonotto, la Fondazione Cariverona, il Museo Von der Heydt di Wuppertal, la Cristea Roberts Gallery di Londra, la Collezione Giancarlo e Danna Olgiati di Lugano.

• Per la prima volta in Italia arrivano tre straordinari capolavori:
• il Bambino che fa le bolle di sapone di Heinrich Maria Davringhausen dal Museo Leopold Hoesch di Düren, insieme al
• Paesaggio in autunno di Karl Schmidt-Rottluff e ai
• Bambini sulle scale di Georg Schrimpf, entrambi provenienti dalle Collezioni d’Arte di Chemnitz (Museo Gunzenhauser).

IL PERCORSO ESPOSITIVO
I curatori hanno individuato dodici momenti storici significativi e particolarmente densi, a ciascuno dei quali corrisponde una sezione del percorso espositivo (1786-1800 Il mito dell’Italia, 1810-1860 L’arte quattrocentesca come modello, 1879-1896 Gli dèi irrompono nella modernità, 1912-1914 Futurismo/Espressionismo, 1925 Il tempo sospeso e la magia del reale, 1934-1935 Punto, linea superficie: come ridisegnare il mondo, 1958 Nuovi dialoghi tra Italia e Germania, 1957-1959 Gruppo Zero e Azimuth, 1964 Coscienza e consapevolezza, 1978-1980 Il ritorno alla pittura, 1979 La difesa della natura, Epilogo «Cerco un paese innocente»).

Ogni capitolo – ogni data – approfondisce le interazioni, gli scambi e le novità che contribuirono ad avviare e indirizzare le principali trasformazioni dell’arte italiana e tedesca e più in generale europea.
A guidare idealmente questo itinerario è la figura di

• Johann Wolfgang von Goethe, scelto come “spirito guida” ed
• emblema di quell’incontro con l’Italia inteso non solo come memoria del classico, ma come profonda rigenerazione etica, interiore e artistica.

Le radici tra Settecento e Ottocento: il mito dell’Italia e le sue declinazioni

Il racconto prende avvio sul finire del Settecento, quando l’Italia diviene la meta d’elezione per artisti e intellettuali tedeschi alla ricerca delle radici dell’Antichità e del Rinascimento. Il celebre viaggio in Italia (1786–1788) di Johann Wolfgang von Goethe consacra l’Italia come luogo di rinascita spirituale e “seconda nascita”.

In questo clima nasce

– a Roma la comunità dei Nazareni (Overbeck, Pforr, Cornelius), che scelgono di restituire alla pittura una dimensione morale d’ispirazione tre-quattrocentesca (ispirandosi alla tradizione di Beato Angelico, Perugino, il primo Raffaello e Dürer). In dialogo con l’esperienza dei Puristi italiani (come Tenerani e Minardi), la loro ricerca sancisce un rinnovato legame affettivo e ideale tra le due nazioni, incarnato da capolavori allegorici come Italia e Germania.

Accanto a questa vicenda si sviluppa il confronto sul classicismo europeo espresso dall’opera di Antonio Canova e del danese-nordico Bertel Thorvaldsen. Sul finire del XIX secolo, con l’affermarsi del Simbolismo e delle Secessioni, gli scambi si intensificano: la sensibilità panica e mitologica di Arnold Böcklin e la Griffelkunst (l’arte dello stilo e del segno inciso) di Max Klinger diventeranno punti di

• riferimento decisivi per la nascita della pittura metafisica di Giorgio de Chirico e per i simbolisti italiani come Giulio Aristide Sartorio e Leo Putz.

Avanguardie a confronto: Futurismo ed Espressionismo

Con l’inizio del Novecento si inaugura una “linea disobbediente” che mette a rischio i canoni tradizionali della pittura. Nel 1912 e nel 1913, le storiche mostre organizzate da Herwarth Walden nella galleria Der Sturm a Berlino (tra cui il celebre Erster Deutscher Herbstsalon) vedono il confronto diretto tra il Futurismo italiano e l’Espressionismo tedesco.
Artisti come Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Gino Severini e Luigi Russolo incrociano le loro ricerche con i maestri della Brücke e del Blaue Reiter come per esempio Emil Nolde, Karl Schmidt-Rottluff, Otto Dix, Carlo Mense, Heinrich Campendonk. Nonostante le differenti matrici – la tensione verso il dinamismo e la modernità urbana per i futuristi, lo scavo interiore e il dramma esistenziale per gli espressionisti – questo cortocircuito visivo ridefinisce radicalmente il linguaggio dell’arte moderna europea.

Tra le due guerre: Realismo Magico, Neue Sachlichkeit e l’Astrazione del Milione

Negli anni Venti, di fronte ai traumi della Prima guerra mondiale, si assiste in entrambi i Paesi a un ritorno alla figurazione raggelata e ad una meditata ricostruzione della realtà. Da un lato la Neue Sachlichkeit (Nuova Oggettività) tedesca di Otto Dix, Georg Schrimpf, Christian Schad, Heinrich Maria Davringhausen affonda lo sguardo nell’inquietudine e nel degrado sociale della Repubblica di Weimar; dall’altro il Realismo Magico italiano di Felice Casorati, Antonio Donghi, Gino Severini, Cagnaccio di San Pietro, Edita Broglio, Ubaldo Oppi trasfigura il quotidiano in una quiete sospesa e atemporale.

Parallelamente si apre la stagione dell’astrazione geometrica:

• dopo la chiusura del Bauhaus nel 1933 voluta dal regime nazista,
• Milano diviene un presidio fondamentale di resistenza culturale. Attorno alla Galleria Il Milione e alla figura dell’architetto Alberto Sartoris,
• le opere dei maestri messi al bando in Germania – Vasilij Kandinskij, Josef Albers, Willi Baumeister – dialogano con la prima generazione di astrattisti italiani (come Mauro Reggiani, Mario Radice, Luigi Veronesi, Fausto Melotti, Lucio Fontana). In quegli anni, la purezza della linea e della forma geometrica rappresenta una scelta etica e un atto radicale di libertà di fronte alla retorica dei regimi.

Dopo il 1945: Espiazione, Informale e il riscatto con ZERO e Azimuth

Dopo il dramma della Seconda guerra mondiale e la cesura dei totalitarismi, l’arte reagisce facendosi strumento di responsabilità morale e memoria critica. La presa di coscienza delle tragedie della storia si traduce nelle

• opere esplicite di Jenny Wiegmann Mucchi, Marino Marini, Leoncillo Leonardi, negli assemblages berlinesi di Emilio Vedova e nelle azioni dissacranti dell’Azionismo viennese (come di Rainer, Nitsch, Brus) e
• nelle denunce di Anselm Kiefer e Gerhard Richter.

Nel dopoguerra, il dialogo riparte attraverso l’astrazione e l’Informale, sancito nel 1958 dalla mostra Pittori tedeschi e italiani contemporanei, tra i quali Afro, Tancredi Parmeggiani, Piero Dorazio, Antonio Sanfilippo, Giuseppe Santomaso, Alberto Burri, Emilio Vedova, Piero Dorazio, Karl Fred Dahmen, Ernst Wilhelm Nay, Fritz Winter, Emil Schumacher, Bernard Schultze, Peter Brüning.
Alla fine degli anni Cinquanta si compie una nuova svolta per “azzerare” il linguaggio artistico: il gruppo ZERO di Düsseldorf (tra i quali di Heinz Mack, Otto Piene, Günther Uecker) stabilisce uno stretto sodalizio con la scena milanese nata attorno alla rivista e galleria Azimuth di Piero Manzoni, Enrico Castellani, Agostino Bonalumi, Nanda Vigo sotto la guida ideale di Lucio Fontana. Sostituendo pennelli e colori con luce, spazio, fuoco, chiodi e superfici monocrome (Achrome ed estroflessioni), questi artisti creano una rete internazionale cinetica e concettuale decontaminata dalle scorie del passato.

Memoria, identità, contemporaneità: da Beuys alle Neo-avanguardie

La riflessione politica, sociale ed ecologica trova il suo apice nella figura di Joseph Beuys, che intreccia con l’Italia (in particolare l’Abruzzo con la celebre azione La Difesa della Natura) un legame profondo e biografico. Le sue intuizioni sulla scultura sociale e sulla tutela del pianeta trovano dirette rispondenze nel lavoro degli artisti dell’Arte Povera come Mario Merz, Giuseppe Penone, Giovanni Anselmo, teorizzata da Germano Celant.

Tra la fine degli anni Settanta e gli anni Ottanta, la pittura riconquista la scena con la riaffermazione della figurazione neo-espressionista e del nomadismo culturale: i Neue Wilden tedeschi come Georg Baselitz, Markus Lüpertz, Rainer Fetting, Helmut Middendorf e successivamente Neo Rauch con la Scuola di Lipsia dialogano strettamente con i protagonisti della Transavanguardia italiana, definizione coniata da Achille Bonito Oliva, quali Sandro Chia, Francesco Clemente, Nicola De Maria, Enzo Cucchi, Mimmo Paladino.

Epilogo: «Cerco un paese innocente»

Il percorso espositivo si chiude idealmente nella sala finale ponendo la domanda escatologica “a che cosa serve l’arte?”. Tre giganti della pittura del secondo Novecento – Emilio Vedova, Georg Baselitz e Anselm Kiefer – affrontano il tema della memoria storica, del dolore e della responsabilità culturale dell’Europa.

• Dal grande tondo di Vedova Chi brucia un libro brucia un uomo (1993)
• alla potente tela If I die, leave the balcony open (2021-2025) di Kiefer – ispirata alla poesia Despedida di Federico García Lorca (“Se muoio, lasciate il balcone aperto”) -, l’arte dimostra la sua capacità di tenere aperto quel “balcone” sulla storia, impedendo che nel buio affondi l’ultima speranza.

Come sottolineano i curatori Gabriella Belli e Valerio Terraroli, “Per questa mostra abbiamo voluto esplorare la storia artistica di Italia e Germania cercando i punti di contatto che testimonino gli scambi e la contiguità che hanno caratterizzato i nostri Paesi nei due secoli appena trascorsi, attraversati da vicissitudini politiche estreme, fino all’assetto democratico attuale. Molto è mostrato ma altrettanto rimane in ombra, tuttavia la strada principale ci sembra segnata. L’intento è stato di valorizzare il debito che ogni cultura ha con le altre, specie se limitrofe, per crescere e arricchirsi. La mostra Italia Germania all’interno del progetto Ispirazione Europa è in definitiva questo: l’occasione per analizzare, nel segno di Saturno, in cosa effettivamente consista quel patrimonio culturale d’Occidente che i padri fondatori auspicarono -forse troppo ottimisticamente – potesse dare radici salde all’Europa politica.”

La mostra: una sinergia tra istituzioni pubbliche e private
Italia Germania è un progetto della Città di Vicenza insieme ai Musei Civici, al Centro Internazionale di Studi di Architettura Andrea Palladio, alla Fondazione Teatro Comunale Città di Vicenza e a Marsilio Arte.
L’esposizione rientra nel ‘Programma Grandi Eventi’ della Regione del Veneto ed è realizzata con il patrocinio del Ministero degli Affari Esteri e della Cooperazione Internazionale, dell’Ambasciata della Repubblica Federale di Germania in Italia, in occasione dei 75 anni dalla ripresa delle relazioni diplomatiche tra i due paesi, e della Provincia di Vicenza. Vede la collaborazione speciale del Mart – Museo di arte moderna e contemporanea di Trento e Rovereto e la collaborazione del Museo Casa di Goethe di Roma e del Museo Gypsotheca Antonio Canova di Possagno.

Main Partner è Intesa Sanpaolo, che contribuisce anche attraverso Gallerie d’Italia, i musei del Gruppo, prestando cinque opere delle proprie collezioni per il percorso espositivo in Basilica Palladiana e ospitando nei nuovi spazi delle Scuderie di Palazzo Leoni Montanari una sezione dedicata con due opere del Novecento. Un coinvolgimento che rafforza il dialogo tra le istituzioni culturali della città e amplia le occasioni di fruizione dell’arte.

Main Sponsor sono Gruppo Magis, Mercedes-Benz e Trivellato; con la partecipazione della Camera di Commercio di Vicenza; con il contributo di Confindustria Vicenza; con il supporto di Airbnb, Fondazione Cariverona, Fondazione PL24, Gemmo, Gruppo ICM. In partnership con il Gruppo SAVE. Media Partner: RAI, Il Giornale di Vicenza, TVA. Mobility Partner: Gruppo FS. Hospitality Partner: The Aries Grand Boutique Hotel, The Glam Boutique Hotel & Apt. Mecenate della mostra è Serenissima Ristorazione.

Accompagna la mostra un ampio catalogo edito da Marsilio Arte, con un saggio di apertura di Luca Crescenzi, i testi dei curatori Gabriella Belli e Valerio Terraroli, cui seguono i contributi di Luca Massimo Barbero, Elisabetta Barisoni, Antonio d’Avossa, Flavio Fergonzi, Kay Heymer, Lucia Mor, Francesco Tedeschi, Alessandra Tiddia, Denis Viva e Alessandro Zangrando.

Informazioni
www.mostreinbasilica.it